Le blog du mouvement shoegaze

Suredo : Swell EP

2012-01-28T21:42:00.002Z

Swell EP de Suredo

Sortie : 1992
Produit par Mike Herrström
Label : Ceilidh Productions

On a souvent reproché au shoegaze un certain manqué de lisibilité. Une tendance à rendre la pop plus bruyante et compliquée. Le choix d’un chemin plus tortueux, évanescent, sans fil directeur, au mépris d’une mélodie simple et claire, a pu en effet être mal perçu par les amateurs, davantage réceptif à l’évidence et à une logique carrée.
Mais ce sont ces mêmes travers qui font du shoegaze un genre si unique et si décalée. Une utilisation si particulière des guitares, qui scintillent comme des étoiles, ou tremblotent comme des loupiottes, de façon à distiller une ambiance rugissante et perverse. C’est comme si la beauté voulait s’enfuir, se muer en une autre forme, qu’elle se laissait envahir de glissades.
Les accélérations à la batterie, les intrusions de saturations, les successions de petits arpèges, le mur du son incroyable qui se développe, les interventions féminines, les changements incessant de rythmes et d’ambiances, donne une couleur incroyable à un titre pourtant aussi dynamique que « Harmonizer ».
Au cours de cet EP de seulement quatre titres, qui respectent intégralement le style shoegaze alors en vogue à cette époque, Suredo fait de vrombissement, de hachures, de recouvrement, d’intrusions, des moments de pures grâces infernales. « Levitate my heart » est une vraie démonstration faisant la part belle aux guitares, successivement claires, spatiales, langoureuses, lourdes, déformées, rugissantes, bizarroïdes, métalliques, parfois en même temps. Les mélodies, pourtant claires, s’y noient, se perdent, s’y fondent avec délectation et avec une grâce sans pareille.
Ce premier EP, encore proche de My Bloody Valentine, est un manifeste talentueux en faveur de la pop, brouillon, débraillé et jeune. Cela regorge d’enthousiasme, à l’instar de « Inside your eyes » : guitares claires, chant doux et léger, traversé de saturations qui dérapent, glissent et suintent de mille éclats abrasifs, pour installer et offrir au refrain les apparats qu’il mérite.
« Sonic Atmosphere » (qui porte bien son nom) est un vrai sommet, une des plus grandes chansons shoegaze jamais écrite, totalement représentative du courant, où tout y est. La mélodie est addictive, avec son chant soufflé et ses voix féminines sucrées, elle devient d’ailleurs davantage jubilatoire à mesure que les distorsions viennent s’ajouter ou que la batterie ne se réfrène plus de cogner. Ce titre euphorique est la preuve d’une telle audace ! C’est tout autant complexe qu’ingénu. Il n’y aucune limite aux explosions de guitares, ce qui rend les choses si magiques, on attend plus qu’une chose, c’est d’être entièrement recouvert par ces saturations tout droit sorties d’un rêve.
La scène indé suédoise, à ses débuts, regorgeait de groupes talentueux, adeptes d’un shoegaze vivifiant, électrique, frondeur. Suredo en faisait partie.

Suredo : Whatahandsomeface?

2012-01-28T15:33:00.004Z

Whatahandsomeface? de Suredo

Sortie : 1993
Produit par Micke Herrström
Label : Ceilidh Productions

S’inscrivant en plein dans la scène indie suédoise en ce début des années 90, Suredo pratiquait une musique enjouée, avenante et surtout très bruyante.
Les accents power-pop sont ici plutôt prononcés, avec des mélodies faciles, vives, évidentes à cerner, contenues dans de très courtes chansons (entre deux et trois minutes) qui visent juste. « Pullower » ou « Spare my logic » sont des sortes d’éjaculation précoce de guitares brouillonnes et saturées, qui rappellent la bonne époque de Dinosaur Jr. C’est crade, pêchu, mais ça contient aussi un je-ne-sais-quoi de rafraîchissant, une sorte de fougue que seuls les jeunes peuvent avoir. Des musiciens qui réussissent à signer en une minute trente chrono une chanson mémorable au refrain qui reste dans les têtes (« Byes »).
Mais Suredo, très bon groupe suédois mais très méconnu aussi (l’un ne va pas sans l’autre) n’oublie pas aussi ses influences plus proches : Easy, Popsicle, Ride, The Boo Radleys. Après tout, rien de plus normal puisqu'ils possèdent Micke Herrström aux manettes, l'homme responsable du son shoegaze en Suède (avec Popsicle notamment). Ils se permettent ainsi d’utiliser leurs guitares pour de plus longs morceaux qui font la part belle à l’évasion et à la magie. Malgré l'approximation, cela renforce le côté impulsif du groupe. On capte sur le vif une envie folle de secouer, de faire tourner les têtes, de proposer une poésie bouillonnante et chaude, grossière mais pleine de bonnes intentions.
On peut retenir « Here on my own », toute lente, avec une petite mélodie adorable avant qu’un tonnerre de saturations ne s’abattent et qu’un solo ne s’immisce ou bien « Down-come », avec sa petite voix noyée sous les distorsions qui surviennent de nulle part.
Quant à « Childlike », c’est un véritable tour de force : démarrant langoureusement sur des chants adoucis et enfumés, dépassés par des nappes de guitares, la chanson se finit sur de longues minutes harassantes de distorsions, feed-back et autres saturations… A en filer le tournis !
Suredo, avec sa maladresse, son manque de retenu et son envie contagieuse de tout faire d’un coup, remet en tout cas la guitare au centre de la chanson, ce qui est finalement bien là l’essentiel. En surchargeant son volume sonore, en empilant les couches et en ne proposant que des solos saturées, le jeune groupe suédois fait tout simplement rêver tout amateur de rock indé. A titre d’exemple, « Ultramarine », magnifique titre de conclusion, aux voix langoureuses, sucrées, et aux guitares aériennes, magiques, qui évoque les plus belles heures de Ride.

Fiche artiste de Popsicle

2012-01-23T20:49:00.003Z

Popsicle

Bien qu'ayant été fondateur de la scène indie suédoise avec d'autres groupes comme The Drowners, The Wannadies, This Perfect Day ou Brainpool, ce quartet originaire de Piteå n'aura finalement connu le succès que bien plus tard, avec leur tube "Not Forever", un superbe titre power-pop, arrivé en 1996 mais qui n'a rien à envier aux maitres du genre anglo-saxons.
A leur début, le groupe était tout autant influencé par Sugar, Teenage Fanclub, que par My Bloody Valentine ou Ride. Il allait alors contribuer au riche catalogue de West Side Fabrication (label culte faut-il le préciser) avec une cassette en 1992 avant de signer pour Telegram Records, une filiale suédoise d'une major. Avec eux, plus d'ouvertures vers le côté power-pop, une pléiade de singles et quelques albums très réussis. Seulement le groupe fut surtout connu pour les déclarations chocs de son leader, Fredrick Norberg, n'hésitant pas à souhaiter en interview "que les membres de Arvingana se plantent dans un accident de car", humour que les intéressés aprécieront...
C'est lui qui écrivait également les chansons, avec l'aide de Andreas Mattson, et tout deux se partageaient également les parties de chant. A la basse, on avait Kenneth Wilkstrom et à la batterie, PA Wikander. Alors forcément, lorsque Fredrick se décidera à partir en 1999, c'est tout simplement le groupe qui prenait fin.

Popsicle : Lacquer

2012-01-23T20:35:00.003Z

Lacquer de Popsicle

Sortie : 1992
Produit par Adam Kviman et Micke Herrström
Label : Telegram Records

Chainon manquant entre le shoegaze de Ride et la power-pop de Teenage Fanclub, ce groupe suédois n’a pas connu le même rayonnement. Pourtant toute la décennie 90’S est contenue dans cet album. Dépositaire du son si particulier de cette époque, à la fois insouciant et bruyant, Popsicle va résumer les aspirations de toute une génération, avec une facilité déconcertante.
Car c’est probablement cela qui sidère le plus : Popsicle est une machine à pop-song irrésistibles ! Tout coule de source, tout semble évident, tout rayonne. Le plaisir est toujours intact même en multipliant les écoutes. On a beau dépasser un nombre raisonnable, qu’il est bon de se laisser entrainer par ces guitares cradingues qui partent dans tous les sens, par ces mélodies chatoyantes et vives, ces voix à côté de la plaque d’une douceur mièvre, limite crâneuse.
« Hey Princess » ne laisse pas le choix à l’auditeur, obligé à adhérer : après une intro frondeuse, à la mélodie prenante, une fois qu’on est pris et qu’on sent qu’on ne décrochera plus, Popsicle lance des guitares sèches, des harmonies vocales magiques, et un sens de refrain qui s’est perdu à l’heure actuelle du réchauffé et du mainstream.
C'est frais, lumineux, joyeux. On pourra prétexter bien sûr que tout ceci est anti-punk, Lacquer allie pourtant à merveille les guitares noisy et les mélodies miraculeuses de simplicité, pour un pur régal pop. Force est de reconnaitre que le charme est bien présent. Les mélodies sont ébouriffantes, vite prenantes, surtout lorsque les morceaux sont lancés à la vitesse de l’éclair. C’en est presque désarmant. Mais tellement addictif ! Sous la main-mise des guitares, qui alternent arpèges et tempêtes indomptables, le quartet écossais enchaîne les titres superbes, à faire rougir les songwriters. On retrouvera partout un sens de l’accroche, avec guitares sèches, guitares claires et chants savoureux, simplistes, benêts, complété d’une liberté totale dans l’utilisation du mur du son et des saturations. Du génial "Popcorn" à "A song called liberty" en passant par "How come we" (et ses chœurs féminins de toute beauté), on se laisse entraîner par ce ton léger et vibrant. Les harmonies vocales sont magnifiques et transforment le ton nerveux présidé par les guitares en ambiance délicieusement sucrée. Emmitouflé dans un gros son déployé, le groupe suédois exhibe sans retenue un goût certains pour les trésors mélodiques.
Comment ne pas citer « Pale Honey », sorte d’hymne générationnel à reprendre en chœur, d’une suavité trompeuse et adorable, noyée sous un flot ininterrompu de guitares et des beats surmultipliés ? Comment passer à côté de « Bird », magnifique ballade romantique et pleine d’entrain, aux paroles amoureuses et naïves, mais si vraies qu’elles résonnent encore en écho ? Comment négliger un titre comme « Slow », complexe, noir et qui s’illumine progressivement à mesure que le mur du son s’impose ?
Tous concourent à faire de cet album un vrai trésor caché du rock indépendant suédois, et du shoegaze en général. On ne sait plus en faire des comme ça. C’est triste mais c’est ainsi : il y avait à l’époque une telle insouciance, une telle permissivité, une telle volonté de positiver. Mais c’est grâce à ces jeunes garçons qui n’avaient pas peur de passer pour niais qu’on a eu le droit à quelques unes des plus belles parties de guitares qui nous aient été donné d’entendre !

Historique de la scène argentine

2012-01-02T16:52:00.011Z

La Movida Sonica

Gustavo Cerati et Daniel Melero

Nuls ne doutent que sans Soda Stereo, la scène alternative argentine n’aurait jamais pu avoir le rayonnement qu’on a connu. Grâce à ce soutien, des groupes jeunes, foutraques et talentueux, ont pu être mis en avant. La publicité offerte aura eu le mérite d’une part de faire connaître au public argentin une musique nouvelle, expérimentale et festive, et d’autre part de décomplexer de nombreux groupes, osant désormais s’ouvrir à diverses influences sans avoir peur.

C’est en souhaitant que son propre groupe s’éloigne des carcans musicaux et des stéréotypes, que Gustavo Cerati, le leader de Soda Stereo, s’est ainsi inspiré de cette scène émergente, mal connue et mal représentée. Des contacts se sont noués, des échanges se sont pratiquées, des sons nouveaux ont été tentés. Et c’est donc tout naturellement que Soda Stereo a invité certains groupes comme Babasonícos, Tía Newton ou encore Juana la Loca, à venir faire leurs premières parties. Cette série de concerts en 1992 fut l’acte fondateur du mouvement, appelé « La Movida Sonica », tout d’abord avec les nouvelles chansons que Soda Stereo offraient sur scène, mais également avec la promotion de tous ces autres groupes, qui n’auraient jamais pensé un jour se produire devant autant de personnes.

Pour Soda Stereo, ce changement de cap s’opère l’année précédente, alors que la formation de Buenos Aires profite encore de l’extraordinaire notoriété apporté par leur album « Cancion Animal ». A l’image de U2, auquel il fut beaucoup comparé (Bono finira par dire toute son admiration pour Gustavo Cerati), le groupe est au sommet de sa gloire, a l’habitude d’enchainer les shows spectaculaires et de tourner dans toute l’Amérique Latine, comme au Venezuela ou en Colombie. Et c’est justement ce succès qui va provoquer chez le groupe une envie irrépressible de fuir, de changer de style et de prendre des risques. Comme si cela était devenu ingérable.
Tout commence le 14 décembre 1991, à l’occasion d’une série de concerts gratuits offerts par la municipalité de Buenos Aires. Soda Stereo ferme la marche et se produit sur l’avenue du 9 juillet, la plus grande artère de la ville, voire du monde, devant près de 250 000 personnes ! Du jamais vu ! Une foule immense, dépassant toutes les espérances, monstrueuses, qui surprit les membres de Soda Stereo, qui ne s’attendait pas à un tel succès. Non seulement il s’agit de la plus importante foule de l’histoire des concerts argentin, mais en plus venue écouter un groupe de rock chantant en espagnol ! Ce concert gigantesque (où Soda Stereo gratifia le public d’une reprise du « She’s so heavy » des Beatles), filmé en direct, retransmis sur grand écran et sur la télé publique, devint le point d’orgue de la carrière de Soda Stereo. A un tel point que cela les effraya !
Gustavo Cerati raconte comment il a vécu cette pression : « C’est difficile de se fixer des objectifs clairs après un tel succès. Se tenir devant autant de gens qui scandent votre nom, c’est une expérience très forte. Maintenant il faut tout recommencer à zéro et partir de tout en bas. »
Pour échapper aux sollicitations, Gustavo Cerati et les autres membres du groupe décide de faire un break. Il en profite alors pour se rapprocher d’un vieil ami, Daniel Melero, pour échanger, parler musique, écrire quelques chansons, sans attentes, histoire de souffler un peu. Daniel Melero a pris une part active à l’enregistrement de l’album précédent, « Cancíon Animal », et il en prendra une plus grande par la suite, puisqu’il sera le producteur attitré de la plupart des groupes de la « Movida Sonica », comme Los Brujos, Juana la Loca ou Babasonícos. C’est à lui qu’on doit ce fameux son, rempli de rythmes dansant et de guitares noisy. Avec lui, Gustavo Cerati publie un album en 1992, appelé « Colores Santos ». A l’opposé des canons habituels, très rock et avenant, cet album sera au contraire porté sur l’expérimentation, l’ambient, le trip hop, le shoegaze, le psychédélisme, la danse latine. Un véritable OVNI musical dans le paysage du rock argentin. Marqué par des guitares lunaires, des beats electro et un chant alangui, cet album superbe annonce les changements à venir. Jamais à l’époque on n’avait osé prendre de tels risques. Le divin « Vuelta por el universo » et son clavier féerique, romantique à souhait, d’une suavité extrême, « Cozumel », son piano, son ambiance éthérée, son tempo de rumba, « Tu medicina », absolument majestueux ou encore l’indépassable « Colores Santos » et ses samples de violons éternels, sont autant de titres novateurs qui tranchent radicalement, tout en conservant une beauté incroyable. Cette musique ne ressemble à rien de ce qui s’était déjà fait : spatial, langoureux, rêveur, c’est déjà une pure merveille.

A partir de 1992, les obligations commerciales reprennent et Soda Stereo se voit contraint de poursuivre ses tournées dans les principales villes du pays, puis de s’envoler pour l’Espagne. C’est au cours de ce voyage qu’un nouveau projet prend forme. En effet, en septembre, et ce, après des rumeurs de dissolution du groupe, Gustavo Cerati, Zeta Bossio, Charly Alberti, s’enferment dans leur propre studio pendant de longs mois afin d’accoucher du successeur au terrible « Cancíon Animal ». Gustavo Cerati raconte : « Nous avions décidé de changer de cap, car il vint un temps où nous ne voulions pas continuer à nourrir le monstre que nous avions créée. Les 250.000 personnes du 9 Juillet ont été quelque peu problématique parce que cela nous a forcément posé la question : où allons-nous ensuite? Nous étions déjà plus ou moins en séparation et fatigués du groupe et personnellement, je n'avais aucune envie de suivre. Mais on s’est aperçu que nous ne devions pas perdre l'envie de faire de la musique, même si ce fut un vrai défi». Les membres de Soda Stereo avaient conscience qu’ils étaient au centre de la scène argentine. Ils ont donc décidés d’en profiter pour s’intéresser et promouvoir l’expérimentation musicale, amorcée par le mouvement qui allait devenir par la suite « La Movida Sonica ». L’envie de se renouveler, d’amorcer un virage à 180°, a été leur planche de salut. Ils ont commencé alors à jouer avec les boites à rythmes, les samples, les tables de mixages et les distorsions de guitares, la saturation, inspirés par les nouveautés venus d’Angleterre, My Bloody Valentine ou Primal Scream en tête. Daniel Melero a bien-sûr de nouveau été convié aux manettes, et Flavio Etcheto (déjà présent à la trompette sur « Colores Santos » et qu’on retrouvera plus tard au cours de cette histoire) ou Carola Bony se sont également joints aux enregistrements. Le résultat s’appelle « Dynamo ». Probablement le disque le plus rêche et le plus ouvertement expérimental du groupe, mais aussi un des plus attractifs. Même si les ventes ne renouvelleront pas les exploits précédents, l’album étant volontairement moins fédérateur, nombreuses sont les chansons qui atteignent des sommets, à la fois puissantes et élégantes, au mur du son très travaillé. Beaucoup auraient signé pour atteindre ne serait-ce que le dixième de la majesté de cet album culte.
A propos de cette période, Gustavo Cerati dira plus tard : « C'était une nouvelle expérience que cet enregistrement en studio. Grâce à la musique, on a pu tenter d'autres choses. De plus petits groupes avaient l’habitude de voir Soda Stereo comme un modèle pour faire des choses qui ne sont pas dans la pop, puis Soda Stereo est devenu au centre et c'est ce qui nous fait peur. Au moins avec cet album, nous sommes un peu sur le côté. »

Le disque fut présenté au public au cours d’une série de représentations, au stade Obras, fin décembre 1992, incluant une part de symbolique car révélant beaucoup des agitations qu’a connu le groupe. D’ailleurs au même moment, à quelques dizaines de pâtées de maisons, au stade de River Plate, Serú Gíran tentait des retrouvailles avec un public qu’il n’avait pas vu depuis dix ans. Beaucoup y ont vu un clin d’œil volontaire : les nouveaux contre les anciens. Ces concerts furent fondateurs dans le sens où ils permettaient également d’introduire quelques uns des groupes de la scène underground de Buenos Aires. Quatre formations furent invités à se partager chacune les premières parties : Juana la Loca, Babasonícos, Tía Newton et Martes Menta. A l’époque ces groupes n’étaient pas connus. Par la suite, ils devinrent célèbres et furent à l’origine de quelques uns des meilleurs albums des années 90 en Argentine. Ainsi « La Movida Sonica » apparaissait aux yeux du grand public.

Avant cette exposition, les groupes se limitaient à quelques concerts underground et jouissait d’une notoriété à peine étendu aux quartiers étudiants. Car pour s’extraire de la masse, le parcours ressemblait à un chemin de croix. Alejandro Almada raconte d’ailleurs ces débuts et les galères qui allaient avec : « J’ai commencé à produire quelques concerts, mais pas dans le centre de Buenos Aires, un peu plus loin en général, par exemple, ceux de Ataque, La Zona, puis j’ai travaillé dans la presse, dans le centre-ville, où là j’ai connu Los Brujos, qui était un groupe qui commençait juste à exploser. Et on a pu profiter de ce succès. Seulement, après cette inflation, le mieux c’était de commencer à enregistrer. C’est ainsi que sont arrivés Martes Menta, Babasonícos, Todos Tus Muertos ». Plus tard encore, Alejandro Almada allait jouer un rôle important dans cette aventure, mais on y reviendra.
Ainsi Soda Stereo a été perçu comme un miracle. Grâce à eux la machine s’est emballée. D’aucuns reconnaissent aujourd’hui que ces concerts de présentation de « Dynamo » permirent le lancement officiel du mouvement. Cela offrait une double légitimité. C’était un acte très généreux de la part de Soda Stereo que de permettre à de jeunes groupes sans moyens de monter sur une scène et de profiter d’un public aussi nombreux mais cela permettait aussi un échange de bons procédés. D’un côté Soda Stereo se proposait comme parrain de ces jeunes groupes et d’un autre côté c’était la démonstration que son radical changement de style restait malgré tout en avance sur son temps, car superposé à celui de la nouvelle génération.

Soutenus par un éclairage exceptionnel, tout en rouge, des écrans vidéos projetant des images psychédéliques derrière eux, invitant des danseurs, les musiciens de Soda Stereo ont déconcerté leurs fans en ne jouant quasiment que les nouvelles chansons de « Dynamo » et peu de leur ancien répertoire. Des boucles séquencées, des couches et des couches de guitares, inspirés du mouvement shoegaze, des textes ambigus et sibyllins, ont instaurés un climat hypnotique, secoués par des saturations électriques. Malgré cette surprenante orientation, le groupe mit le rock argentin sur orbite, sponsorisant un nouveau style qui allait définir la décennie à venir, celui de « La Movida Sonica ».

Il faut maintenant savoir que le premier groupe à avoir lancé l’estocade est Juana La Loca. Dès 1991, Rodrigo Martín s’est autoproclamé : « el primer grupo sonico ». Il a ensuite réussi à faire paraître sa démo sur cassette, « Autoejecución », par l’intermédiaire du label indépendant de Daniel Melero (encore lui !), alors en quête de nouveaux talents. Bousculée par des guitares en forme de tourbillons, la musique shoegaze de Juana La Loca est à l’image de son leader : indomptable, fougueux et en quête d’aventures. C’est en revenant d’un long voyage que Rodrigo Martín décide de s’investir complètement dans son groupe et d’en faire une réalité plutôt qu’une récréation. A l’époque, il avait à peine 19 ans et venait de terminer le lycée. On était en 1988. Il monte le groupe avec Aitor Graña dans la petite ville de Temperley. Le style est alors novateur, très inspiré de ce qu’il se passait en Angleterre ou aux Etats-Unis, gorgé de guitares et n’hésitant pas à user d’un sens de la pop le plus fédérateur possible, tout en réservant une grande place aux trouvailles. Et pose un peu les bases de « La Movida Sonica », comme le définit Rodrigo Martín : « Il y a des gens qui sont dépassés par le bruit, nous, nous l’utilisons, nous le contrôlons. Nous faisons ce que nous voulons et non pas ce que nous pouvons. Nous savons que le bruit offre un champ sonore nouveau et imprévisible, mais nous ne voulons pas laisser de côté les accords mélodiques ».
Au début, Rodrigo Martín mêle en même temps des études en psychologie et les débuts du groupe, avant d’abandonner pour s’y consacrer pleinement. Autour de lui, Aitor Graña donc, à la batterie, mais aussi Roberto Pasquale à la guitare, Gastón Capurro à la basse et Sebastian Mondragon au clavier. En 1992, ils obtiennent le privilège d’être invités à se produire en concert avec Soda Stereo, au cours de cette fameuse série de shows. En compagnie de Babasonícos, Tía Newton et Martes Menta, ils allaient lancer le mouvement.
Immédiatement après, auréolés d’un nouveau prestige, ils s’enferment dans les studios de Daniel Melero et enregistrent avec lui, entre décembre 1992 et mai 1993, les chansons de leur premier album. Celui-ci sort grâce au label Iguana Records sous le nom de « Electronauta » et deviendra une référence en Argentine, un superbe album mêlant verve pop et fronde shoegaze. Le disque recevra des critiques élogieuses de la part de la presse, et les clips « Autoejecución » et « Mercurio » seront diffusés en boucle sur MTV.
Pour tous ces groupes ce sera un véritable carton, ouvrant la voie à des tournées victorieuses dans tout le pays. Juana La Loca ouvrira ainsi les shows de Depeche Mode ou Oasis, devant plus de 10.000 personnes. Babasonícos aura collaboré avec Ian Brown, ex-Stones Roses, tourné avec les plus grands dans toute l'Amérique Latine, accumulé les récompenses et fait les couvertures des plus grands magasines. Idem pour El Otro Yo ou Los Brujos.

Cependant, ce qui caractérise tous ces groupes argentins de la nouvelle vague c’est un refus d’être commercial. Les influences sont trop lointaines par rapport aux canons de l’époque. Par exemple, Babasonícos aura été le premier groupe argentin, dès 1994, à intégrer un véritable DJ. Et de toute façon, on sent chez ces groupes, Juana La Loca en particulier, une trop forte envie de vouloir tenter et s’amuser. D’ailleurs Rodrigo Martín se défend bien de flirter avec le mainstream : « Tout est commercial d’une certaine manière puisqu’à la fin, il faut bien vendre les disques. Mais ce qui compte c’est que la majorité du temps soit employée à créer. Nous sommes obsédés par ce que l’on veut dire, pas combien de disques on va vendre. Sinon, cela reviendrait à escroquer les gens qui nous écoutent ».
Cette honnêteté reflète bien l’esprit de ce mouvement, qui avant tout était menés par de jeunes musiciens. Toute cette aventure n’était qu’une occasion de faire la fête, de vivre de leur passion et de mettre le fun au centre de leurs priorités. En quelque sorte, le succès, qui était loin d’être prémédité, les a un peu dépassés. Le leader de Martes Menta raconte d’ailleurs bien la vitesse à laquelle tout cela est arrivé : « Nous étions jeunes, tout était confus. Ce qui était super, c’est que nous étions des imbéciles. On écoutait la radio, on a commencé à savoir qu’il y avait un mouvement musical qui se dessinait. On a bien aimé, on s’est dit « pourquoi pas nous », alors c’est arrivé, et avec Babasonícos et d’autres, on a décidé d’appeler ça « La Movida Sonica », mais ça ne signifiait rien de particulier. Cela voulait juste dire qu’il y avait un changement de générations, et il y avait de nouveaux journalistes dans les magasines, alors ils nous ont suivi. Le top, c’est lorsque Soda Stereo est venu jusqu’à nous. Cela a été une exposition inespérée pour une bande de jeunes comme nous ».

Car à tout bien y réfléchir, c’était un pari extrêmement risqué pour une formation aussi respectée que Soda Stereo que d’offrir ses premières parties à ces jeunes musiciens, en baggy et dreadlocks, accros à la fête et à la marijuana, déboulant sur scène avec leur beat de boite de nuit et leurs ampli de guitares à fond. Il ne faut pas se cacher, tous les groupes de « La Movida Sonica » était particulièrement branché par le psychédélisme, entre Juana La Loca et son shoegaze, Los Brujos et son beatcore influencé par le hardcore ou le funk (notamment sur le magnifiquement réussi « San Cipriano » en 1993 et produit par Alejandro Almada), ou encore Martes Menta, et son génial album sorti en 1992, qui évoque tant Jesus Jones, The Soup Dragons ou Ned’s Atomic Dubstin, au titre particulièrement évocateur : « 17 caramelos »…
Et que dire de Babasonícos ?

Tout a pourtant démarré comme une gigantesque blague entre potes, un peu allumés, un peu shootés au canabis, qui ne souhaitaient que délirer. C'est malgré tout en plein délire que Adrián “Dárgelos” Rodríguez et Diego “Uma-T” Tuñón ont demandé au frère de Dárgelos, Diego “Uma” Rodríguez, de les rejoindre pour la guitare, afin de créer un style qui sortirait des habituels poncifs argentin.
Adrían était auparavant parti en Angleterre pour y étudier l’Art. Il approche les groupes de là-bas, le mouvement grebo, le shoegaze, Madchester, et se dit que le rock argentin paraissait si vieux à côté. Il retourne alors dans son pays natal et fonde son groupe. Le nom est trouvé en associant les références envers Sai Baba, un gourou indien, et Los Sonícos, un célèbre dessin animé pour enfants. Avec son groupe, il commence par des concerts dans le circuit indépendant de Buenos Aires, additionnant les chansons, avant lui aussi d’être convié par Soda Stereo. Plus tard, avec l’aide de Daniel Melero et Gustavo Cerati, Babasonícos rassemblera toutes ses chansons sur un album, paru en 1992 par Sony Music, intitulé « Pasto », et dont le single "D-Generación" allait surprendre son monde, passer en boucle à la radio et devenir vite l'hymne d'une époque. Adoptant une attitude cool et très latine, empreinte de nonchalance et de chaleur, Babasónicos fait parler les guitares, souvent jouées à plein régime, tout en signant des titres lumineux et fédérateur. Beaucoup de rythmes sont basés sur la fête, le mode madchester, un tempo remuant, et ils vont s’associer à des guitares vivifiantes, saturées et puissantes pour donner un allant fédérateur et rassembleur.
Au-delà d’être un des plus grands albums de cette époque, « Pasto » est une véritable ode à la fête et aux drogues, bourrée de références psychédéliques et de clins d’œil, avec un sens fédérateur de la mélodie génial. Le tout sans oublier une décontraction hors du commun et une bonne dose de fun. Les prestations live sont dantesques, de vraies orgies. Ça bouge dans tous les sens, ça hurle et ça s’oublie. Mais ça n’oublie pas de ralentir parfois le tempo pour de sublimes morceaux évanescents (« Sobre la hierba », « Sol Naranja », « Natural », autant de titres délicieux, avec cette façon unique de rouler les « r ») avec explosion de saturations, coupure, intervention de guitares sèches et de percussions, solos de guitare, chant romantique et séducteur. Les concerts deviennent mythiques. Les chansons aussi. Certainement le groupe le plus déjanté.

A partir de là, le mouvement prend réellement forme : les musiciens, issus à la base de Buenos Aires, se connaissent tous, s’entre-aident, échangent des idées, assistent aux concerts des uns et des autres, se remercient mutuellement sur les pochettes d’album, se prêtent les studios d’enregistrement, ce qui aboutit à une véritable émulation. Ainsi il n’est pas rare de retrouver Daniel Melero, Gustavo Cerati ou Martín Mezel à la confection des albums de Babasonícos, de Juana La Loca ou de Los Brujos. Un label pour les regrouper tous : Bésotico Records. Le premier à y signer en 1993 sera El Otro Yo (avec cette chanteuse si sexy et charmante, María Fernanda Aldana) et on les retrouvera ensuite tous : Los Brujos, Babasonícos, Martes Menta et Suárez.
La nouvelle notoriété acquise grâce au parrainage de Soda Stereo et aux ventes des premiers albums, leur permet d’être rassemblés tous ensemble pour un premier festival. Intitulé « El Nuevo Rock Argentina », il sera basé à Córdoba. Ce qui semble surprenant. Après tout, pour un jeune mouvement, pourquoi vouloir s’exiler et quitter le giron de Buenos Aires ? Mais en réalité, cela reflète bien les aspirations du mouvement, désireux de promouvoir avant tout la scène indépendante et de rompre avec la main mise habituelle de la capitale. Comme l’expliquait très bien le groupe Tía Newton, interviewé par RTC (Radio y Television de Córdoba) en 1993, Buenos Aires avait tendance à phagocyter le monde du rock en Argentine, occultant tous les viviers de province, notamment ceux de la région de Córdoba, pourtant très active.
Celui qui a voulu s’ériger contre le dictat se nomme Alejandro Almada, le producteur de Los Brujos, qu’on connait déjà pour avoir été à l’initiation du mouvement. Fatigué de ne rien voir arriver facilitant l’éclosion de ses jeunes groupes, il s’associe alors avec Héctor Emaides, grande figure de Córdoba, lui aussi producteur, et ils décident de prendre les choses en main. Ils montent leur premier festival, aidé par le journaliste Marcelo Franco. Le but est d’offrir suffisamment de lumière pour les artistes s’inscrivant dans « La Movida Sonica », tout en restant suffisamment éloigné de la capitale pour ne pas subir de pression et être libre d’inviter qui ils le souhaitaient, principalement des groupes rock loin d’être connus à l’époque. Le projet se matérialise en mai 1993, plus précisément les nuits du 14 et du 15, au Polideportivo General Paz. Seront à l’affiche les quatre groupes que Soda Stereo avait fait connaître au grand public, à savoir Martes Menta, Tía Newton, Babasonícos, Juana La Loca, mais aussi Los Brujos, Los Visitantes, Todos Tus Muertos, Peligrosos Gorriones. Des formations locales de Córdoba en profiteront pour monter aussi sur scène : Rastrogero Diesel et Abuelas Mecánicas. Une deuxième édition aura lieu dès l’année suivante et durant toute la décennie 90, le festival deviendra un rendez-vous incontournable pour le rock indépendant argentin. Il se produisit à Buenos Aires, dans le quartier de La Plata, ou dans d’autres villes de province, comme Santa Fé ou Mendoza. « L’idée venait de Perro Musnak, un animateur du temps des premières radios FM, l’idée de faire un festival qui s’appellerait « Fuck rock » et qui devait être subversif », se souvient Alejandro Almada.

Le point d’orgue de « La Movida Sonica » surviendra avec la parution, toujours en 1993, d’une compilation. D’abord une cassette, puis un CD, intitulé « Ruido ». La playlist est aujourd’hui considérée comme culte. Elle deviendra le témoignage pressé sur CD d’un mouvement ébouriffant pour le rock argentin. En effet, on y retrouve Los Brujos, Demonios de Tasmania, Resonantes, Suárez et Tía Newton. La plupart de ces groupes n’ont même pas encore sorti d’album, voire n’en sortiront jamais. C’est le cas de Tía Newton, présent dès le début du mouvement et dont on ne retiendra finalement que ces deux titres, offerts pour cette compilation.
Si « La cajita de música asesina » est un délire aux râles soufflés parsemé de pédales wah-wah et de coupures de rythmes, de chant de clown déglingué, de guitares aigus et crispant, de groove moite, de brisures et de sons avant-gardistes, le deuxième titre est plus policé mais absolument extraordinaire. « Gran Baile en el sol » est un titre lent, très shoegaze dans la forme, triste, reposé, baigné par des guitares sèches, une basse superbe et des claviers qui tombent en pluie d’or. La voix est superbe, douce, angélique, chargée de fumée et les guitares se distordent dans le lointain. Ce magnifique titre on le doit à Carca, guitariste de Tía Newton, mais également plus tard de Babasonícos, qui se lancera aussi dans une carrière solo, avec par exemple l’album « Miss Universo » en 1994, excentrique et décalé, avec là encore la participation de Daniel Melero.

Du shoegaze, il en est question également avec Resonantes. Flavio Etcheto, accompagné de divers musiciens, propose sur « Ruido » la chanson « Respueta », rêveur, grondant, prolongement parfait d’une poésie lunatique et enragée, avec un chant en espagnol ouaté et suave. Flavio Etcheto, il faut s’en souvenir, est celui qui a collaboré avec Gustavo Cerati et Daniel Melero à l’écriture de l’album pionnier « Colores Santos » en 1992, l’album OVNI qui allait imprimer à jamais le style du mouvement. Et qu’on allait retrouver sur « Dynamo » de Soda Stereo. Les colorations shoegaze sont pour le moment évidentes, notamment avec le premier EP de Resonantes (produit par Daniel Melero évidement), sorti un an plus tard que « Ruido », avant que Flavio ne décide d’explorer davantage le côté électro et de signer deux albums purement éthérées et à base de claviers.

Cette compilation prouve en tout cas que ce mouvement n’était pas qu’une affaire de têtes brulées, mais de véritables musiciens, à la recherche de nouveautés, d’expérimentations, de sons bruitistes. En plus des groupes qui possédaient une grande notoriété, suivaient loin derrière (ou plutôt loin devant) des musiciens têtes chercheuses, avides de tests, d’intégrité et d’éthique lo-fi.
Suárez également aura été un des porte-drapeaux de ce mouvement underground, un peu en marge, un peu décalée, pour ses remises en question sempiternelles. Le groupe, qui est en fait la récréation de Rosario Bléfari, s’apparente plus à la musique contemporaine qu’au rock. Les premières chansons figurent sur cette cassette « Ruido ». Diego Foster, le batteur de Suárez, se souvient de l’évolution du style : « On faisait de la pop avant de passer au noise. On écoutait énormément My Bloody Valentine, Sonic Youth, Spiritualized, Primal Scream et le premier Massive Attack ». Basé sur des coupures de rythmes, des hachures, des bruits blancs, le style est avant tout indépendant. D’ailleurs, ils ne sortiront jamais de Buenos Aires et lanceront un des premiers labels auto-géré en Argentine, structure qui leur permettra de publier leurs propres chansons, le tout dans un esprit bien-sûr lo-fi. A l’époque de « Ruido », la musique de Suárez était le résultat d’un mélange entre punk et shoegaze, marqué principalement par la voix de Rosario, matinée et douce, héritage du shoegaze, mais aussi rugissante lorsqu’il le faut. « J’ai senti que tout ce que j’avais appris au théâtre pouvait me permettre d’avoir un chant à la fois chaotique et aérien, raconte aujourd’hui Rosario. Le rock m’a donnée l’occasion de m’organiser. Cette fois les scripts, c’étaient les chansons ».
Le groupe se forme suite à la rencontre entre Rosario Bléfari et Fabio Suárez, dans un cours de théâtre, à l’Ecole Municipale d’Art Dramatique de Buenos Aires. Derrière le son bruyant et les guitares saturées de Fabio, il y avait malgré tout suffisamment de la place pour que la sensibilité de Rosario puisse transparaître. « Mon chant retranscrit toujours les questions qui m’affectent, confie-t-elle. Il y a un écho émotionnel qui détermine dans quel registre je vais évoluer. Les mélodies sont toujours intéressées et me reflètent ». Sans être hermétiques, les chansons de Suárez demeurent tout de même condensées, chargées et remplis de sons à déchirer les tympans. Elles se démarqueront du style fédérateur des autres groupes et prouveront que « La Movida Sonica » est aussi un mouvement artistique cherchant à repousser ses limites.

Suárez participera à cette frange de la nouvelle scène qui se distinguera par ses innovations, à l’instar de Estupendo, un des premiers groupes electro, Adrián Paoletti, artiste génial qui pratiquait un folk lo-fi teinté de twee pop, El Otro Yo, plutôt grunge, Peligrosos Gorriones (qui avait participé au festival de Córdoba en 1993) ou encore Perdedores Pop, davantage punk. Pour les regrouper, on fit souvent référence à leur provenance : « la Gran Buenos Aires ». Ce n’est pas que ces formations étaient mis de côté par « La Movida Sonica », bénéficiant de davantage d’exposition, car pas mal d’artistes étaient amis, Babasonícos notamment ou Daniel Melero, qui n’a pas hésité à donner un coup de main, par exemple pour Victoria Abril, mais elles préféraient rester à l’écart volontairement, histoire de ne pas se compromettre et rester dans une dynamique lo-fi. Parmi elles, on retiendra El Nueva Flor, éphémère groupe qui deviendra plus tard Victoria Abril, et qui à cette époque avait sorti un album dans le pur style shoegaze. Une fois encore, le shoegaze est prépondérant dans ce mouvement.
Percer et vivoter dans le milieu a tout de même été difficile et le succès d’estime grâce à Soda Stereo n’a jamais empêché de devoir se dépatouiller avec les moyens du bord. Les majors sont toujours restées méfiantes avec les expériences. Les débuts de Suárez illustre tout à fait le propos. Le groupe a démarré en 1989 à San Telmo, quartier de Buenos Aires. Un petit peu tombé dans le monde du rock par hasard, il a fallu se débrouiller avec les moyens du bord. C’est pour cette raison qu’ils décident de monter leur propre label, FAN. Fabio se rappelle ces débuts : « Les groupes indépendants n’ont jamais été bien perçu par les médias de masse et les grosses maisons de disque. Leur impression était que le contenu proposé par nous ou par Estupendo, La Nueva Flor, Adrián Paoletti, Perdedores Pop, ne méritait pas d’être édité. Notre seul moyen était de profiter des bénéfices de « La Movida Sonica ». Daniel Melero possédait un studio d’enregistrement à Belgrano. C’est par là que sont passés entre autres, Tía Newton ou Babasonícos. C’est dans ce studio qu’ont été écrites les chansons de « Ruido ». Mais son label, Catalogo Incierto, ne sortait que des cassettes. J’ai demandé à Daniel Melero comment faire pour sortir un album sur CD et il m’a orienté vers Estupendo. Ils venaient de sortir leur album par leurs propres moyens. »
Et c’est ainsi qu’est née l’idée de monter le label FAN. Grâce à l’effervescence autour de « La Movida Sonica », l’autorisation de chercher d’autres pistes, d’autres façons de voir le rock, fut donné. Financer un label ou un pressage en CD était rendu plus accessible. Et nombres d’artistes s’y sont essayé, proposant leur vision, entre shoegaze langoureux, rock bancal ou délires ambient. Le nouveau rock argentin était extrêmement éclaté et hétéroclite, une sorte de rock pluriel.

Malheureusement, comme tout mouvement, il fallut une fin, et les séparations successives des groupes phares (Juana La Loca, Martes Menta, Los Brujos) allaient diminuer l’exposition, tandis que l’arrivée d’Internet allait diluer tous ces groupes dans une masse anonyme. Il faut dire également que la fin de Soda Stereo, en 1997, avait déjà sonné le glas du mouvement. Seul résiste Babasonícos qui n'aura de cesse de signer des albums surprenant et sortant des sentiers battus, de multiples fois récompensés et se plaçant comme les meilleurs en Argentine. On pense notamment à "Jessico", en 2001, qui les propulse au sommet des charts, ou encore "Mucho" en 2008, qu'il faut absolument écouter.
Il faut retenir de cette incroyable aventure, une vraie leçon d’indépendance, car « La Movida Sonica » s’est révélé une formidable explosion de talents. Il s’agit d’un vivier passionnant pour découvrir ce que l’Argentine avait à offrir à l’époque, laissant pour la postérité bon nombres d’albums cultes et devenus mythiques, d’autres plus confidentiels mais surprenant. Alors qu’il n’existait pas encore de réseau Internet, et encore moins de My Space ou de réseau sociaux, de labels virtuels en ligne et de téléchargement MP3, il est toujours bon de voir comment pouvaient s’organiser malgré tout quelques musiciens, autour d’un label, de quelques festivals, s’entraidant les uns les autres et partant à la découverte de nouveaux talents. Ainsi, « La Movida Sonica » restera à jamais comme un des mouvements les plus riches et les plus remuants en Argentine, un véritable exemple pour tout le rock indépendant.

Sources :

Interview de Suárez
Interview de Tía Newton

Interview de Rodrigo Martin
Interview de Alejandro Almada
Biographie de Soda Stereo
Biographie de Babasonícos

Mindscape : Bring you down (vidéo)

2011-12-31T18:12:00.002Z

Ce qu’il y a de bien à faire les choses soi-même c’est qu’on n’est pas embêté. On peut tout se permettre et s’offrir quelques gâteries bien malicieuses, au diable les convenances.

Dirigé par Zeta Lorentson, un clip lo-fi représentatif de la scène indé suédoise, très active et très prolifique. Un groupe typique, dont on ne retiendra que ce titre (et la chanteuse aussi), à cause de sa carrière trop courte, mais qui s'inscrit dans celles de This Perfect Day, Easy, Pleasurehouse ou encore Popsicle.

Fiche artiste de Mindscape

2011-12-31T13:21:00.006Z

Mindscape

Mindscape est un groupe suédois, originaire de Svenk et formé de la chanteuse Sofia Berg-Böhm, les guitaristes Johan Hübner et Marc Folkesson, le bassiste Jonas Edblom et le batteur et claviériste Ville Gustafsson.
Même s'il n'aura existé que de 1991 à 1993, Mindscape aura fortement contribué à la scène indépendante suédoise. Connu pour ses prestations live en compagnie de Popsicle ou This Perfect Day, autres groupes des labels cultes Snap et West Side Records, avec qui ils lanceront la vague indie pop en Suède, Mindscape aura réussi à signer un deal avec la structure EMI. De ce contrat, il sortira un EP, intitulé "Bring you down", dont le single aura le droit à un clip diffusé sur MTV.
Mais plus tard, le groupe se sépare, avant que Sofia Berg-Böhm ne se lance de son côté dans une carrière musicale reconnue.

Mindscape : Bring you down EP

2011-12-31T13:16:00.002Z

Bring you down EP de Mindscape

Sortie : 1992
Produit par Carl-Michael Herlöfsson
Label : Psycho Pop Song / EMI Svenka

A ceux qui trouvent que le shoegaze a un côté pédant et ennuyeux, que ce mur du son rend les choses illisibles et qu’il est difficile de distinguer un semblant de voix ou de volonté, on ne saurait trop leur conseiller d’écouter un jour « Bring you down ».
Ce groupe suédois, qui n’aura existé que le temps de ce petit EP de quatre titres seulement, permet de constater, preuves à l’appui, que triturer les guitares, manier les rythmiques industrielles, rendre un son strident, peut aussi rendre service à de superbes mélodies. Mindscape a le sens du refrain, c’est indéniable.
Ses beats hérités des boites de nuit, de l’univers artificiels des pistes de danse, confèrent une grande force aux chansons. Cette dynamique, soutenue par des guitares tranchantes et une surcharge dans les instruments (tambourins, basse, batterie, clavier, guitares, distorsions, samples psychédéliques, voix trafiquée), ne s’arrête jamais, il n’y a aucun temps morts. On dirait un magma sonore difforme d’où émerge une voix incroyablement avenante et chaude, celle de Sofia Berg-Böhm, sexy en diable.
La musique de Mindscape reste pêchue, vive et chaleureuse, de quoi s’en mettre pleins les oreilles. Tout parait d’une éclatante limpidité, les claviers cultes, le chant punchy, les mélodies fédératrices, les passages noisy/psyché, ça rentre dans la tête pour ne plus en sortir. On danse, on remue, on chante par-dessus. Le plaisir est simple. Et c’est largement suffisant.

Juana La Loca : Autoejecucion (vidéo)

2011-12-25T11:10:00.004Z

Le tout premier clip du groupe argentin Juana La Loca, filmé par Andy Fogwill en 1993, et toute première chanson qui allait lancer le mouvement "La Movida Sonica" par la suite. Un véritable vent de fraîcheur qui allait tout balayer, et renouveler complètement le paysage rock du pays.

Juana La Loca : Lo más tierno hoy (vidéo)

2011-12-25T10:59:00.003Z

Energique, effronté, chargé de guitares saturées, frondeur, orgueilleux, Juana La Loca avait tout pour eux, et surtout un talent inouï, qu'on découvre avec ce passage ralenti vers la fin, qui est d'une beauté incroyable, avant que le tourbillon ne reprenne pour que l'on soit définitivement chamboulé.

Suárez : Morirían (vidéo)

2011-12-25T10:49:00.002Z

A l'époque des tout débuts de Rosario Bléfari, une mignonne chanson, à la fois innocente et subversive, où sa douce voie enchante comme elle intrigue. Comme quoi, avec peu de moyens, on peut signer de vraie pépite, tout en économie et enchantement.

Cerati y Melero : Vuelta por el universo (vidéo)

2011-12-25T10:45:00.004Z

Une occasion unique de saisir à quel point la réunion de deux talents hors normes peut offrir un spectacle de toute beauté. Cette chanson est magique, somptueuse, calme et poétique, d'une incomparable texture, invitation aux rêves. Du son lunaire des guitares à l'esthétique multicolore et floue, tout ici est une formidable évasion, inspirée du shoegaze.

Cerati y Melero : Hoy Ya No Soy Yo (vidéo)

2011-12-25T10:39:00.002Z

Une chanson extraite de l'album Colores Santos (en 1992), fruit de la collaboration entre deux des personnes les plus influentes dans le rock argentin : le leader de Soda Stereo, Gustavo Cerati et son ami producteur Daniel Melero. On y découvre une musique racée et élégante, nourrie aux sons de bossa, de shoegaze, de psychédélisme, de jazz, de lounge et de musique latine. Une chanson incroyablement chaude, dont le clip est gorgé d'allusions bisarres et d'images à la fois kitch et bariolées.

Fiche artiste de Some Other Eden

2011-12-23T12:08:00.002Z

Some Other Eden

Assurément une merveille. Merveille qui est passé totalement inaperçue, une pépite shoegaze tombée dans l’oubli, comme la majorité des groupes shoegaze de cette époque.
On ne sait pratiquement rien sur ce groupe, hormis qu'il a signé sur le label indépendant limogeais L'Homme de Saturne. L’atout principal demeure tout de même leur chanteuse, d'origine anglaise, à la voix sirupeuse et matinée, qui permet de s’offrir le luxe de tenter, de jouer avec la pop et de signer des chansons sans prétention aucune, si ce n’est celle d’être juste agréable et vivifiante.
A part un EP en 1996, accompagné de quelques concerts en France, Some Other Eden n'a presque rien laissé. S'il ne restait pas une poignée de chansons, c'est comme si le groupe n'avait jamais existé. Cela laisse songeur. Lorsqu'on pense à tous ces groupes de shoegazing dont les traces ont été effacées, il y a comme un vertige...

Some Other Eden : Weatherman EP

2011-12-22T22:24:00.002Z

Weatherman EP de Some Other Eden

Sortie : 1996
Produit par Some Other Eden
Label : L'Homme de Saturne

C’est un EP tout mignon tout plein. Avec des chansons douces, entrainantes, aussi légères qu’une plume et aussi sucrées qu’un bonbon, acidulées juste ce qu’il faut.
Difficile d’y trouver le moindre défaut, tant le sens de la mélodie est ici inouï : il y a une telle facilité à allier guitares et vocalises qu’on a l’impression que tout tombe sous le sens, que c’est l’évidence même et que les choses sont si faciles ! C’est la preuve que l’enchantement ça existe encore. C’est la preuve qu’on peut être enthousiasmé par trois fois rien. Et c’est surtout la preuve que la pop est un territoire de jeu infini.
Les entrelacs des guitares, la cohérence des instruments, dont aucun de dépasse l’autre, les harmonies vocales, les ambiances suffisamment ambivalentes, permettent de charmer tout en proposant aussi une vision unique et décalée de la pop. L’intérêt de ce shoegaze tempéré et modéré est avant tout de plaire mais aussi de voyager. Ainsi l’esprit de l’auditeur s’évade, apaisé, mélancolique, contenté et séduit. C’est ce qui rend le shoegaze si fascinant. Et avec une telle voix pour Some Other Eden, il y a de quoi être séduit.
Voici ce qu’on trouve dans ce petit EP, en vrac : des guitares vives, empressées et saccadées (« Firework desire ») ou bien une basse sourde, un rythme plus lent, une ambiance entre rock lounge et poésie torturée, avant de s’accélérer (« Weatherman »). L’amusement est le crédo de ce jeune groupe anglais.
On retiendra aussi l’excellent titre « Slow ». Une intro magique qui annonce une envolée de guitares, sèches mais aussi cristallines, pour une couleur étonnante, entre country et jangle pop, sublimée par des vocalises sublimes et dédoublées. A écouter pour le plaisir et sans modération.

Fiche artiste de La Nueva Flor

2011-12-22T20:15:00.003Z

La Nueva Flor

Avant de devenir le groupe Victoria Abril (plus tard Victoria Mil pour des raisons qu'on comprendra), très réputé dans le milieu indépendant argentin, les quatre jeunes musiciens de Buenos Aires avait monté La Nueva Flor pour y pratiquer un rock psychédélique très fumeux et éthéré.

La Nueva Flor c'est donc de 1991 à 1995 : Miguel Castro au chant (et leader du groupe), Julian Della Paolera à la guitare, Fernando Isely à la basse et Leonardo Santos à la batterie. Il n'y eu qu'un seul album de sorti, un éponyme en 1994, quasiment auto-produit, avant que le nom change et que l'aventure se poursuive dans des contrées encore plus expérimentales.

La Nueva Flor : S/t

2011-12-20T21:37:00.003Z

La Nueva Flor

Sortie : 1994
Produit par Miguel Castro
Label : FAN

Il y a une tendance chez ces jeunes garçons à chanter légèrement faux. On sent, derrière la douceur et la suavité d’angelots, des tremblements, un manque d’assurance et une fâcheuse habitude de toujours être décalé sur la note. La nonchalance et la maladresse toute estudiantines deviennent alors un régal.
L’essence du shoegaze transparait dans ces langueurs, ces échapées psychédéliques, ces vocalises de jeunes encore naïfs et pris d’une envie compulsive de bien faire. De partir en avant, de s’évader et de proposer autre chose. Tant pis si on ne s’applique pas suffisamment, le désir de faire de la musique avant tout l’emporte sur la tenue et sur le reste.
A ce titre, « Suspiramos los dos » est assez significatif : recouvert de guitares branchés en continu sur mode voile, le titre demeure un essai naïf et mignon. Le but premier de ces jeunes gamins est de s’offrir par eux-mêmes le trip sonore que personne autour d’eux n’est capable d’apporter. Qu’on les suive ou non sur la mode de l’ecstasy, il n’en demeure pas moins le rêve de se déporter ailleurs, rêve qu’on partage avec eux, en tant qu’auditeur. Le voyage est dépaysant. « Destruir » ressemble à une très lente litanie, étalée sur plusieurs minutes, où Miguel Castro s’évapore et souffle un chant de freluquet chevrotant, injecté jusqu’aux yeux, accompagnée sur la fin d’un melotron fatigué. « No recuerdo muy bien » en devient presque touchant, à force de marcher autant sur la pointe des pieds. Ce romantisme précoce se construit avec beaucoup de maladresse, ce qui rime avec maladresse. D’autant plus que les conditions d’enregistrements sont loin d’être idéales.
Dès lors, les guitares spatiales, le rythme parfois très lent, les claviers cheap (qui évoque le bon vieux rock psychédélique de Sun Dial ou de Drop), la basse géniale, les langueurs, collent parfaitement aux aspirations poétiques et fumeuses de ce jeune groupe. Tout en étant suffisamment hésitantes et timides pour avoir énormément de charmes.
Mention spéciale pour « Imagenes Nueva », beauté innocente de psychédélisme, avec un clavier et un nuage de saturations qui résonnent encore dans la stratosphère.

Fiche artiste de Lulabox

2011-12-11T11:41:00.003Z

Lulabox

Le producteur Butch Vig et ses amis tombent un jour sur le clip du groupe écossais Angelfish, "Suffocate Me", diffusé en boucle sur MTV. Encore à la recherche d'une personne pour assurer le chant du groupe qu'ils voulaient monter, ils tombent sous le charme de Shirley Manson et se décident à l'appeler.
Au cours d'une tournée aux Etats-Unis, elle passe dans leur studio à Seattle et ils enregistrent quelques chansons. C'est ainsi qu'est né le groupe culte Garbage.
Cela, c'est pour l'histoire officielle.
La réalité, c'est qu'au sein du catalogue de Radioactive, le label d'Angelfish, se cachait un autre groupe appelé Lulabox. Et lorsqu'on écoute Lulabox, on sent bien toute l'influence sur Garbage : rythme indus et dansant, chanteuse à la voix sexy et guitares tranchantes. On a toujours dit que Curve avait été les cocus dans l'histoire, et c'est un peu vrai, mais Lulabox pratique un shoegaze electro équivalent à Curve.
La coïncidence est encore plus troublante lorsqu'on sait que le guitariste de Lulabox, Michael Cozzi, est aussi le producteur du groupe Sky Cries Mary, une formation psychédélique. Et que cette formation est basée... à Seattle !
Par la suite, et ce même si Michael Cozzi s'est définitivement installé à Seattle pour composer de la musique pour jeux vidéos ou publicités, et être producteur, l'histoire aura complétement oublié Lulabox.
Alors il faut rendre hommage à Lulabox et son unique album éponyme, paru en 1993, formidable album basé sur les samples electro et les langueurs shoegaze. Lulabox, c'est surtout Mary Cassidi, chanteuse superbe (qui a bien sûr un petit air de Toni Halliday). Mais aussi Michael Cozzi à la guitare et Stephen Ferrara à la batterie et à la programmation. Basé à Londres,Lulabox démarre sur Radioactive avec une série de deux singles tout bonnement ébouriffant : "Chocked" et "Full Bleed", avant leur album éponyme. Mais le départ de Michael Cozzi allait mettre un terme à l'aventure.

Lulabox : S/t

2011-12-10T18:19:00.004Z

Lulabox

Coup de coeur !

Sortie : 1993
Produit par Ray Shulman
Label : Radioactive

De prime abord, et surtout à l’écoute d’un titre tel que « Ride On », la comparaison avec Curve est immédiate, tant la musique de ces deux formations se ressemble. On va retrouver ce même tempo dynamique, basé sur les breakbeats, cette même batterie synthétique, ces guitares à fond, mordantes et en multi-couches, et bien sûr, cette voix grave, profonde, féline et sexy en diable.
Version clonale de Curve, Lulabox recycle ainsi le shoegaze, l’indus et l’électro, et le fait admirablement bien ! Certains titres sont de véritables cartons, comme « I believe », frondeur, effréné, avec un refrain qui trotte dans la tête pour longtemps, et qui donne envie de se secouer comme jamais. Ou comme l’irrésistible « Prayer for rain » qui ne contient aucun raté mais uniquement des parts de rêve. Malgré le côté étouffé, cette concentration et ces multiples intrusions samplées et futuristes, le son de Lulabox génère un chaos parfaitement maîtrisé, calculé et précis. C’est par-dessus cet amas sans compromis que s’envole la voix délicieusement craquante de Mary Cassidi, notamment sur « Love Street », au refrain ouvert, chaloupé et chaleureux, ponctuant une sinuosité toute funky et éthérée.
C’est d’ailleurs ce qui distinguera (si tant est qu’on puisse faire une distinction) la formation de Londres de Curve. L’album parait plus ouvert, laisse plus la place au mid-tempo, se fait moins cathartique et agressif mais plus dans la finesse, la rondeur. La voix extraordinaire de Mary Cassidi peut ainsi tout aussi bien descendre dans les octaves comme susurrer à la manière d’une jeune fille indienne.
On assiste ainsi à des démonstrations de finesse inégalées, où l’artificiel rend service au charme et à la grâce. Que dire de « Ivory Hill », un des meilleurs titres, avec ce riff merveilleux de Michael Cozzi descendu du ciel, la voix langoureuse de vamp, matinée de coups de guitares, de pédales wah-wah aussi tranchantes que des lames ? Que dire de la réussite tout aussi étrange qu’envoutante « Chocked » ? Noire ébène, inquiétante, plus alanguie mais aussi plus groovy, avec des réminiscences orientales, avec ce refrain presque miaulé comme une chatte, et traversé de guitares directement sorties d’une aciérie, avec cette grâce confondante, un vrai trésor.
La fuite en avant opérée par les machines qui gèrent le rythme provoque une ambiance dansante et abrutissante. Le mariage avec un chant cajoleur et un sens étourdissant pour les mélodies vocales et les refrains éclatants, n’en est que plus savoureux. Dur à percer, sans cesse bringuebalé par les guitares, le son de Lulabox est à l’image de « Wild Cherry Nark » ou des saturations de « Precious Thing », c’est à dire tourbillonnante.
Du coup l’album se révèle foisonnant, incroyablement dense, et toujours sur la corde raide, quelque part en l’agression et la séduction, soufflant le chaud comme le froid.

Fiche artiste de The Mandelbrot Set

2011-11-26T09:24:00.002Z

The Mandelbrot Set

Réputé pour leur concert psychédélique, l'usage de nouvelles technologies et les projections d'images, les très jeunes musiciens de The Mandelbrot Set se sont placés très en avant sur la scène locale d'Adelaïde, au sud de l'Australie.
Ils ont pu signé sur le label culte RooArt (le label fondé par le manager d'INXS) et, bénéficiant du succès de Ratcat ou encore de Hummingbirds, ont pu être diffusé sur JJJ, la célèbre radio australienne.
Deux EP ont été sortis, un en 1992, très shoegaze, même si on retrouve quelques influences des Smiths ou du mouvement C-86, l'autre en 1993, très new-wave, et hommage à New Order. Après, le groupe ne donne plus signe de vie.
Composition : Tim Mortimer, Robert Pyper, Adam McBeth et Micheal Bajer Jr, malheureusement décédé en 1999, à l'âge de 28 ans seulement.

Fiche artiste de Feral

2011-11-23T10:31:00.002Z

Feral

Encore un groupe du label mythique, Lust Recordings ! Bon, label qui n'en a que le nom en fait, puisqu'il s'agissait plus de la lubbie de Stephen Woosh, gérant du club Woosh à Newcastle, souhaitant sortir en vinyl les chansons de ses groupes préférés, qu'il n'hésitait d'ailleurs pas à programmer en concert. Fort d'une scène locale vibrante, s'adonnant à un shoegaze sans calcul, le catalogue du label a fini par se gonfler de singles cultes : St James Infirmary, The Sunflowers, Apidistra, The Lavender Factions, The Keatons, et donc Feral, formation shoegaze attiré fortement par les drogues et la fumette.

Et ça s'entend du reste, avec ce superbe single, en 1991, démonstration magistrale de psychédélisme, sans pourtant qu'il n'y ait de suite. D'ailleurs on ne sait rien, mais absolument rien, du groupe, hormis bien-sûr qu'il était un régulier des affiches du Woosh Club les soirs de concert. En plus, le label n'a eu qu'une existence fugace, puisque Stephen Woosh, en proie à une nouvelle lubbie, a décidé soudainement de mettre la clé sous la porte, pour s'enfuir avec la guitariste de The Sunflowers. On l'aurait parait-il vu en tant que roadie de My Bloody Valentine, mais c'est comme s'il s'était volatilisé, laissant une flopée de groupes sur le carreaux et mettant fin brusquement à cette micro-scène shoegaze de Newcastle.

Culte et punk !

The Mandelbrot Set : A placed called Kansas EP

2011-11-18T16:16:00.003Z

A placed called Kansas EP de The Mandelbrot Set

Sortie : 1992
Produit par Wayne Connolly
Label : RooArt

Ce n’est pas avec cet unique EP que l’on peut connaître le style dans lequel évolue le groupe australien. Ici, plusieurs formules sont testées, on navigue entre plusieurs touches personnelles, de façon de construire des mélodies.
Après cet enregistrement, The Mandlebrot Set a disparu des écrans radar. Il est donc extrêmement difficile de se projeter, de deviner ce qu’ils auraient pu donner par la suite, d’identifier une empreinte, un signe reconnaissable. On n’arrive d’ailleurs pas à les extraire de la mêlée parmi tous les groupes shoegaze. La faute à une envie de s’essayer à diverses ambiances.
Tantôt les titres sont très élégants, soignés, aériens, comme avec « I swan », tantôt ils flirtent avec un esprit naïf, enjoué, et très léger (« More than happy », emporté, avec un chant doux mais optimiste, et une basse dynamique). Une autre fois, on découvre un titre hypnotique (« Massive »), aux vocalises éthérées, noyées sous des saturations et une cadence rythmique qui rappelle Chapterhouse. Autrement c’est le courant C-86 qui est revisité avec « Julia » : on dirait presque The Servants ou encore Mc Carthy.
Si on a donc l’impression d’avoir une collection assez hétérogène, il faut se contenter de prendre ces titres comme ils sont : des petites pépites mélodiques. Dommage que le groupe australien n’ait pas pu perdurer car il possédait un vrai sens de l’écriture, fluide, évident et efficace. On se régale ainsi avec « Landslide », très entraînant et aux superbes harmonies vocales, ou le merveilleux « Lush », qui conclue cet EP, distillant une ambiance féérique et exotique, évoquant des ondes se diffusant dans une eau cristalline, dans laquelle glisse un chant aussi léger qu’innocent et où résonnent des guitares atmosphériques au travers un nuage de saturations.
Il s’agit de l’essai de jeunes musiciens shoegaze (très jeunes même) qui ont avant tout fait ce qui leur passait par la tête, leur faisait envie, selon leurs goûts et leurs inspirations, sans vouloir pour l’instant se donner un genre ou une personnalité qui les aurait emprisonnés au final. Et c’est aussi bien comme ça.

Feral : Change you leaving EP

2011-11-11T13:53:00.002Z

Change you leaving EP de Feral

Sortie : 1991
Produit par John Hughes
Label : Lust Recordings

Cette chanson, « Change you leaving », a tout ce qu’il faut pour être addictive : un tempo d’enfer, plein d’allant et provoquant, qui se moque du monde, de la bienséance, un chant élevé, trop doux pour être respectueux, rempli de morgue et de jeunesse, trahissant un état défoncé comme on n’oserait plus approcher aujourd’hui, ou encore, une chute de la pression jouissive, une détente osée, relâchement de sauvages junkies sûrs de leur fait, pour mieux planer.
Dès les premières secondes, ce riff crasseux, magique, aérien, aussi sale, brouillon qu’aérien, on sait qu’on ne pourra jamais décrocher de ce morceaux. Pas une seule seconde sans secouer la tête, sans admirer cet esprit inimitable, mélange dangereux de rock n’roll et d’évanescence, pas une seule note de guitare qui ne nous fasse pas taper du pied, pas une mélodie qu’on ne fredonne pas avec plaisir. L’alternance très bien sentie entre furia et repos psychédélique est absolument géniale, ça repart aussitôt, emené par des voix virginales de petits voyous, se pavanant dans des harmonies vocales d’angelots.
La guitare n’hésite pas à être mise en avant, instrument de prédilection, qui avec son riff, ses distorsions, ses solos de folie et ses circonvolutions va emmener l’auditeur très loin dans le trip. La reprise du refrain, noyé sous les guitares et saturations, n’en est que plus savoureuse. Les chœurs suaves et innocents, soulèvent de manière éhontée des mœurs d’étudiants et de pilliers de bars, des rêves pleins la tête tout comme le caleçon, et se font les charmes délicieux de ce groupe inouï, symbole de toute une frange de l’Angleterre.
Les déboulés de distorsions crasseuses achèvent l’exposition d’un état délabré, fumeux et narquois, sur « Bridge », tandis qu’un magnifique riff et un tempo langoureux, sur « Away », écrasé par une avalanche lourde et lente de guitares saturées, indique une propension à s’élever au dessus de la mélée, à vouloir éclaircir les trips, à rendre plus belles encore les choses. Le dernier morceau de cet unique EP, allie douceur et pesée, pour un voyage hypnotique de toute beauté, tordue, difficile à suivre mais si agréable à écouter, témoignage des folies, de la poésie de quelques garçons complètement shootés.
Des musiciens fiers, défoncés, talentueux, qui du fin fond de leur pub préféré de Norwitch secoueront le monde. Cet EP, qui restera au final leur unique témoignage, hypnotise comme il séduit. On ne cesse d’écouter « Change you leaving », cet hymne génial, de le réécouter et de le réécouter encore pour l’entendre se finir sous des crachats de guitares, puis cette toute petite mélodie qui s’extrait du maelstrom, tandis que les amplis résonnent encore…

Fiche artiste de Antiseptic Beauty

2011-11-11T13:36:00.003Z

Antiseptic Beauty

Délocalisé sur la carte du rock indé en Angleterre, le groupe Antiseptic Beauty, originaire de Derby (East Midlands), n'a jamais eu ni la reconnaissance, ni le rayonnement nécessaire pour se faire connaître davantage.
Habitués aux bars de leur ville de Egginton, le groupe a d'abord été influencé par le mouvement C-86 et l'indie pop. D'ailleurs leur nom est un clin d'oeil à Felt, qui avait signé un album au titre : "Crumbling the antiseptic beauty", Lawrence étant réputé pour être particulièrement maniaque avec l'hygiène. Puis plus tard, ils se sont orientés vers un style plus dur, plus psychédélique aussi, comme avec "Skyward", une chanson qu'ils ont publiés sur la compilation LE 1, rassemblant d'autres artistes du Midlands en 1993. CLAG magasine, une revue locale, leur consacre alors un article.
C'est Stephen Lawries qui les remarque, grâce aux similitudes avec le style des Telescopes, et se propose pour produire leurs chansons. Ainsi quelques singles et un album éponyme sortiront sur divers labels obscurs européens.
Depuis leur séparation en 1996, il est aujourd'hui quasiment impossible de mettre la main sur leurs albums.

Antiseptic Beauty : Rising EP

2011-11-02T16:52:00.003Z

Rising EP de Antiseptic Beauty

Sortie : 1993
Produit par Stephen Lawrie
Label : A Turnable Friend

Chouchouté par Stephen Lawrie, le leader des Telescopes, qui a décidé de produire ce maxi de cinq titres, le groupe de Derby propose une musique psychédélique et shoegaze qui ressemble fort… aux Telescopes.
On retrouve ainsi un son pouilleux, étouffé, un jeu éclaté à la batterie, notamment avec les cymbales, qui serviront de mantra pour les trips, des riffs compliqués, toujours légers, une attitude nonchalante au chant et dans le jeu, déclinant vers une apologie de la drogue, une voix alanguie et flottante, aboulie soulignée à coup de laisser-aller instrumentaux, de dialogues de riffs. Tout ceci au service de chansons hypnotiques, de « Illumate Me » à l’enlevé « Good to be gone », en passant par le traînant « Love run dry », véritable tour de force.
La voix peut être très très légère, qui s’envole, tandis qu’on a toujours de très très petites mélodies à la guitare, qui dialoguent, pour des intros psychédéliques, avec quelques percussions, des cymbales, des guitares joués comme des harpes, une entrée en matière pour un monde de volutes, de champignons et de délires. Ainsi les distorsions et autre réverb arrivent toujours de loin, montent en puissance et finissent par arriver, mais comme si ils émergeaient d’un nuage, on dirait toujours une sorte de symphonie nébuleuse, les voix sont fatigués, légères, enfumés. Des symphonies basées sur une alternance (comme sur « Rising » et sa batterie qui roule des caisses, d’ailleurs au passage, très bon travail à la batterie) entre moments reposés, souples, légers, et des saturations plus enlevés, plus rock n’roll. Des solos démarrent à partir de tempêtes pour de longues divagations dark, aussitôt ralentis dans leur élan par le tempo alangui, tranquille et assez élastique. On finit par aboutir à des échos de rêve, un aperçu du merveilleux. On sent bien l’influence de Stephen Lawrie à ce niveau-là.
Bref, voilà une vraie curiosité, remplie d’harmonies magiques et de boucans expérimentaux, tout en faisant preuve d’une langueur psychotrope digne de cette époque, avec The Verve, Spacemen 3 ou Starlings. Malheureusement ce maxi est extrêmement rare, voire introuvable. C’est cependant un délice dans lequel il est bon de se laisser aller, avec ou sans drogue...

Fiche artiste de Pleasurehouse

2011-10-31T16:18:00.002Z

Pleasurehouse

D'abord passé sur A West Side Production puis sur Snap Records, deux labels importants dans la scène indé suédoise du début des années 90, le groupe de Norrköping n'a jamais pu en profiter, se limitant à la sortie d'un seul maxi de six titres, un single, deux apparitions sur des compilations et un flexidiscs avec Easy.

Formé en 1986 par les guitaristes Niklas Larsson et Joakim Nordqvist (qui assure également le chant), le groupe n'a eu de cesse, avec leur van, de sillonner les villes, les provinces et de jouer en concert, prenant à peine le temps de renouveler leur répertoire de chansons, jusqu'en 1993, année de leur séparation. Entre temps, Björn Brunen, à la basse, Stefan Nilsson, à la batterie, ou Niklas Larsson deviendront des éléments importants, tandis que Johan Skaneby sera remplacé sur la fin par Per Sparf, ex-My Favourite Martians.

Leur style fera pourtant école, quelque part entre l'indie pop des années 80 et le shoegaze des années 90.

Pleasurehouse : This is how it feels EP

2011-10-31T15:58:00.003Z

This is how it feels EP de Pleasurehouse

Sortie : 1993
Produit par Stefan Petterson
Label : Snap Records

C'est peu avant que le groupe ne se sépare que Snap Records (The Wannadies, Eggstone, Whipped Cream etc...) décide à regrouper quelques chansons pour les sortir en single. A proprement parler, il ne s'agit pas totalement du nouvel EP puisqu'en fait "This is how it feels" et "Happy when you leave" existaient déjà bien avant et figuraient sur Marseille, le vinyle précédent, paru sur A West Side Fabrication.
Par contre, on va retrouver l'excellent "Cindy", écrit en 1993 par Per Sparf, le nouvel recrue en tant que guitariste. Ce morceau avait été enregistré à l'occasion d'un split avec Easy, autre groupe suédois. Snap Records permet donc de faire une petite piqure de rappel.
Et ce n'est pas plus mal vu la qualité des titres : successivement enlevés et emballant, ils s'enchaînent, sans pour autant tomber dans la facilité. Ils s'inscrivent en cela en plein dans l'air de l'époque, innocent et charmeur, preuve que le goût pour l'accrochage mélodique était bien présent en Suède. Pour peu qu'on lise entre les lignes de guitares qui s'entremêlent, les chants qui se font écho, et la qualité de l'écriture, on découvre pas mal de douceur sous ce papier cadeau d'engouement pop.

Fiche artiste de Tongue

2011-10-30T16:06:00.004Z

Tongue

Ce groupe américain est demeuré bien mytérieux jusqu'au bout, ne signant que deux singles sur le label Mason Ring, bien que le deuxième ait aussi été diffusé par le label français Orgasm. Il rassemble Deborah au chant, Mike à la batterie, Matt à la basse et Gerry et Karl aux guitares, sans qu'on en sache plus sur eux. Ils ont eu cependant la chance de travailler avec Dave Fridmann qui a accepté de les produire.

Anecdote marrante : sur la couverture de leur premier vinyle, un texte humoristique précise qu'il s'agit d'une chaine et qu'il faut absolument acheter le disque sous peine de la briser et d'attirer le malheur. Voici ce qui est écrit : "John, un lycéen de Syracuse, New-York, a brisé la chaine. Ses canalisations ont éclaté chez lui, noyant son chien et détruisant toute sa collection des bootlegs du groupe Phish (groupe prog et psychédélique, réputé pour ses prestations lives). NE BRISEZ PAS LA CHAINE ! ECOUTEZ CES CHANSONS !"

Fiche artiste de Nature Things

2011-10-27T22:20:00.002+01:00

Nature Things

Le groupe, originaire de Blackpool en Angleterre, propose une première mouture en septembre 1989 avec Christine (voix), Damien (guitare), Simon Thompson (basse) et Gavin Walsh (batterie). Les premiers temps servent à faire les ajustements. Très vite Christine est remplacée par Brian Hargreaves lui-même remplacé par Craig Fosberry.
Avec le beau-frère de Simon, Paul Wright (DJ au Frim Fram Club), qui s’occupera du management, le groupe enregistre une démo et joue quelques concerts avant que Damien ne quitte le groupe, juste avant une apparition au Winter Gardens (en première partie des Mock Turtles). Il leur faut donc remplacer rapidement leur guitariste : ce sera Colin Archer. Ils joueront ensemble au Jenks Bar.
C’est le label Action Records qui leur propose un partenariat. Le week-end du 26 et 27 mai, ils enregistrent une démo au Epic Head Studio’s à Sheffield. Ils enchainent ensuite avec leur premier voyage à Londres, pour accompagner Bitch Magnet au célèbre Camden Falcon. Malheureusement Bitch Magnet annule au dernier moment et sera remplacé au pied levé par Senseless Things, groupe typique du mouvement Camden Lursh, noise et punk. Ensuite, ils s’en vont à Liverpool pour jouer au festival Earthbeat 90, juste avant The Boo Radleys. C’est le début d’une association avec The Boo Radleys, qui est également sur le catalogue de Action Records.
Alors qu’ils supportaient le groupe Jerks au Oldham, le public comprenait notamment les membres de Inspiral Carpets, venus voir leurs amis (on fait pire comme ex-roadies).
Lee Threlfall est recruté à la guitare afin de permettre à Craig de se concentrer sur le chant. Peu de temps après, Gavin part et c’est Karl Gregory qui le remplace à la batterie. Avec un son lourd, chargé de guitares noisy, le groupe embarque pour son premier tour : The Psychic Pig Tour avec The Darkside, Slowdive, Midway Still, Blur, The Boo Radleys, Lush, Gallon Drunk. Un accident de van sur le chemin du retour manque d’achever leur carrière. Mais ils s’en relèvent.
D’ailleurs, en mars 1991, ils enregistrent leur premier EP, au Out of the Blue Records à Manchester, produit par Adam Lesser. Ils tournent même un clip pour « Shy Me », destiné à être joué lors « This way out » sur TVS. La chanson passera en boucle sur Radio 1, notamment lors de l’émission de Mark Goodiers. Nature Things commence à être cité sur Melody Maker et apparait comme « Single of the week » sur le NME.
Ils enregistrent alors trois nouvelles chansons, « Jumping the gun », « Individual Me » et « Destiny », toujours dans les studios de Manchester. Le son se fait encore plus saturé, le chant plus léger et spatial, le rythme hypnotique. Ils récidivent avec une nouvelle fournée de chansons, « It wouldn’t hurt to ask », « Needle », « Paradise » et « How it feels », pour un deuxième single, mais que Action Records ne publiera finalement jamais, le groupe finissant par spliter.
En effet, par la suite le line-up ne cessera dès lors de changer et de changer encore. En octobre, c’est Simon qui est le premier à quitter le groupe, remplacé par Kev. Juste après c’est Bongo qui part, alors c’est Brian qui est recruté à la basse. Mais les choses ne fonctionnent pas. Leurs remplacements pour assurer les premières parties de Spiritualized et de Cranes sont nécessaires. Ce sont les ex-membres de Imaginary qui s’y collent.
Des concerts pour supporter Edsel Auctionner, Bleach ou PJ Harvey entre autres, leur permet d’attirer le label Dead Dead Good, mais les choses s’enveniment avec leur manager Paul. Le manager de Scorpio Arising est appelé au secours pour signer avec Dead Dead Good, mais les dirigeants ne veulent parler à personne d’autres que Paul. Personne ne veut faire le premier pas.
Mark commence à perdre patience et quitte le groupe pour se concentrer sur sa propre musique. Darren, ex-Cherrydales, le remplace à la guitare. Ils jouent ensemble en première partie des Telescopes mais le concert tourne au désastre, pas de retour et la corde de guitare de Darren lâche spontanément, obligeant le groupe à finir à quatre.
D’ailleurs, ils décident de rester ainsi jusqu’à leur tout dernier concert, en septembre 1992, au « Tasche », à Blackpool. Histoire de boucler la boucle.

Biographie originale sur Myspace

Tongue : Tongue EP

2011-10-27T22:15:00.002+01:00

Tongue EP

Sortie : 1994
Produit par Scott Elder
Label : Mason Ring

Deux titres sous-produits, presque Lo-Fi, façon Swirlies ou les tout premiers Velocity Girl, avec une sorte d’étrangeté qui les détache du lot. Certes, les guitares sont tellement grossières qu’elles provoquent un sacré vacarme, mais il existe dans cette musique, un sens du décalage, une déconstruction, une volonté de sortir des schémas couplet-refrain habituel pour proposer de superbes mélodies venant de nulle part. Il s’y cache beaucoup de surprises qui deviennent alors de véritables délices.
Les riffs sont hachés, le tempo est lourd, le son presque noise, le chant quasiment inaudible et pourtant très doux, la structure est éclatée, les distorsions sont légions, « That ceiling » n’en dégage pas moins un charme incroyable, extrêmement rafraîchissant. Et la très belle voix mutine et légère de Deborah n’est pas étrangère dans le pouvoir d’attraction qu’exerce Tongue.
L’intro douce, longue, parfois bousculé d’éclairs saturés, de « Dunebuggy », saupoudré d’un chant aussi félin qu’angélique, s’inscrit dans un style typique de cette époque. D’autant que par la suite la chanson, qui s’étire sur près de six minutes de bonheur rapiécé, enchaine les miaulements divins, les détours, les fracas sonores, les déboulés à la batterie, les crescendos, les ralentissements, les pauses avec une toute petite mélodie grattée doucement sur une guitare mal accordée au son crispant, l’évaporation, confère à la musique de Tongue un cachet rustique, aussi grinçant que remarquable de grâce.

Tongue : Opaque EP

2011-10-27T10:21:00.004+01:00

Opaque EP de Tongue

Sortie : 1994
Produit par Dave Fridmann
Label : Mason Ring Records

Ce vinyl contenant seulement trois titres dégage pourtant une énergie hors du commun. Que de guitares ! Que de distorsions ! On peut comparer ces chansons à celles d’un autre groupe américain, Velocity Girl, et il y a un peu de vrai tant ça va très vite sans regarder en arrière. Surtout sur "Here before", acéré, écorchant. La batterie sonne tellement fort et vite que l'on a l'impression que tout va s'écrouler autour d'eux. Le rythme mené à la batterie est assez effarant.
Le plus, vous savez ce petit plus qui fait toute la différence, c'est la superbe voix de Deborah sur "Opaque", elle se fait plus mutine dans la voix, elle mise sur la mélodie, la sensualité est subtile, car en réalité noyé sous les distos et les saturations infernales, cependant cela suffit amplement pour créer l'addiction.
On remarque également qu'il fut produit par Dave Fridmann, ex-Mercury Rev, qui allait devenir célèbre plus tard, ce qui permet d'obtenir un son encore meilleur et d'avoir une voix plus claire.
C'est l'exemple parfait du single indie : trois chansons, on pourrait dire : "oh, ils ne se sont pas foulés, ceux-là", quelque part on n'aurait pas tord, mais trois chansons emballantes, qu'on n'arrête pas d'écouter. A l'époque, ces vinyles, pas chers, s'achetaient à la sortie de la fac, chez les disquaires, se prêtaient, passaient de mains en mains, même si ces échanges ne concernaient que quelques amateurs éclairés de choses indé. Car Orgasm était un label peu connu, très porté sur l’expérimental, et Tongue, groupe américain signé en France, l’était encore moins.
Sur « Shed » et sur tous les autres morceaux, Deborah va illuminer les compositions mitraillettes de sa voix de princesse, au grain doux, mielleux, acidulé et épicé. Un régal.

Pleasurehouse : Marseille

2011-10-26T21:23:00.003+01:00

Marseille de Pleasurehouse

Sortie : 1993
Produit par Stefan Petterson
Label : Snap Records

Cet étonnant mini-album qu’il faut aller débusquer (il provient de la scène indé de Suède) offre quelques titres charmants et immédiatement accrocheurs. L’accent est sans conteste noisy pop, mais avec un chant légèrement ampoulé, suffisamment discret pour ne pas en faire des tonnes mais suffisamment assez pour offrir de la légèreté. On pense parfois à des groupes comme The Bodines, The Chesterfield, The Mighty Lemon Drop, mais avec les guitares saturées en plus. Ce qui est normal lorsqu’on sait que le groupe joue déjà depuis 1986.
Les guitares sont tourbillonnantes, partent dans tous les sens, pour notre plus grand plaisir, sans pour autant casser les oreilles, et n’hésitent d’ailleurs pas à s’éclipser pour de magnifiques arpèges, comme sur « Breathe ».
La plupart des titres sont davantage frondeurs, manche de guitare empoignée, saturations, cadence élevée et mélodie dans la plus pure tradition indie : « Summer » ou « Happy when you leave », sa basse et ses chœurs d’angelots malgré un ton cynique et mordant.
« Blind » qui mélange guitares claires façon Smiths et guitares saturées façon Ride : il s’offre même le luxe de ralentir le tempo pour un passage de pure beauté avec un chant doux et léger avant un crescendo et une reprise irrésistible.
Tout est résumé avec « This is how it feels », chanson magique, à la batterie déchainée, qui semble vouloir à lui tout seul inonder le monde d’une beauté innocente, incrédule et romantique, avec pour seuls armes sa mélodie enchanteresque.

Nature Things : Lucid EP

2011-10-26T14:47:00.004+01:00

Lucid EP de Nature Things

Sortie : 1991
Produit par Adam Lesser
Label : Action Records

Plongeant l’auditeur dans un tourbillon répétitif tel qu’il ne l’avait plus entendu depuis Loop, les titres de Nature Things sont la définition du psychédélisme le plus brutal et sauvage. Une pop presque auto-destructrice.
Concentré absolu de distorsions et autres bruits crispant, « Bitter » explose les conventions, marasme duquel émerge difficilement un chant freluquet, suffisamment défoncé pour être léger, voire aigu. Ce chant léger se noie même complètement au cours des autres compositions, titres shoegaze qui subliment aussi bien le côté sombre que le côté lumineux du groupe.
Alors que le public pourrait être en droit d'attendre un son clair, dans la lignée de la pop fleur bleue des Smiths, le groupe de Blackpool propose quant à lui une musique sourde. Lourde, noisy, surchargée, avec des voix détachées, qui semblent venir d'ailleurs ou qui sont complètement défoncées, mais étrangement très douces, elle se repète inlassablement, pour provoquer une transe, et tourne en boucle.
Au milieu de ce tumulte, ces quelques chansons arrivent à marier confusion bourdonnante et éminence accrocheuse. Le virevoltant « Ignorance » libère toutes les impulsions d’habitude bâillonnées en un tourbillon de distorsions, de fuzz et de voix crachées et/ou susurrées de façon ouatée. L’hébétude s’observe sur l’étourdissant « Shy Me », où la même boucle de guitare se répète, crasse, grave, bourdonnante, crépitante, avec une froideur incroyable. En tout cas, il est stupéfiant de constater jusqu’où peuvent mener les drogues.

Fiche artiste de Blindside

2011-10-23T16:32:00.002+01:00

Blindside

Groupe culte et superbe, qui n'aura guère duré mais qui aura au moins fait la gloire du label Summershine Records. Il s'est formé en 1991 à Melbourne comme la plupart des groupes shoegaze de l'époque. Avec d'autres formations comme Jupiter ou Afterglow, ils ont signés parmi les singles les plus fabuleux, aux pochettes esthétiques et magnifiques, tout comme leurs chansons, qui évoquent Ride, tous sur le label de Jason Reynolds.

Le groupe comprend Hamish Cowan (guitare et chant), Nick Batterham (guitare et chant), Chris Smith (basse), Matt Sigley (clavier) et Nick Peeters (batterie), à peine 18 ans de moyenne d'âge au moment de leur formation.

En 1993, Nick Batterham, principal songwriter, s'en va rejoindre The Earthmen, du même label, et s'en est la fin du groupe. Il ménera ensuite une carrière solo, assez remarquée, mais somme toute discrète, avant de rejoindre son compère de toujours, Hamish Cowan, au sein du groupe Cordrazine, qu'il avait monté à la suite de Blindside, perpétrant un peu de la légende de cette scène de Melbourne.

Fiche artiste de Low Dream

2011-09-30T10:48:00.008+01:00

Low Dream

La rock indépendant, c'est ça : nouer un contact privilégié avec les fans pour faciliter leurs venues durant les voyages et les concerts. Low Dream est devenu un groupe culte grâce à son rapport étroit avec son public, limité mais fidèle.

Pourtant, en live, Low Dream ne ressemble en rien à un groupe fougueux et agressif, qui en jetterait plein la vue, bien au contraire, sa mixture à base de guitares ressemble à une séance d'hypnose, basée sur un bruit éthéré.

Considéré comme le plus anglais de tous les groupes brésiliens, pour son style influencé par le courant shoegazing (mais également le psychédélisme du Velvet Underground), Low Dream est né à Brazilia en 1991.

Les frères Giulliano et Giovanni Fernandez, après avoir été dans un groupe appelé Flower's Land, se sont associés avec le bassiste Samuel Wolf, puis ont sorti une première chanson, "Dreamland", vendu à plus de 800 exemplaires et diffusé sur le MTV local. Elle sera ajoutée à une démo, qui avec ses six guitares mixées, préfigurera la son du groupe, très condensé.

En 1993, le groupe se fait remarqué pour sa prestation réussie et inoubliable au célèbre Juntatribo Festival, évènement essentiel qui a lancé la nouvelle scène shoegaze du Brésil. L'année suivante, sort leur premier album, hommage à My Bloody Valentine (ce qui sera revendiqué par les auteurs eux-même). Le trio reçoit alors toute l'admiration du public, qui se déplace dans plusieurs Etats du Brésil pour les voir.

Low Dream signe alors sur Midsummer Madness, label important puisqu'il héberge la plupart des groupes shoegaze brésilien, comme Old Magic Pallas ou Brincando de Deus. Le deuxième album sort en 1996 : il sera davantage mélodieux, davantage pop, bénéficiera d'un son plus clair, et nécessitera de l'apport d'un quatrième membre, le guitariste Eduardo Luiz, fraîchement débarqué d'Europe. Il sera une parfaite réussite et un des meilleurs albums du rock indé au Brésil.

Malheureusement le manque de structure efficace de diffusion au pays et le manque de place médiatique accordé au rock indé, entraîneront la séparation du groupe, qui aboutira fatalement après une longue période d'inactivité et de silence radio, malgré le projet parallèle Magneto. Seul Guilliano arrivera à tirer son épingle du jeu, en devenant, sous le nom de DJ Hooper, un des plus intéressants artistes électro de Brasilia.

Source : biographie

Low Dream : Between my dreams and the real things

2011-09-28T17:28:00.002+01:00

Between my dreams and the real things de Low Dream

Sortie : 1994
Produit par Low Dream
Label : Rock it!

« Sugar », « Dream », « Butterfly », « Precious Love », «Treasure», «Candy» : lorsque l’on s’attarde sur les titres employées pour ce premier album, on se rend bien compte de l’illusion encore prégnante chez ces jeunes garçons. Un domaine remplis de rêve, d’innocence et de désirs fous de tout embrasser d’un seul coup d’un seul, avec des guitares qu’on saturerait à fond.
D’ailleurs, souvent, le rythme est emballé, comme si les musiciens n’avaient que trop attendus pour s’exprimer, frappant les caisses à une vitesse accélérée, et maintenant une saturation envahissante tout du long. Les morceaux sont courts, punchy, vite commencés et vite finis. « Sugar Drop », « I had never had sugar dream », avec sa voix grave et soufflée, « Watching Caroline’s dream », mené tambour battant, autant de chansons raccourcies qui témoignent d’une envie de se lancer en avant. A lui seul, l’indépassable « Lose my dreams (in a deep blue sky ») et son refrain inoubliable, résume la conquête folle d’une jeunesse insouciante, éprise de romantisme et d’illusion.
Alors bien-sûr tout n’est pas encore parfait, quelques réglages sont de mises au cours de ce premier album, trop court assurément, et les mélodies semblent pour le moment jetées en pâture aux grosses guitares qui déboulent. La tendance compulsive de mettre le volume à fond est le signe d’une jeunesse pas encore maîtresse d’elle-même. Ceci dit, chez Low Dream, on note une grande pudeur et beaucoup de douceur. Une ambivalence incroyable se créé lorsque les voix douces et presque inaudibles se doivent affronter des distorsions folles et un brouillage de tous les instants (« Candy » ou « Chasing a butterfly », superbe).
Certains titres illustrent ainsi parfaitement ce contraste typique du shoegazing, dans lequel s’inscrit en plein Low Dream à ses débuts, entre une urgence folle d’attraper le monde avec ses mains, et une retenue pudique d’angelots. « My garden » semble tout droit sortir d’un rêve, et le texte presque parlé vient renforcer cette poésie magnifique. Quant à « Only I finest breeze », le brouillage de saturation reste malgré tout extrêmement doux, ce qui convient parfaitement à un chant lascif et reposé, dont les fins de phrase s’envolent dans une montée liquéfié, presque absente.

Fiche artiste de Beatnik Filmstars

2011-09-28T17:14:00.004+01:00

Beatnik Filmstars

Souvent considéré comme le Guided by Voices anglais, pour son incroyable profusion d'albums et d'EPs, tous dans un style purement lo-fi, Beatnik Filmstars n'est pas un groupe très connu mais c'est certainement un groupe culte.
Difficile de les suivre, puisqu'ils signeront sur (presque) tous les labels indépendants de l'époque, entre Slumberland, Merge, Landspeed ou encore La-Di-Da Productions, accompagneront leurs albums d'autant de singles et autres faces-b, et se maintiendront avec une fidélité sans faille à une esthétique économique, débrouillarde, brouillone. La pop anglaise aura le droit à être raccourcie, rapiécée et malmenée par des guitares crasses qui doivent autant à Pavement qu'aux Weeding Present.
Mené par le génial Andrew Jarett (chanteur, guitariste et compositeur), le groupe de Bristol aura laissé derrière lui une immense discographie pour devenir la formation la plus américaine des formations anglaises.
Les débuts, au commencement des années 90, seront eux plus obscurs, avec un premier album quasiment introuvable, un premier single indie sur le label Summershine, puis un deuxième single, shoegaze cette fois-ci. Ensuite Beatnik Filmstars gardera les grosses guitares, les distorsions et le son noisy mais cette fois-ci pour un esprit beaucoup plus fun et décontracté. Le très bon "Laid Bach & English", paru en 1993, sera ainsi le premier d'une longue série d'albums trop souvent négligés mais à découvrir.

Low Dream : Reaching for balloons

2011-09-26T20:53:00.002+01:00

Reaching for balloons de Low Dream

Sortie : 1996
Produit par Low Dream
Label : Midsummer Madness

Des guitares saturées, tout ampli à fond, un riff entrainant, immédiat, charmeur dès les premières secondes, sans réfléchir, un style léger, gonflé, percutant, des voix douces, en retrait, allumées et mixées, qu’on retrouve sur des titres comme « Ballon Head » ou encore « What we feel », une simplicité essentielle qui sera la marque de fabrique de ce sympathique groupe brésilien. La formule petit riff délicat/gros riff tapageur marche parfaitement, sur des morceaux comme « Acid Trip Smile » ou encore le superbe « These little things touch me everytime », spacial, dont le chant est déformée, presque robotique, le riff lunaire et les saturations big big big.
Sur ce deuxième album, on sent que le son est plus léché et les mélodies plus évidentes. Low Dream a le mérite de revenir aux fondamentaux, de faire simple, de conjuguer basiquement le plaisir brute de faire cracher les guitares et de garder malgré tout le goût pour les mélodies pop trop souvent oubliées, celles avec un couplet, un refrain plus lourd et éventuellement un pont. On sent énormément d’insouciance dans ce principe là, de la fraîcheur, de la jeunesse, de l’authenticité. Low Dream ne se prend pas la tête, quitte à livrer quelques surprises, comme ce psychédélique « Ultra violet », assez kautrock dans le fond à bien y regarder. Ou encore l’étonnant « Trois millions d’étoiles », avec ce chant en français s’il-vous-plait, innocente chanson twee, bercé par un clavier très kitch et de temps à autres balayée de grosses guitares.
Ce maintien de l’innocence (la voix de chérubin, les petits riffs tout mignon tout plein), malgré le défilé des guitares vigoureuses et distordues, donne beaucoup de charme à Low Dream. Le groupe signe des titres power-pop/shoegaze dans une folle conquête étudiante impossible et c’est ce jeté sans calcul, au nom du simple plaisir du faire du rock qui rend cette musique si plaisante.
On se prend du coup beaucoup d’affection pour ces chansons, de la trempe de « Rocket Ride », pourtant très twee dans le fond (on se dit que cela faisait longtemps qu’on n’avait pas entendu une Rickenbaueur, des tambourins et des mélodies à la Another Sunny Day ou Brighter), avec un petit clavier discret juste comme il faut et surtout une voix magnifique, douce, légère, très chaude, dont on sentirait presque le souffle tant il est prononcé. « From the ocean you bewitched eyes», sous ces airs de titre évanescent, estival, insouciant et romantique, reste tout de même un superbe titre pop, l’essence même de ce que la pop devrait être, dans sa simplicité, une mélodie géniale, zébrée par des guitares saturées.

Beatnik Filmstars : Themes from foreverdrone EP

2011-09-24T22:10:00.003+01:00

Themes from foreverdrone EP de Beatnik Filmstars

Sortie : 1992
Produit par Beatnik Filmstars
Label : Vinyl Japan

Cela risque de surprendre pas mal d’amateurs, Beatnik Filmstars étant davantage connu pour avoir signé pas mal de titres pop lo-fi, mais « Themes from foreverdrone », un de leur tout premier EP, comporte quatre titres shoegaze lunaires et bruitistes.
On était en 1992, et avant de signer sur La-Di-Da et de se forger ce style décontracté qui allait les faire devenir culte, Beatnik Filmstars usait de guitares comme s’il s’agissait de créer une ambiance étirée et enfumée.
Le ton chaloupé de sortie de bars une nuit chaude d’été, sur le jazzy « Snowdrifter », la voix soufflée et quelque peu titubante, cette impression de saisir les conséquences d’un trip, le motif répétitif à la guitare qui accompagne le morceau, laissent la place sur une seconde partie, à des guitares bien plus tordues et un rythme plus inquiétant. On retrouve cette restitution de flottement avec des « ah ah ah aaaah » et des réverbs immenses sur le surchargé « 9 or 7 », un peu bizarre, un peu tremblotant, mais frondeur, psychédélique et tissant un mur d’instruments comme un mur d’images lumineuses. La chanson s’arrête et s’égrène sur un léger riff féerique.
Le psychédélisme sera à nouveau de mise, voire davantage revendiqué sur le superbe et paresseux « Moreover », qui se construit autour d’une basse magnifique, laisse entendre des remous dans l’eau, ainsi qu’une respiration d’accroc à la fumette. Cette dérive ostentatoire sera de temps à autres balayée par une déferlante écrasante de guitares saturées. Un morceau très particulier, une retranscription presque fidèle de l’état de trip, très lent mais absolument prenant lorsqu’on s’y plonge.
Peu de gens aujourd’hui ne se souviennent de cet EP lorsqu’il s’agit de reconstituer la discographie de Beatnik Filmstars. On en garde l’image d’un groupe léger, avenant et insouciant. Pourtant à leur début, ils étaient encore confinés dans leurs délires de guitares et de psychédélisme.
Ce qui a donné lieu à des chansons magnifiques de la trempe de « Missed », un de leur tout meilleur morceau, d’ailleurs un des meilleurs titres shoegaze de tous les temps, qui illustre parfaitement toute la symphonie irréelle de ce style. Voilà qu’avec des guitares qui sonnent comme des sirènes, qui dessinent un riff magique répété à l’envie, on touche du doigt un autre monde. Un monde où le rythme se veut emballant, approchant l’infinie, le chant se fait léger, parti dans les hauteurs de l’ecstasy, l’addition des instruments ne se veut aucune limite et aboutit à un mur du son d’une beauté inouïe car on s’envole loin des canons habituels du rock pour aller au-delà et épancher l’ivresse impalpable de la jeunesse.

Fiche artiste de Resonantes

2011-09-24T22:08:00.001+01:00

Resonantes

Le duo Flavio Etcheto et Leonardo Ramella ont pratiqué au cours des années 90 une musique expérimentale, particulièrement novatrice et importante en Argentine. Leurs deux albums « Summergible » en 1995 et « Simultáneo » en 1997, empruntent beaucoup à l’electro et à l’ambient.
Flavio Etcheto, qui est à la base de ces recherches musicales, a notamment contribué à l’album « Colores Santos » en 1992, récréation electro, OVNI dans le rock argentin, avec Gustavo Cerati de Soda Stereo et l’inévitable Daniel Melero. L’impact sur le génial « Dynamo » à venir allait être déterminant.
Dans le même temps, il lance Resonantes avec Leonardo Ramella à la batterie et Wala à la basse. Ils participeront ainsi à l’éclosion de la scène « La Movida Sonica » en proposant une chanson (« Respueta ») sur la compilation Ruido, sortie en 1993, et où figurent aussi Suárez, Los Brujos, Demonios de Tasmania etc… Gustavo Cerati les invite alors à venir sur scène partager la présentation de leur album « Dynamo ».
Un an plus tard, sort leur premier EP, avec « Respueta » et cinq autres chansons, qui voit Daniel Melero en contribution. Le style oscille entre morceaux shoegaze et interludes plus electro, prévoyant le style à venir.

Resonantes : Resonantes EP

2011-09-23T21:42:00.004+01:00

Resonantes EP de Resonantes

Sortie : 1994
Produit par Victor Ponieman
Label : Random

La façon de chanter est ici bien particulière : les textes, en espagnol, sont finalement parlés, d’une voix ensorceleuse, avec un ton languissant, très latin. La langue natale de ce groupe argentin transforme ce shoegaze tecknoïde et langoureux en une démonstration de nonchalance très vite superbe. La voix plutôt grave, les souffles, cette façon de laisser trainer les voyelles, l’accent latin, tout ceci plaide pour l’ambiance.
Une ambiance élégiaque, matinée de petits riffs cristallins, d’effets de clavier et d’échos miroitant, qui à force élève et fait dériver. La musique de Resonantes n’est faite que de douceur, de guitares mirifiques, d’un rythme entrainant et chaloupé, de voix empathiques, parlant, séduisant, se détournant.
On obtient donc quelques titres savoureux, entre faux airs de dandy, laisser-aller moite, noyé sous les guitares (« Tatuaje ») et une dérive artificielle, nocturne, urbaine, ultra-sexy, avec son texte parlé d’une voix chaude et suave, brouillée par une surcharge instrumentale vaporeuse (le superbe « Como el aire »). Le tout entrecoupé de quelques interludes évanescents. Dont un « Cactus » assez étrange comme fascinant, uniquement à base de claviers et de samples, avec éventuellement une ligne de basse très lente, qui symbolise bien le monde du shoegaze. On notera d’ailleurs ce goût pour l’ambient et la musique famélique et éthérée. Le trait d’union est fait avec leur premier album, sorti quelques mois plus tard.
En attendant, avant que Resonantes ne troquent leurs guitares pour les claviers, il reste sur cet EP, le titre « Respueta », un des meilleurs, vraiment superbe, rêveur, où tout y est, ce chant si particulier, tout en espagnol, ces claviers, l’alternance entre l’épure et le mur du son qui va en gonflant, et ces guitares qui tissent des riffs absolument magiques, sachant parfaitement rebondir sur les lignes mélodiques pour les mettre en valeur.

Fiche artiste de Earwig

2011-09-23T21:22:00.003+01:00

Earwig

Les amateurs de rock indé obscur connaissent très bien (et aprécient d'ailleurs) Insides pour avoir été un des tout premiers groupes post-rock, avec Laïka ou Pram. Le duo de Brighton, Kirsty Yates et Julian Sergei, proposèrent une electro ouatée et évanescente, sur leur album "Euphoria", avant de plus ou moins disparaître des écrans radar ou de faire des sorties solo, aussi discrètes qu'envoutantes.
Avant ce projet expérimental, le couple avait fondé Earwig pour proposer un shoegaze industriel assez sexy, profond et novateur. Cette fronde intellectuelle s'est menée au travers une succession de singles cultes, aux pochettes magnifiques et très racées, "Hardly", "Subtract" et "Might", entre 1990 et 1991, sur le petit label La-Di-Da Productions. Un an plus tard ce label eu la bonne idée de sortir un recueil.
Le seul et unique album de Earwig est une petite merveille. Il rompt avec le shoegaze de départ, aiguisé et mordant, pour n'en garder que la grâce, n'hésite plus à ralentir le rythme, à faire dans le minimalisme, et accède alors à une sorte de plénitude inouïe. A l'image de sa pochette (où la mystérieuse Kirsty se prète au jeu de la pose), probablement une des plus belles et des plus romantiques de l'époque, "Under my skin I'm laughing", sorti en 1992, est un petit morceau de nuage arraché du matelas divin. En un an à peine, le duo aura accompli un saut dans l'évolution de son style tandis que certains groupes dans toute leur carrière, n'en auront même pas accompli le dixième.

Earwig : Past

2011-09-17T23:42:00.002+01:00

Past de Earwig

Sortie : 1992
Produit par Dimitri Voulis et Sergei Tardo
Label : La-Di-Da Productions

Rigueur industrielle, guitares tranchantes, basse en métal, saturations en écho : l’écrin qui abrite la voix grave et discrètement aérienne de Kirsty Yates est assez terrible. Il est sidérant d’écouter un tel tourbillon de bruits et de fracas cybernétique. De plus, les coups donnés s’appliquent de manière sèche, sans rondeur, de manière concise, presque froide, contrebalançant la sensualité de Kirsty Yates, avec son chant.
« Past » est le recueil des premiers EP du duo pour le label culte La-di-da, sorti à la suite de son merveilleux et élégiaque album : on y surprend pourtant une musique particulièrement rêche et bruyante. Pour qui connait le style apaisé et minutieux par la suite, le rythme accéléré et les guitares saturées peuvent dérouter. On est assez loin de ce que Sergei Tardo, Dimitri Voulis et Kirsty Yates pratiqueront par la suite sur leur album. De ce vacarme de fabrique, de chaines de machine-outil, d’aciérie, on jugera une qualité extrême, un sens de la mélodie rapide, post-punk quasiment, avec un accent pressé, mordant, sonique. Malgré tout beaucoup de gens ignorent tout des débuts de ce groupe à part.
Véritables décharges fulminantes, ces courtes chansons sont autant l’occasion de faire cracher les guitares que la voix, pleine de fiel, mais aussi sensuelle. Que dire du génial et complètement addictif « Her stupid face » ? Tout y est ! Le tempo ne baisse jamais, on a l’impression de vivre dans l’urgence, le charme agit dès les premiers assauts de riffs qui ne cesseront jamais de revenir constamment à la charge, et se poursuit avec le chant époustouflant de Kirsty Yates. Un véritable trésor caché en terme de shoegaze !
Lorsque la basse roucoule (quelle basse ! mais bon sang, quelle basse !) et que l’ambiance se veut moins exposée, avec des coupures de rythme ou des riffs répétées (le superbe « Driving you mad » ou l’extraordinaire « Everything’s just fine »), la musique d’Earwig devient encore plus fascinante, complexité tentaculaire, écrasement métallique et déferlement travaillé. « Both of us screaming » réussit le mélange parfait entre crescendo et nonchalance indus, la chanson va s’enrichir petit à petit d’éléments pour un maelstrom magnifique. Le rythme sait rester haché, très rock, le chant sait rester grave, détaché tout en demeurant sexy, les riffs savent distiller juste ce qu’il faut de décharges. Ce titre, cyber-pop parfaite, témoigne d’une volonté de la part d’Earwig de se détacher de la production habituelle.
Les derniers morceaux, qui correspondent au troisième EP, annoncent un changement et préparent aux élans vaporeux de l’album à venir. Le ton est moins pressant, des claviers commencent à apparaître et l’accent sera davantage mis sur la boite à rythme, devenus minimaliste. Kirsty Yates prendra cette fois-ci le temps. Ses phrases s’embelliront d’un léger souffle et d’un hoquet à peine discernable. Sur « Out of my hands, over my head », lent et très beau, une guitare sèche et un piano finiront par être entièrement recouvert par un nuage de saturation.
Trop méconnues, ces premières chansons, shoegaze industriel, dont le seul équivalent serait éventuellement Curve, sortent du lot, associent une certaine rectitude avec de la souplesse, et se révèlent alors très contagieuses. L’hypnotisme se fera à partir de ce tempo entièrement artificiel écrasé par un mix très dense. L’ensemble bouscule pour s’enfoncer dans les oreilles comme un fraiseur électrique.

Earwig : Under my skin I am laughing

2011-09-17T15:55:00.003+01:00

Under my skin I am laughing de Earwig

Sortie : 1992
Produit par Dimitri Voulis
Label : La-Di-Da Productions

Ecouter cet album peut se révéler délicieusement déstabilisant au fur et à mesure qu’il s’égrène. Déliquescent et extrêmement léger, la structure s’évapore, ne repose plus sur grand-chose, jusqu’à fondre en un nuage délicat et effacé. On s’oublie à la fin. On devient transi à force de s’accrocher à ses motifs lents, monotones et réguliers, d’une finesse et d’une méticulosité d’orfèvres. Ce minimalisme céleste hypnotise ; on n’arrive plus à se centrer sur soi-même et on cède devant cette musique, étrange et raffinée.
La descente se fait de manière inquiétante, basculant d’un univers blanc et tout en soie, à un univers plus gris et strident, rachitique, voire fantomatique. Au final ne demeure qu’une sidérante fascination pour cette musique, qui demeurera avare en signaux avant tout, plutôt assez compliquée, mais d’une magie pleine et merveilleuse.
L’attrait est immédiat, l’addiction s’établissant à partir d’une boucle répétée, sorte de vieux violons électroniques sortis d’un rêve, qui va se multiplier sans variation pendant de longues minutes, de manière aussi pénétrante qu’une aiguille ou une ritournelle féérique. La voix se pose, douce, envoutante, d’une rare élégante, avec un léger trémolo et des petits hoquets à tomber, marquant des pauses avant chaque mot, dans un souffle, un râle de divinité mythique, susurrant des poèmes interdits aux oreilles. Les samples de violons de bougent pas et persistent, tout ceci au cours des dix minutes purement incroyables de « Every day shines », qui ne pouvait pas mieux ouvrir cet album, surprenant et imposant une grâce flottante sans aucune mesure. Il est ensuite impossible d’oublier ce morceau, qui marque durant toute une vie. Progressivement des instruments vont s’additionner, tandis qu’on s’abandonne à ce schéma tournant en boucle, on distingue un léger riff, puis deux, puis trois, quelques cuivres, puis ensuite, la tempête s’installe lentement, un piano déglingué d’abord, et après des saturations menaçantes, arrivant de loin puis envahissant tout l’espace comme une armée de bourdons. Grondement, menaces, orage, avant que tout ceci ne s’efface pour ne retenir que ces sempiternels violons qui continuent leur boucle, achevant ainsi la déstabilisation. Les repères avec le monde réel disparaissent. On touche à la notion d’infinie.
La reprise se fait sur un mode doucereux, limite moelleux, un duvet de boite à rythme, des plumes de guitares qui dessinent discrètement des arabesques, un satin de voix angélique (« Safe in my hands »), avant que le temps ne se suspende, qu’on retienne notre souffle, que le crescendo se fasse, s’arrête brusquement, reprenne et explose : le paroxysme se fera dans une rare élégance, très travaillé, avec des saturations magiques, qu’on dirait sorti d’un monde merveilleux, à mi chemin entre l’industriel et le purement fantastique.
Globalement, la musique d’Earwig sera minimaliste, se contentant de peu, ralentissant le rythme parfois jusqu’à l’arrêt, la lenteur permettant de plonger dans une ambiance très particulière, blanche, pure, lancinante, notamment avec ces sifflements qui sonnent comme des acouphènes, avant d’être zébré d’assauts de guitares (« When you’re quiet ») qui semblent annoncer un monde bien plus inquiétant, une sorte de poussée noire qui ne demanderait qu’à prendre entièrement la place. Les xylophones, les samples et le rythme artificiel ressemblant à des gouttes d’eau, des bulles dans des lacs scintillants ou des gerbes de lumière lorsque des perles magiques tombent des feuilles d’arbres elfiques, on a l’impression tenace de flotter, de traverser un nuage ou un monde qui ne serait plus le notre (« Scraped out »), surtout lorsque les structures se répètent inlassablement. La torpeur, la fascination et l’étrangeté se mélangent pour un tout à la saveur particulière.
Il ne faut pas oublier que derrière tout cela s’agite tout de même des forces qui ne demandent qu’à venir, tout détruire, débouler d’un coup pour pulvériser cette sorte de plénitude. L’univers de Earwig est assez ballotant lorsqu’on s’y attarde.
Ainsi, lorsque un climat doux et apaisant se met en place doucement sur « We could be sisters », superbe morceau, avec un piano, un rythme froid et digne, hérité de la cold-wave des Cocteau Twins, des interventions de guitares qui ne sont là que pour suggérer le merveilleux, un riff magnifique et répété va s’imposer, suscitant une excitation, une attente, d’autant plus réveillée que le tempo va gonfler, se dégonfler pour se tendre à nouveau, et ce, sans jamais aboutir à l’apothéose tant attendue. Cela créé une tension, qui finalement ne pourra jamais céder.
On plongera alors, hagard et quelque peu ébahi, dans une sorte de torpeur, une évasion quasiment totale, un détachement avec tout ce qui nous retient sur Terre. Un hébétement renforcé par le fantomatique « Never be lonely again », ses ambiances lugubres de maison hantée, son chant décharnée, quasiment soufflée dans un dernier souffle, et son rythme plaintif, découpé et pesant. Les couleurs changent, glissant d’un blanc virginal et éblouissant, à un gris davantage flou et mystique. Uniquement évanescent et nuée d’émotions symboliques, les derniers morceaux de l’album vont voyager si loin qu’on n’efface tout concept, toute personnalité pour ne retenir que des impressions fugaces.
L’achèvement se fera avec « Sickhair », balançant entre acharnement à la batterie, et guitares et claviers féériques, tombant en pluie d’or, sortant tout droit d’un merveilleux situé au-delà de l’imagination, nouveaux sons jamais inventés et complètement situé hors du champs organiques, avant qu’une surcharge instrumentale ne vienne gonfler cette fin superbe. On en ressort abasourdi et assez interdit, d’avoir côtoyé à ce point le baroque, l’irréel et la magnificence brute.

Fiche artiste de Soda Stereo

2011-09-15T16:10:00.005+01:00

Soda Stereo

Le fait que Soda Stereo soit peu connu en France en dit finalement plus sur le manque de culture français que sur Soda Stereo. Car le groupe argentin, référence durant près de deux décennies, est une légende en Amérique Latine. Pour faire court, disons tout net que "Cancion Animal", sorti en 1990, est considéré comme l'un des plus grands disques de rock d'Amérique Latine. Honte sur la France de ne pas savoir rendre hommage aux formations de cette trempe !
Vendu à plusieurs millions d'exemplaires, l'album fait figurer quelques uns des chansons les plus puissantes et évocatrices du groupe argentin, qui ne sont d'ailleurs même plus des chansons mais des tubes, et leur auront permi d'effectuer une tournée triomphante sur tout le continent, et même en Espagne.
Déjà connus et réputés pour leurs albums dans les années 80 (notamment "Signos" en 1986), dans un style new-wave et post-punk qui n'était pas sans rappeler The Police ou The Cure, Soda Stereo bénéficiait d'une réputation établie : leurs concerts se faisaient à guichet fermé devant plus de trente mille spectateurs, dans les stades, les plus grands producteurs comme Carlos Aldormar (David Bowie, Simple Minds, Iggy Pop) ont enregistré leurs chansons, la chaine délocalisée MTV diffusait leurs clips en boucle, et ils ont pu faire les premières parties d'INXS ou de Tear for Fears, excusez-du peu.
Lorsque Gustavo Cerati (guitare et génie), Hector Bosio (basse) et Charly Alberti (batterie) se sont rassemblés à Buenos Aires pour monter un groupe punk, jamais ils ne se seraient imaginé tant de succès. Au départ, en 1982 pour être exact, le groupe se contentait de pratiquer un pseudo-punk crasseux, devant une assistance qui se souciait peu de leur cas. "Nos débuts remontèrent à un concert au Disco Airport, qui était pas loin de Buenos Aires. Mais personne s'est intéressé à nous. On jouait sur du matériel défiscient, qui donnait un son horrible, mais on était tout de même content. On ressemblait vraiment à des punk : on ne savait pas jouer mais on jouait très fort." se souvient Gustavo Cerati.
Participant à la scène underground qui commençait tout juste à naitre en Argentine, avec notamment des groupes comme Virus, Los Encarcados (le groupe de Daniel Melero), Los Twist etc..., Soda Stereo fignole son style, se nourrit de diverses influences, notamment anglo-saxonne, ce qui est tout à fait novateur et osé pour un groupe argentin. Le groupe sera même connu pour avoir réalisé un clip vidéo, façon lo-fi, avec ses propres économies.
Le premier album sort deux ans plus tard, produit par le chanteur de Virus, un ami à eux. Grâce à ce premier essai, ils se produisent au El Teatro Alto, concert diffusé par les chaines de télévision, notamment du côté backstage, ce qui donne une coloration très particulière et fera très vite de Soda Stereo, un groupe culte. Mais ce qui aura véritablement lancé la légende du groupe, ce sera sa participation au festival Chateau Rock en 1985 au stade olympique de Chateau Carreras, dans la région de Cordoba, puisque le groupe sera considéré comme LA révélation de la programmation.
Les albums qui suivront seront ensuite double-platine, deviendront des références et "Signos" sera même le premier disque de "latino rock" à sortir en CD. La tournée qui s'en suit permet d'imposer le mouvement comme fédérateur et générationnel : plus de 22 concerts s'enchaîneront, dans près de 17 villes d'Amérique Latine, et rassemblant presque 350000 personnes.
Pour "Cancion Animal", leur plus grosse vente à ce jour, le groupe s'envole à Miami en 1990 et s'entoure de trois figures extrêmement importante pour le rock argentin : Daniel Melero, évidemment, Andrea Alvarez, percussioniste, Tweety Gonzalez, au clavier. L'album est un véritable carton, trait de liaison entre la new-wave des débuts et le grunge qui déferlait à l'époque, à un tel point d'ailleurs que le groupe finira par vouloir s'en détacher à tout prix, oeuvre trop imposante, trop monstrueuse pour être assumée jusqu'au bout. Alors pour se défaire de l'aura trop étouffante de ce succès, le groupe décidera de s'orienter ostensiblement vers l'expérimental.
Le résultat s'appele "Dynamo" et sera assez mal perçu par les fans de la première heure. Malgré tout, il est la preuve du véritable génie de Gustavo Cerati qui va injecter dans son rock puissant et lyrique, une dose de jazz, de psychédélisme, de shoegaze, d'indus, de dance et de new-wave. L'écriture est parfaite, la production travaillée et la personnalité unique et extraordinnaire. A titre de comparaison avec U2, si "Cancion Animal" est leur "Joshua Trees", alors "Dynamo" est aussi fascinant que "Atchung Baby".
La formation de Buenos Aires en profite alors pour promouvoir une nouvelle scène indépendante qui commençait à poindre le bout de son nez : "La movida sonica". Adeptes de bruits, de saturations et d'influences shoegaze, des formations plus jeunes comme Juana la Loca (produit également par Daniel Melero), Tia Newton, Babasonicos, Martes Menda, furent à tour de rôle inviter à faire les premières parties de présentation de "Dynamo". On ne soulignera jamais assez le rôle très important joué par Soda Stereo dans la diffusion de cette scène indépendante.
L'attente d'un nouvel album fut ensuite long. Il fallut près de trois ans avant que Soda Stereo ne finisse ses nouveaux enregistrements. Gustavo Cerati s'explique à ce propos : "Nous n'avons pas sorti un chef-d'oeuvre mais un album qui exprime au mieux ce que nous étions à l'époque, parce qu'on était complètement détaché du besoin d'être encore dans un groupe dans le futur ou d'être encore parmi les meilleurs pour encore dix ans. On avait vécu tellement de choses ! D'un autre côté, on était très fier de tout ce qu'avait permi "Dynamo". On ressentait de la pression mais en même temps, on était détaché. On avait quelque chose d'important à dire, à synthétiser, cela ne pouvait pas être un petit album. De plus, on devait laisser aller notre musique et éviter de trop réfléchir. Au final, cet album est un des plus innovants."
"Sueño sound" se révèle encore plus inouï : sommet du groupe, référence ultime pour tout le rock argentin, succès inestimé. Album concept, il tente des tentatives dans l'art rock et l'avant-garde, voire le post-rock ou l'electro, repoussant encore plus en avant les frontières, les dernières chansons s'enchaînant comme une seule et même chanson. Peu après, MTV leur demande une session Unplugged, le résultat, sous le nom "Comfort y Música para volar", sort en 1996 et dépassera encore toutes les espérances : avec un son acoustique, Soda Stereo dévoile encore plus le charme de ses compositions. L'album live obtiendra la quinzième place dans le classement des cent plus grands albums de rock d'Amérique Latine (tandis que "Cancion Animal" sera tout simplement deuxième !). Malheureusement, ce sera aussi le dernier, le groupe décidant de se séparer, au grand dam de tous les millions de fans du groupe.
Gustavo Cerati, affecté par cette décision, tente de se justifier malgré tout, dans une note parue sur le magasine "Yes" : "Ces lignes sont motivés par ce que j'ai vu récemment dans les rues, par les fans qui m'ont approché, par ma propre expérience. Je partage la tristesse qu'on a pu causé avec notre séparation. Moi-même, je suis navré car quelque part, les choses les plus importantes dans ma vie, je le dois à Soda Stereo. Ceci dit, tout le monde comprendra qu'il est impossible de mener un groupe sans que surviennent des conflits. C'est un fragile équilibre parmi les idées que peu de gens sont capables de maintenir pendant près de quinze ans. Mais, fatalement, les différentes personnalités, les divergences musicales ont commencé à compromettre cet équilibre. A ce moment-là, l'excuse de vouloir fonder d'autres groupes ou de faire des projets en solo nait de l'envie de ne pas vouloir s'affronter. Et au final pour préserver ce en quoi nous croyons et pour montrer notre respect envers tout nos fans qui nous ont suivis si longtemps."
Ces mots, aussi sincères soient-ils, n'auront pourtant jamais suffi à apaiser l'immense chagrin de tout ceux qui ont admiré Soda Stereo, pour leur liberté, pour leurs hymnes éternels, pour les révolutions qu'ils ont menés et surtout pour leur musique.
Inoubliable et inégalable.

Soda Stereo : Dynamo

2011-09-04T21:59:00.004+01:00

Dynamo de Soda Stereo

Indispensable !

Sortie : 1992
Produit par Daniel Melero
Label : Sony

Selon Gustavo Cerati, le leader de Soda Stereo, le but de cet album était de « prendre Cancíon Animal et de le détruire ». Alors que le groupe venait de signer son plus gros succès avec son album précédent, vendu à des millions d’exemplaires en Amérique du Sud, le groupe argentin aurait pu continuer sur sa lancée. Au lieu de ça, il préféra expérimenter. Cerati l’explique : « c’est comme si on avait plongé Cancíon Animal sous l’eau. ». Les fans furent pas mal surpris par ce revirement mais le résultat, marqué par la nouvelle vague sonique dans le pays, avec Juana la Loca ou Martes Menda, fut inespéré, dépassant toutes les attentes et faisant rentrer le groupe dans la légende !
D’emblée, avec « Sequencia Inicial », on tombe sur un son énorme, ampoulé, flottant et magique, rappellant Kitchens of Distinction, qui sert un chant tout autant avenant que allégé, atteignant une sorte de plénitude, comme si le groupe s’élevait et se détachait pour flirter avec les sommets.
L’écriture semble fluide, animée d’un entrain inouï, tout en accordant de l’espace pour l’expérimentation. Personne n’avait entendu un tel son à l’époque ! Non seulement le style reste punchy, frondeur et irrésistible, mais il conjugue une technique plus proche de la rupture, plus compacte et plus électrique. « Toma la ruta » fait la part belle à des guitares vives et saturées, pour un mur du son énorme, soutenu par un rythme artificiel et qui prend les devants. Le refrain, lumineux, sidère par son assurance, ses « aaaaaaaah » provocateur et charmeur, et ses guitares vigoureuses. On sent que le groupe prend des risques mais c’est comme si cela avait décuplé leur force.
Le son s’est épaissi, le rythme est plus basé sur The Charlatans, les guitares sur My Bloody Valentine, les nappes de claviers font corps avec l’ensemble, le chant se fait plus enjôleur, comme sur l’extraordinaire « En Remolinos ». Ce morceau est la quintessence de Soda Stereo nouvelle version : des tourbillons de guitares, une batterie compliquée, un nuage de saturation, un clavier astronomique, et une cadence chaloupée, moite et tranquille. Superbe.
Et alors que l’on croyait avoir assisté à une succession de tubes inégalables, voilà qu’arrive « Primavera O », son riff écrasant, qui bouscule tout sur son passage, son clavier entêtant, et cette force de percussion qui laisse pantois n’importe quel auditeur qui entendrait dette chanson par hasard, surtout au moment du refrain, surprenant exemple de pop fédératrice, mordante, menée par des garçons qui pourraient conquérir le monde s’ils le voulaient. On n’oublie pas un tel titre ! Il devient dès l’instant où on a entendu ces guitares magnifiques, un de ces cartons qu’on a envie de réécouter encore et encore ! Un de ceux qui marque une génération. En Argentine, alors que le groupe est déjà une référence, Dynamo le propulse dans une autre dimension.
C’est vrai que le groupe était au sommet de la gloire et qu’il aurait pu se reposer sur ses acquis. Au lieu de ça, il propose « Cameléon », bizarroïde, avec son intro de l’espace, son rythme très dansant, ses samples qui font penser à la bande-son de Madchester, sa nonchalance, son sens de la fête, son saxo impromptu, son solo de guitare, ses explosions. Ou encore « Nuestra Fé », tout bonnement inouï, tant il s’acoquine dangereusement avec l’expérimental. Jamais Cerati n’avait chanté comme ça ! Avec une voix mielleuse, presque aiguë. Basé sur un rythme totalement artificiel, ralentissant la cadence pour un groove moite et hypnotique, ce titre surprenant se laisse délicieusement envahir par des samples, des claviers d’un monde féérique, des chœurs black, des saturations shoegaze qui semblent venir de très loin, des guitares aiguisées et tranchantes comme l’acier, qui se lancent dans des dialogues alambiqués pendant de longues minutes.
L’album est un chef d’œuvre notamment pour sa richesse. Il n'y a pas une seule chanson qui ne possède pas sa petite trouvaille, son petit plus, sa nouveauté dans l’instrumentalisation. Tout d'abord, on est sidéré par ce son si compact, ce mur du son époustouflant et remarquablement travaillé. On remarque aussi une grande capacité d’adaptation, une inventivité, une curiosité assumée devant le rock indépendant de l’époque (à l’image de sa pochette d’ailleurs). Le résultat est inespéré, par exemple avec l’extraordinaire « Luna Roja », une des plus belles chansons jamais écrites, qui laisse des frissons pour longtemps, grâce à une guitare irréelle, tant elle sonne de manière parfaite, un chant savoureux, délicat et suave, qui s’élève dans les nuages, un romantisme exacerbé, soutenu par des guitares étouffantes et saturées, venant offrir une discordance magnifique avec l’angélisme de la voix. « Luna Roja » impressionne tellement ce titre est au dessus du lot.
Soda Stereo explose les frontières, se nourrit des modes et rentre de plein pied dans le renouvellement musical, adoptant une posture en rupture avec ce qu’on peut attendre d’un groupe signé sur une major.
De manière époustouflante, la surproduction, cette surcharge dans le style, ce petit côté boursouflé par rapport à des chansons qui se veulent mesurées et dandinées, font merveilles et subjuguent. Comme sur « Ameba », noyé sous les saturations, traversé par des riffs électriques, interrompu par un passage groovy et industriel, ou sur « Texturas », fédérateur et immédiat, Soda Stereo sait malgré tout rester sexy, charmeur et fédérateur, avec son chant tantôt trafiqué et nerveux, tantôt doux.
Progressivement, de manière insidieuse, l’album va se déliter, proposer des morceaux plus étendus, plus tranquilles, comme s’il fondait. Comme la fin de « Clarusco », sa disto qui se prolonge, pour mieux introduire le très beau « Fué », son caractère sexy et moite, son saxo discret, son effet jazzy, son impression de flottement et son recouvrement qui arrive petit à petit.
Un disque d’une stupéfiante cohérence, où on ne compte plus le nombre de tubes en puissance. Certains groupes, et même encore aujourd’hui ne sont jamais arrivés à un dixième de la qualité des chansons de Soda Stereo, ni même à prendre de quelconques risques, tandis que le groupe a cherché à innover.
Dynamo représente à merveille le son des années 90, tout en ne vieillissant jamais, faisant ainsi de Soda Stereo, un groupe historique en Argentine.

Brincando de Deus : Spleen (vidéo)

2011-08-31T21:21:00.002+01:00

La plupart des gens pensent à tord que le mouvement shoegazing n'a existé qu'en Angleterre au début des années 90. Ce groupe brésilien démontre le contraire en étant une des formations phares de la scène indépendante locale.
A noter également que ce clip "fait maison" fut réalisé par les musiciens eux-mêmes et leurs amis !

Fiche artiste de Brincando de Deus

2011-08-31T21:18:00.002+01:00

Brincando de Deus

Il n’y aurait certainement pas eu de scène alternative au Brésil, s’il n’y avait pas eu Brincando de Deus, tant ce groupe a fait figure de pionnier.
Formé en 1992 à Bahia, le groupe est un des premiers à chercher autre chose, s’imprégner des influences anglaises et américaines, faire parler les guitares, oublier les rythmes latins et chanter en anglais. Toute une flopée de groupes prendra le même chemin.
Eux sont influencés par le shoegazing et cela s’entend avec un premier album retentissant, sorti en 1995, accompagné d’un single sur le micro-label Quiditty Records. Ils feront tout pour rester indépendant, n’hésitant pas d’ailleurs à créer leur propre label, Self Records, à filmer eux-mêmes leur vidéo-clip, à faire tous les festivals plutôt que des concerts, voire même à organiser leur propre festival (BoomBahia). Ils seront même les premiers au Brésil à posséder leur site internet !
Le groupe est surtout celui de Messias, qui assure le chant, la guitare et l’écriture. C’est à Salvador qu’il s’entoure de Cezar Vieira à la guitare, Dalmo Serravalle à la basse et Ruy Serravalle à la batterie. Ces quatre hommes, de par leur démarche artistique, auront été les moteurs de la scène indépendante brésilienne.
Deux albums ensuite, « Running live on your mind : the official bootleg » en 1997 et un album éponyme en 2001. Depuis, plus beaucoup d’activités, sans savoir si le groupe s’est séparé ou non.

Brincando de Deus : Better when you love (me)

2011-08-31T21:14:00.002+01:00

Better when you love (me) de Brincando de Deus

Sortie : 1995
Produit par Brincando de Deus
Label : Self Records

Peu de gens savent que le Brésil a connu, au milieu des années 90 une importante scène indépendante, emprunte de grunge, de noise et de shoegaze, affiliée à de nombreux festivals et aidée par les émissions locales de MTV. Parmi les sorties, remarquées de part les influences anglo-saxonnes et la rupture avec la musique traditionnelle (jusqu’à chanter en anglais d’ailleurs), on distingue cet album, Better when you love (me), considéré souvent comme une référence.
Essentiellement calqué sur le shoegaze, les chansons du groupe de Sao Paolo cherchent avant tout à signer de belles mélodies. Ce qui portera ses fruits puisque un titre comme « Tweedlegum » sera érigé au Brésil comme un tube. En tout cas, les chansons sont l’inscription directe et sans intermédiaires de la fougue de ces jeunes. Les membres de Bricando de Deus cherchent avant tout à se démarquer des traditions brésiliennes, probablement jugées trop oppressantes. Et même si certains titres restent très classiques dans leur forme (« De Profundis » ou « So strange » sont de pures déflagrations, ni plus, ni moins), on ne peut s’empêcher de penser qu’ils sont le reflet d’une sorte de rébellion artistique, naïve et étudiante avant tout. C’est un peu comme une fatalité. Il paraissait normal pour cette génération de vouloir refaire et pasticher ses idoles, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Ride, en tête. Au-delà du simple exercice de style, on décèle une volonté fondamentale pour se construire en tant que musiciens, de se détacher de ce qui a été fait avant ou de ce que le courant mainstream attend d’eux. Quelque part, c’est déjà une façon de dire « non ».
Fort heureusement, cet album ne se limite pas à un copié-collé du style shoegaze, car parmi la play-list, on tombe de temps en temps sur de véritables perles, des miracles, des inédits inventifs et charmeurs. Ça démarre d’ailleurs très fort avec l’intro très bizarre et sa basse indus de « Spleen », avant l’entrée de guitares saturées, sûres d’elles-mêmes et tranchantes, et son chant élancé, aérien et vaporeux. Et ça finit superbement avec « Why don’t you kill yourself on your birthday », long, lent et romantique.
De tels titres témoignent de tout le talent de ces jeunes, qui en voulant se rebeller et flirter avec le rock anglo-saxons, en profitèrent pour faire jaillir des éclats de grâce.
Sur « Christmas falls on a Sunday » (on notera au passage que le groupe a le chic pour choisir ses titres), on tombe sur une guitare sèche superbe, satinée de guitares magiques qui rappellent Kitchens of Distinction, un tonnerre de saturation et un accent dans la voix inimitable qu’on ne croyait entendre que chez le groupe allemand Green Hill. Et que dire de « My Butterfly dived in wine » ? Sans conteste le morceau le plus étonnant, le plus atypique, mais aussi le plus beau. Le rythme est difficilement reconnaissable, on dirait du dub, du trip-hop, de toute façon recouvert de bourdonnement et de distos magiques. Le morceau alterne des chants purement fantomatiques et absents, avec des passages plus mordants mais parlés, d’une voix grave, presque gothique, accompagnée d’une guitare acoustique, absolument subjuguant.
Better when you love me cache en son sein des trouvailles superbes qui mettent une instrumentalisation simple à une place inespérée, au-delà des conditions d’enregistrement, dans un monde féérique où plus rien n’a de référence, si ce n’est la grâce, la beauté saturée de guitares et l’irréel.

Fiche artiste de Sunbear

2011-08-26T21:48:00.002+01:00

Sunbear

Formé à Dublin en 1993, Sunbear est un jeune groupe composé de quatre musiciens, affilié à la scène irlandaise, avec In Motion, Mexican Pets ou The Idiots. Grâce aux nombreux bars et au label Dead Elvis qui venait juste de se monter, le groupe, qui aurait pu passer tout son temps à jouer des les pubs, a eu la chance d'enregistrer un premier album dès l'année suivante, puis un EP en 1996.
Et ce qui est étonnant à l'écoute de ces essais, c'est que malgré une production économe, on obtient des chansons osant explorer d'autres horizons, teintées de quelques touches expérimentales ou de quelques références à d'autres styles, pour un shoegaze particulièrement rafraîchissant.
Martin Kelly (guitare et chant), Paul Kelly (guitare), Colin Morris (basse) et Patrick Moran (batterie) composent Sunbear. Issu des bars et de la jeunesse de Dublin, ils n'ont jamais connu la chance, n'ont jamais pu s'expatrier comme l'ont fait tant d'autres avant eux, et sont restés confidentiels, même lorsqu'ils ont réédité leurs albums, agrémentés d'autres morceaux enregistrés vers la fin des années 90. Cela ne les a pas empêché de proposer leur propre vision du shoegaze. De prendre juste les quelques risques suffisant pour se forger leur identité.

Sunbear : S/t

2011-08-26T18:04:00.002+01:00

Sunbear

Sortie : 1994
Produit par Marc Carollan
Label : Dead Elvis

Enregistré dans un studio pour seulement quelques centaines de livres, par une bande de gamins fasciné par Pale Saints et qui jusqu’alors n’avait fait guère autre chose que d’écumer les bars de Dublin, ce premier album éponyme est malgré tout un miracle de fraîcheur, d’apaisement et de trouvailles.
A en croire le merveilleux « Notebook », qui commence l’album, reposé, travaillé, avec un superbe rythme souple et élastique ou encore des guitares aquatiques, on réalise une volonté de la part de ces jeunes de surprendre, de se chercher leur propre style, de trouver le petit truc qui va les détacher. Les guitares furieuses de « Resign » ou « Sleepy feeling » donnent une couleur très américaine, en tout cas renforcent un tourbillon qui n’hésite pas à s’interrompre pour mieux reprendre. Ce côté dur, un peu foutraque, on le note aussi sur « Things to do », vibrant et énergique. Sunbear se revendique ouvertement de ses influences shoegaze, voire même noise/hardcore comme certains autres groupes irlandais (Pet Lamb, Wormhole, et d’ailleurs les hurlements de l’obscur « Flave » seront comme une sorte de clin d’oeil), les saturations seront particulièrement mises en valeur sur certains morceaux, le chant s’échinera à rester doux, mais grâce à l’apport de leur producteur Marc Carollan, ils réussiront à dépasser cette condition et à y mettre une part de magie toute particulière.
Par exemple, en incluant des guitares sèches, pour de sublimes morceaux romantiques, où les voix, dédoublements de chœurs et mélodies ouatées feront merveilles (« Flutterbye ») ou encore en transformant les guitares en longs chants de baleines plaintifs (« Songs for saying goodbye »).
On aurait pu s’attendre à des morceaux sans prise de risque, juste brouillons, histoire de mettre en boite l’ambiance déchainée et juvénile des concerts. Ce ne sera pas le cas. En fait Sunbear osera même quelques expérimentations : « Center Page » est ainsi très étrange, constitué de nappes magiques et d’enregistrements radios brouillées, comme venus de l’espace.
« Something to dream of » est une véritable merveille : débutant par des mélodies cristallines à la guitare, soutenue par un rythme à la batterie imposant, une basse géniale puis écrasé par des saturations inopinées et tremblotantes, ce morceau démontre tout l’étendu du talent de ces quatre jeunes irlandais. Alternant instant de rêve puis imposante furia sonore, il sidère et ensorcèle. Dire que Sunbear n’a jamais obtenu de succès au-delà des bars qu’il fréquentait ! La scène de Dublin, à laquelle il participait, est restée malheureusement trop confidentielle, et c’est une vraie chance inespérée que de pouvoir un jour tombé sur les violons déchirant de ce « Something to dream of », petite touche finale inattendue mais adorable.
Et c’est cela qu’il y a de miraculeux avec ce premier album, c’est qu’on aura beau le débusquer parmi une scène confidentielle de Dublin, il contiendra toujours pas mal de surprises.

Sunbear : Bits and pieces EP

2011-08-21T18:50:00.003+01:00

Bits and pieces EP de Sunbear

Sortie : 1996
Produit par Joe Chester
Label : Dead Elvis

Si Sunbear, avec un très bon premier album, était un groupe culte, splendide pillier de bar dans les rues de Dublin, les quelques chansons de cet EP vont plus loin. Elles démontrent une volonté de ne pas de cantonner à un seul style, le shoegaze en l'occurence.
Les guitares saturées et lourdes déboulent toujours après des petites coupures plus acoustiques, cependant on sent des tendances à lorgner du côté du rock indépendant américain, probablement une attirance trop irresistibles pour ces jeunes garçons curieux avant tout de nouveaux sons. Une manière pour eux de s'évader des quartiers populaires et tristes de Dublin, trop souvent délaissés en matière de musique.
Capables de s'extasier à l'idée de faire la première partie de Sebadoh, on comprend alors pourquoi on retrouve ce style si particulier sur "Bits", folk crasseux et déglingué, qui s'était ouvert sur une intro expérimentale, piano fatigué, violon désacordé, vieille boite à musique (certainement fabriquée avec des clous et une lame de rasoir), et qui se termine sur des guitares saturées merveilleuses. Mais en plus de Sebadoh ou Pavement, Sunbear inclue à son shoegaze d'autres influences, comme Sunny Day Real Estate, son côté émotif, à fleur de peau et ses surenchères de guitares et de cassures de rythmes, qui a lancé les bases de l'emo. C'est sur "Leadbelt", superbe morceau, qu'on va noter cette marque. A l'inverse, "Each of their town", presque une antithèse, se fait plus calme, presque hâché, minimaliste, puisque ne subistent plus qu'une voix blasée et usée, et un piano. Sur ce titre mélancolique et depressif, on devine cette fois-ci des allusions à Swell ou Codeine, chantres du sadcore.
Ce n'est presque plus du shoegaze à ce niveau-là, effacé par une recherche de l'émotion, et dont les vestiges sont à retrouver sur "Seeing Stars", plus classique dans sa forme, avec cette alternance de guitares élégiaques et de guitares lourdes, ces voix légères, qui se dédoublent lors du refrain, et ses magnifiques déferlantes tremblotantes.
On remarque bien que sur cet EP, le groupe irlandais entame une démarche d'ouverture. L'annonce est alléchante car on connait les quatre garçons ouverts à d'autres styles, mais ne sera jamais concrétisé, puisque le groupe observera un hiatus de quatre ans, avant un autre EP, puis une séparation définitive. Dommage car il aurait été interessant de voir vers quoi tout cela menait.

Old Magic Pallas : Stargazer (vidéo)

2011-07-19T09:10:00.003+01:00

Un clip tout droit venu des nineties (l'époque où MTV diffusait encore du rock indé), d'un groupe peu connu et issu du Brésil indépendant, facette encore moins connue. Pourtant c'est une vraie merveille ! Un pur délice et une des chansons les plus représentatives du genre shoegaze. Peut-être est-ce du aux images tourbillonnantes, aux fleurs et aux lunettes façon Beatles, aux taches lumineuses sur la pellicules, au gros plan sur les manches de guitare, ou tout simplement à l'extraordinnaire aura de la chanteuse Chris Munin, qui dès qu'elle apparait sur l'écran, illumine le monde.

Fiche artiste de Old Magic Pallas

2011-07-19T08:56:00.004+01:00

Old Magic Pallas

Chris Munin est une grande rouquine, à la chevelure de feu, au charisme fou, presque gothique, et elle émerge de ce groupe de façon éblouissante.
Même si 2008 a connu le retour de cette formation brésilienne, son existence n'aura été pourtant que trop brève. A tel point d'ailleurs, qu'ils n'ont jamais eu le temps d'enregistrer d'album. Le premier devait paraître en 1998 mais ils se sont séparés cette année-là, durant les sessions.
Old Magic Pallas s'est formé à Sao Paulo, comme bon nombres de groupes indépendant de cette époque, autour des personnes de Fernando Brido (guitare), Marco Viana (basse), Osmar Buono (guitare), Marcelo Shida (batterie) et bien sûr Chris Munin (chant). Passionnés tout autant de My Bloody Valentine, Pale Saints, Ride, ils arrivent à trouver un petit studio en 1994 pour se rassembler et publier une démo de six titres. C'est ce qui arrive à les faire remarquer : "Stargazer", leur tube à eux, sera converti en vidéo-clip, tourné avec peu de moyens mais reprenant tous les codes styllistiques du shoegazing pour une chanson de toute beauté. Elle aura le droit à des diffusions sur le MTV local, au cours de l'émission Lado B. Mais après ça, rien de supplémentaire.

Old Magic Pallas : Pull my Daisy EP

2011-07-18T16:29:00.001+01:00

Pull my Daisy EP de Old Magic Pallas

Sortie : 1995
Produit par Old Magic Pallas
Label : Artifact Records

Le groupe de Sao Paulo n’aura sorti au final qu’une démo, puisqu’il a splité l’année de l’enregistrement du premier album. Pour connaître le style de Old Magic Pallas, hormis deux inédits sur une compilation, il faut donc se rabattre sur ce petit recueil de six titres à peine.
Cette cassette est assez inégale, irréguliere, alternant des morceaux calmes et psychédéliques (on dit le groupe très influencé par Love, ce qui est un peu vrai) et d’autres plus rêveurs et magnifiés. Le langoureux « Daydreaming », dont les chants légers et fantomatiques se voient noyés par des dentelles de distorsions, succède ainsi à « Jane », sorte de bossa-nova calme et insouciante.
La voix de Chris Munin est un vrai délice, chaude, ouatée et magnifique, elle donne grâce à leur musique, que ce soit sur un folk fatigué (« Raindrops ») ou un assaut transcendant, basé sur des rythmes dansants, répétitifs, des boucles arabisantes et des saturations (le très court « Twiggy », presque inachevé).
De ce maigre recueil (on ne peut que regretter amèrement que le groupe n’ait jamais pu prolonger leur carrière), il subsiste tout de même une vraie merveille, un titre incroyable, un bout d’éternité, prélevé par magie et enregistré à jamais sur une bande magnétique. Le petit riff du début de « Stargazer », indolent, cool, simple mais terriblement addictif, provoque aussitôt l’adhésion et l’attachement. Et lorsque la voix divine de Chris Munin tombe, on plie ! Notamment lorsqu’elle se dédouble, se gorge de chœurs d’anges, et qu’on a l’impression d’écouter les litanies de muses ou de nymphes légèrement pernicieuses et indolentes. C’est ce détachement, cette voix à la fois douce et grave, qui fait tout le charme du morceau, surtout si cette fausse paresse luxueuse est traversé d’une déferlante de saturations réverbérées.

Blindside : Endless EP

2011-07-10T19:01:00.001+01:00

Endless EP de Blindside

Sortie : 1992
Produit par Nick Batterham
Label : Summershine

Ce qui rend Blindside si attachant, c’est leur volonté de vivoter dans un monde merveilleux qui les dépasse allègrement. On sent dans leur musique chevrotante, une grande fragilité, et ce malgré le mur du son imposant qu’ils ont su constituer. C’est que avec leurs guitares électriques et sans autre moyen (pas de claviers, pas de violons, pas de mirifiques artifices), le groupe de Nick Batterhan essaye malgré tout de construire un édifice majestueux, gorgé de lyrisme, d’importance et de majesté. Et c’est avec autant de maladresse effrénée que de volonté farouche que cette musique touche au céleste, approche une gravité sans égale, très précieuse et apprêtée. Trébuchant, sans être tout à fait sûr d’eux, les musiciens se lancent malgré tout vers les sommets, et Nick Batterhan gonfle la voix, la charge de théâtralité, de douceur et de suavité, sans se prémunir d’un manque de justesse absolument irrésistible. Les saturations partent dans tous les sens, comme les coups de batteries, on sent une tension intégrée à chacune des chansons, comme si cet amoncèlement de saturations annonçait quelque chose d’imminent, quelque chose d’extrêmement fondamental et se parait alors d’un romantisme surréaliste. Un romantisme bafouillant, encore mal dégrossi et emporté par l’élan, un élan juvénile, naïf mais excisé de toute malveillance.
Blindside devient alors un groupe précieux pour qui on ne peut s’empêcher d’éprouver beaucoup de tendresse. Ce tout premier EP (et sa pochette sublime), encore fougueux et tâtonnant, annonce en tout cas un désir de s’immerger dans un univers qui n’existe pas, en forçant le ton, en n’hésitant pas à en faire trop, en faisant preuve de gaucheries et en se lançant dans un mur du son incroyablement discordant avec les propos solennels et séraphiques.

Fiche artiste de Belreve

2011-07-09T10:44:00.002+01:00

Belreve

Il n'y a que Mike Schulman pour dénicher des groupes comme Belreve. Sans doute était-il ami avec eux car comment expliquer qu'il ait réussi à les dénicher après un split avec Guided by Voices et deux chansons sur Anyway Records, dont une sur une compilation en 1993 ?
Plus connu pour être le guitariste attitré du groupe garage punk New Bomb Truks (culte dans son pays), Matt Reber avait monté un autre groupe, avec Jenny à la batterie et Liz à la basse, appelé Belreve, qui lui servait de récréation.
Passant le plus clair de son temps dans les salles de l'Ohio (trou paumé s'il en est), le groupe semble particulièrement amateur, mais réussit à dégager tout de même une énergie dégageant douceur et force en même temps.
Ressemblant énormément à ce que faisaient également The Swirlies ou Henry's Dress, le patron du label Slumberland, Mike Schulman les signe pour sortir un single en 1994, à la pochette psychédélique tout en bleu. Mais ce sera tout pour le groupe, Matt Reber étant obligé de se consacrer à sa formation initiale.
Au total, sept chansons uniquement ! Ce qui est très peu. Mais ce qui est aussi suffisant pour que l'ami Mike Schulman se rappelle au bon souvenir et publie un recueil en 1995.

Belreve : S/T

2011-07-07T21:54:00.002+01:00

Belreve

Sortie : 1995
Produit par Matt Reber
Label : Slumberland

Ah ! Les disques du label Slumberland ! On les reconnait immédiatement. A l’écoute de ce son garage, on sent la pate du label. C’est du shoegaze qui dépote, qui crache, enregistré avec les moyens du bord, et proche d’être miséreux, plus influencé par Guided by Voices finalement, ce qui n’est pas un hasard, vu qu’ils ont fait un split ensemble. On ne s’y trompe pas lorsqu’on entend le riff plombé et lourd de « The sulk king », sa voix trafiquée façon lo-fi et son sens de la mélodie spontané et frénétique.
C’est qu’au total, Belreve n’aura pas produit beaucoup de chansons : un single sur Anyway, un autre sur Slumberland, un titre live, des chansons sur des compilations et puis c’est tout ! Mais Slumberland a eu la bonne idée de toutes les regrouper sur un mini-album adorable de sincérité et d’esprit indie.
Le mélange entre l’insouciance du courant C-86 et le je-m’en-foutisme du style américain aboutit à des titres savoureux, piquant, remplis de guitares mal dégrossis comme « Ron », ou le très rock n’roll « Walk ». L’enregistrement est de si mauvaise qualité que les saturations grésillent sur le vinyle et que les voix (qui ne font guère d’effort, il faut le reconnaître) n’arrivent pas à se faire entendre, comme sur l’irrésistible « The sky is falling », titre shoegaze comme on en faisait qu’à cette époque et que sur ce label.
Avec le très prenant « Look out » (un vrai tube), il y a donc beaucoup de saturations, comme des fritures sur la ligne, comme si le mixeur avait oublié de faire son travail en post-production, mais aussi beaucoup de morgue, du détachement, ce qui en fait un titre superbe, notamment avec ce passage ralenti, plus évanescent, très calme et léger, à tomber à la renverse.
Le groupe de Matt Reber correspond tout à fait au style de Slumberland Records : pas mal de bruits, peu d’effort pour soigner le son et le rendre clair, un amour pour les mélodies mais aucune volonté d’adoucir les guitares pour autant, pas de compromission et beaucoup de naïveté, du culot et un peu de flemmardise aussi.

Fiche artiste de Snapper

2011-07-07T15:30:00.003+01:00

Snapper

La scène indie de Nouvelle-Zélande, qui a prévalu dans les années 80-90, est en réalité une grande famille : l'exemple qu'en réalité un mouvement musical se révèle l'occasion pour tous ces musiciens d'échanger, de se prêter main forte et de lancer divers projets avec les uns et les autres, en fonction des affinités.
Parmi les nombreuses figures qui ont fait la légende du label Flying Nun (qui hébergeait tous ces groupes), on ne peut oublier Peter Gutteridge. Tout d'abord parce qu'il a été un des premiers membres de The Clean, en tant que bassiste, avec les frères Hamish et David Kilgour, qu'il avait connu au lycée, puis qu'il les a aidé à monter leur nouveau groupe, The Great Unwashed. Ensuite parce qu'il a aussi été invité à jouer avec The Chills, autre formation tutélaire.
Avec Snapper, il revisite le shoegaze, le No-Wave et le kautrock pour des attaques soniques qui ne passèrent pas inaperçues, surtout avec leur premier EP en 1989, qui contient le titre "Buddy" (petit hymne dans le microcosme du monde indie).
C'est sur les cendres de son groupe Phromes qu'il monte Snapper et c'est donc logique qu'on y retrouve aussi Christine Voice pour l'orgue, Alan Haig pour la batterie et Dominic Stones pour la guitare. Sous cette line-up, deux albums sortiront, d'abord en vinyle sur Avalanche Records (qui n'avait guère les moyens de permettre un autre support) puis réédités grâce à Flying Nun. Vers la fin, le groupe ressemble plus à un projet solo de Peter Gutteridge et les autres font alors figure d'invités.

Snapper : Shotgun Blossom

2011-06-28T10:43:00.002+01:00

Shotgun Blossom de Snapper

Sortie : 1990
Produit par Brent McLachlan
Label : Avalanche Records

Fiers, déterminés et un peu provocateurs, les gars de Snapper taillent dans le vif et ne passent pas par quatre chemins : pirouettes électriques, saturations à tous les étages, répétitions de riffs jusqu'à hypnose complète, martèlement musical à la batterie ou au clavier, ambiance envoûtante, le tout pour un déluge sonore et instrumental à donner le tournis.
Pourtant bien campés sur leur position, les quatre têtes brûlées font vriller les esprits et font décoller l’auditeur avec un son qui dérape vite, tourbillonne parfois et vire à l’acharnement noisy, avec une certaine teinte de krautrock. Impossible de décrocher tant on est sous le charme. Ce sont pourtant les mêmes accords qui se répètent, qui se répètent, qui se répètent, mais le pouvoir d'attraction est aussi infaillible qu'un aimant. Le psychédélisme se dote d’une teinte indus assez déconcertante.
Le son est extrêmement saturé, mais par-dessus ces nappes hypnotiques, se dresse une ambiance de transe, moderne, numérique et diablement punk. Et c'est vrai que Snapper se positionne en digne assaillant, avec ses boucles de guitares et ses claviers cheap, ses chants détachés qu’on entend à peine sous ce déluge étourdissant. L’orgue est omniprésente, ajoutant à l’effet aliénant des boucles électrifiantes.
Une succession de déflagration en règle, supersonique, très court et sans détour, électrique et tendu, martial presque, le tout avec nonchalance et détachement.

Fiche artiste de The Lavender Faction

2011-06-27T17:54:00.003+01:00

The Lavender Faction

La légende veut que ce soit le premier single de The Lavender Faction qui ait donné son nom à Ride. Mais tout est parti d’une mauvaise blague.
Comme le raconte Geoff Suggett : « Cette fausse rumeur provient d’un type sans scrupule qui voulait se promouvoir, c'est-à-dire moi, après une furieuse prise d’acides, dans la chambre de Stephen Maughan. J’étais en train de raconter mon voyage à Oxford où j’avais rencontré quatre gars qui étaient dans un groupe, et qui avaient vu notre concert et écouté notre single, avaient décidés de s’appeler « Ride ». Comme Stephen était encore stone, il m’a cru sur parole et l’a écrit plus tard dans son fanzine. ».
Il n’empêche que le fanzine de Stephen Maughan n’était autre que le célèbre This Almighty Pop ! qui a énormément fait pour promouvoir l’indie pop au début des années 90. En plus de son propre groupe (Bulldozer Crash), il a permis à pas mal de petits groupes de se faire un nom. D’ailleurs, Geoff et lui étant très amis, c’est lui qui les a présentés à Steve Woosh. Sans s’en rendre compte, The Lavender Faction allait prendre part à la scène shoegaze de Newcastle, très active et très représentative du rock indépendant, ne subsistant que grâce aux concerts dans les pubs, les flexidiscs ou les fanzines comme This Almighty Pop !

Et si pour de nombreuses personnes, cette scène est aujourd’hui oubliée, elle n’en demeure pas moins un authentique exemple de l’esprit festif qui régnait là-bas, du moins dans les bars et clubs, comme le Woosh Club, bastion indie et shoegaze. D’autant que pour la plupart, aucun des groupes ne se rendait compte qu’il contribuait à faire émerger un nouveau mouvement, le shoegaze, très peu en vogue et loin d’être connu encore. « Pour être honnête, avoue Goeff, je n’étais pas au courant d’une telle salle comme le Woosh Club, seul le fanzine était en vente chez mon disquaire préféré de Newcastle, « Volume Records ». Mais j’en ai jamais acheté un exemplaire. Puis j’ai eu la chance de rencontrer Stephen Maughan qui a parlé de nous à Steve Woosh et lui a même envoyé une démo. Steve a apprécié nos chansons et s’est présenté à un de nos concerts. Cette nuit-là, il nous a demandé si on voulait bien enregistrer le premier single de son nouveau label « Lust Recordings ». Peu de temps après, le « Woosh Club » est devenu le « Lust Club », où on est devenu vite des réguliers, soit pour jouer, soit pour voir des groupes comme Feral, St James Infirmary, The Keatons, The Sunflowers.»

Goeff Suggett (voix et guitar), Tony Pickering (guitare), Andy Lee (basse) et Marc Patterson (qui a vite remplacé Jeff Macallum à la batterie), qui pourtant se sont rencontrés sur un coup de tête, ont fini par devenir les têtes de file du mythique catalogue Lust Records : avec à son actif, de nombreux singles, « In my mind », « Four riff for Joe » (dédié à leur roadie, du même nom) ou le fameux « Ride », des splits avec The Gravy Train ou St James Infirmary, et bien sûr de nombreux lives dans les bars bondés de Newcastle, voire même des sessions chez John Peel. « Mon souvenir des enregistrements, confie Geoff, c’est que c’était à la fois une partie de rigolade, et aussi une sacrée douleur dans le cul. Bien que le groupe fonctionnait plutôt de manière démocratique, les décisions finales finissaient toujours pas incomber à Tony ou à moi, surtout au sujet de l’importance d’un instrument, mais en général, ça se passait bien, et entendre une chanson qu’on avait nous même produite, passer chez John Peel, est une des choses les plus cool qu’il soit ».
Seulement, les sollicitations vont devenir de plus en plus grandes, loin des premiers soubresauts, jusqu’à phagocyter leur motivation : « on a tourné énormément, notamment avec Swervedriver, The Weeding Present, Buffalo Tom, il fallait répondre aux appels des magasines et des fanzines, mais Tony n’avait pas assez d’estomac pour encaisser tout ça, et on a fini par se séparer. »
Fin de l’histoire brutale (pas d’album enregistré tout de même !) pour ce groupe essentiel, qui aura lancé le shoegaze de manière confidentielle, dans l’intimité des bars de Newcastle, en compagnie de Feral et Aspidistra, et entre deux pintes de bières.

Interview de Geoff Suggett pour Cloudberry.

Fiche artiste de Los Planetas

2011-06-26T18:00:00.003+01:00

Los Planetas

Groupe originaire de Grenade, essentiel à la scène indépendante espagnole.
Révélée avec le EP Medusa, la formation fait partie de la nouvelle éclosion alternative du célèbre label Elefant Records. Dans un style très noisy, Juan Rodríguez et Florent Muñoz (qui s’étaient rencontrés à la fac) se rapprochent donc d’autres groupes du même label, comme Penelope Trip, Bach is Dead, Le Mans, El Regalo de Silvia, Usura. La scène indie espagnole commence à naître, ce qui se traduit par des influences anglo-saxonnes, allant de Pavement à Sonic Youth, en passant par My Bloody Valentine. Elle deviendra passionnante et regorgera de groupes tous plus passionnant les uns que les autres, dont Los Planetas, qui se placera en tête de file, à grand coup de démos et de concerts.
C’est donc en pleine effervescence que Los Planetas deviendra le premier groupe à signer sur une major. Son premier album en 1994 reste ancré dans la tradition shoegaze, malgré des mélodies plus évidentes, et s’octroie de très bonnes critiques, faisant de Los Planetas un groupe important dans son pays. Son tube « Que puedo hacer ? » passera en boucle sur Radio 3 qui aura beaucoup fait pour promouvoir la scène.
Par la suite, et au cours d’innombrables albums, le son sera davantage coulant et facile d’accès, avant que le style n’inclue d’autres influences comme la power pop ou le flamenco.

Los Planetas : Medusa EP

2011-06-26T15:44:00.002+01:00

Medusa EP de Los Planetas

Sortie : 1992
Produit par Antonio Arias
Label : Elefant

Jouant à un volume sonore élevé, enchaînant les titres savoureux, mélange brouillon de power-pop et de shoegaze, et s'essoufflant à gratter furieusement leurs guitares, ces jeunes musiciens espagnols communiquent leur envie et leur spontanéité.
Ce tout premier EP, époque Elefant Records, est l'occasion de s'émerveiller devant le défilé incroyable de chansons imparables, toutes assez courtes et balancées avec une ferveur décoiffante, toutes distorsions dehors. En témoigne « Pegado a ti ». Les mid-tempo sont aussi de la partie pour des sommets de grâce saturée et de romantisme dulcifiée, comme le superbe « Cada vez ».
Sans emphase, ni artifice, la pop de Los Planetas, grâce à une simplicité qui force le respect, a su traverser les âges. Les mélodies accrocheuses laissent pantois (plus particulièrement « El centro de cerebro ») et on comprend aisément ce qui faisait d'eux les chouchous de la scène espagnole, à l'époque où des groupes indépendants, jeunes et rebelles sortaient à la pelle, tous aussi excellents les uns que les autres.
Les riffs sont bruyants, lourds, mais n’empêchent pas, surtout pas, le déploiement de mélodies très insouciantes, un poil guimauve par moment, toujours addictives cependant. Un ronflement primaire et juvénile qui se fait la bande-son de toute une jeunesse à chemise à carreaux et aux cheveux longs.

Los Planetas : Super 8

2011-06-24T17:44:00.003+01:00

Super 8 de Los Planetas

Sortie : 1994
Produit par Fino Oyonarte
Label : RCA - BMG

La pop doit rester simple. Et Los Planetas démontre que l’on peut faire de la pop simplement mais posséder aussi une immense crédibilité. Présenté comme énergique mais comme intensément romantique également, le groupe espagnol prône l’insouciance, l’amour de la musique et l’authenticité.
Ce premier opus déborde de titres accrocheurs, aux superbes riffs vibrant, saturés et excellents, aux mélodies qui rentrent vite dans la tête pour ne plus en sortir et aux harmonies vocales légères et à l’accent latin savoureux. Le retour au basique apporte beaucoup de fraîcheur, de l’énergie et de la tendresse. Pas moins de dix chansons pour dix tubes en puissance.
C’est de la pop sans prétention, toutes guitares dehors, d’ailleurs tellement saturées que ça en vrille les oreilles, mais que c’est bon ! C’est du shoegaze doux, sucré, simple, accessible et absolument pas renfermé sur lui-même, bien au contraire. Comment pouvoir se lasser de titres aussi naturellement renversant que « De Viaje » ? Tantôt power-pop comme sur « Qué puedo hacer ? » ou « Jesús » (quel refrain ! quelle énergie !), tantôt romantique comme sur « Rey Sombra », Los Planetas n’oublie jamais d’aller à l’essentiel et de se débarrasser de tout superflu pour ne retenir qu’un son rond, chatoyant et réconfortant. C’est à ne pas comprendre pourquoi l’aura de ce groupe n’a pas dépassé son pays. Leur musique possède tout pour plaire au plus grand nombre. Et c’est l’exemple type de musique vive et fédératrice, mélodieuse et facile, qu’on en revient à regretter d’autant plus les diffusions insipides et commerciales des radios.
Dommage qu’un tel album n’ait pas le droit à plus d’égard, d’autant qu’il possède comme il se doit de magnifiques ballades shoegaze, « 10.000 » ou « Estos últimio días », langoureuses, graciles, remplies de nappes de voix douces sur plusieurs niveaux, avec un fond saturé et grondant. Le style de Los Planetas est innocent, pur et renversant. Les textes en espagnol semblent convenir parfaitement au style aérien du shoegaze. Il ne faut pas gâcher son plaisir avec quelque chose d’aussi énergique et entraînant. Les guitares se déchainent dans les distorsions et il serait dommage de passer à côté ! Surtout sur des chansons comme « La caja del diablo », une vraie montée en puissance, qui démarre avec des voix noyées sous les guitares et un mid-tempo, avant de se terminer de manière jouissive sur une décharge électrique.
A l’écoute, on ressort de là persuadé qu’il n’y a rien de plus beau que la musique, et que, à elle seule, elle peut tout surmonter et tout dépasser.

Historique de la scène de Dublin

2011-06-15T13:42:00.014+01:00

Irish fighting spirit

Difficile d’émerger lorsqu’on vient de Dublin : tout le monde n’a pas la chance de pouvoir un jour enregistrer au fameux Windmill Lane Studio (celui de U2 entre autres…) et pour s’inscrire dans la scène alternative, il n’y a guère d’autres solutions que d’aller s’exiler ailleurs. C’est ce que firent par exemple les groupes shoegaze Rollerskate Skinny (où figure le frère de Kevin Shield) et Whipping Boy pour avoir une chance d’être reconnu par des labels basés à Londres, place davantage exposée.
Pourtant ce déficit d’image n’empêcha pas la ville irlandaise d’héberger dans les années 90 une scène locale très bouillonnante et passionnante. Bien-sûr aucun des groupes qui en faisaient partie n’ont connu ne serait-ce que le dixième du succès des Cranberries. Mais cela n’empêcha pas cette scène de faire vivre Dublin et de montrer qu’un mouvement indépendant pouvait aussi être naître là-bas. C’est ainsi qu’une flopée de groupes, pratiquant soit du noise, soit du shoegaze, allait prendre d’assaut une flopée de bars, qu’une flopée de fanzines allait en parler et qu’une flopée de singles, de démos et de split allaient circuler dans la ville, pour le plus grand plaisir des amateurs de rock. Le tout dans un esprit bon enfant, parfois un peu moins (ça se battait souvent dans les bars !). La légende allait petit à petit se former autour de Mexican Pets, The Idiots, Luggage, In Motion, Pet Lamb, Sunbear, Wormhole, et tant d’autres…

Ce qu’il faut savoir, c’est que les choses étaient loin d’être gagnés. Pour peu qu’on soit un groupe de rock indépendant, qu’on souhaite sonner noisy et avoir une attitude Do-It-Yourself, difficile de se faire connaître et de trouver un support pour se diffuser. Et ça, certains groupes l’avaient bien compris en allant s’établir à Londres. Mais cela n’a pas été un frein pour d’autres, désireux de faire coute que coute la musique qui leur plaisait, peu importe qu’ils soient complètement fauchés.
Avant leur premier concert en 1990 chez McGonagles, les trois amis d’enfance qu’étaient Liam Ryan, Alan Kelly et John Duff (plus tard avec Mexican Pets) tentaient tant bien que mal de maîtriser leurs manches de guitares dans un hangar de Crumlin. Par la suite, cette première prestation, pleine de culot, permit au trio qui allait devenir In Motion, superbe groupe shoegaze irlandais, de se produire au Rock Garden, Trinity, The Attics ou encore Fox and the Pheasant.
De même, c’est à force de répéter dans un local d’entrepôt loué 2£ la journée que les membres de Wormhole, tous fans de Fugazi, décident de sauter le pas et de jouer en live. Mais leur guitariste ne se sent pas à la hauteur. Il sera remplacé par Graham Blackmore, le jeune frère d’un de leurs compagnons. Leur premier concert, au Baggot Inn en juin 1992, dont ils firent eux-mêmes la promotion, ne leur rapporta quasiment rien, juste de quoi être défrayés ! Mais ils ne se découragèrent pas et, tout en consolidant leur songwriting, ils établissent des contacts dans tout Dublin. Pourtant Graham n’avait 16 ans au moment du concert et les jumeaux Dave Caroll (batterie) et Anthony Caroll (basse), que 22 ans. A défaut de grandes salles de concert, ils arrivent à se produire dans de multiples pubs dans la ville, comme The Attic, Fox and the Pheasant ou The Earl Gratten, en premières parties de groupes locaux.

C’était une période euphorique, grâce à l’énergie des concerts, souvent chaotiques d’ailleurs. Toutes les semaines, les irlandais pouvaient avoir l’assurance de voir se produire leurs groupes préférées dans ces petites salles, devenus mythiques mais désormais fermées. Les soirées là-bas étaient l'occasion de voir les groupes locaux sur scène, tout en s'assurant des places pas chers et des bières bon marchés. L'ambiance devenait vite électrique et se finissait parfois en bagarre générale ! Mais il n'y aurait pas eu de scène indé à Dublin s'il n'y avait pas eu tous ces pubs. The Idiots, The Vains (le groupe de Eric Scott), In Motion, Unease, et bien d’autres encore, se sont tous produits là-bas, s’assurant les uns, les autres de faire les premières parties. Les prestations plutôt surchauffés contribuèrent à leur réputation et le bouche à oreille, ainsi que les fanzines, contribuèrent très vite au buzz. Le style était lourd, cathartique, proche du noise hardcore (comme avec les excellents Mexican Pets), en tout cas saturée (comme avec In Motion) et en tout cas, quoiqu’il arrive, monté avec trois fois rien. Pas besoin d’être pro de la guitare pour posséder son propre son. De nombreux dilettantes du rock ont eu envie alors de s’immerger à leur tour dans cette scène, qui a progressivement grossis et contribué à faire vivre les quartiers populaires de Dublin, d’habitude délaissés.
Ce qui a démarré comme une vague fumisterie a fini par donner lieu à l’émergence de groupes talentueux. Martin Kelly (le chanteur du groupe shoegaze Sunbear) raconte ainsi leur début : « C’est en 1993 qu’on a fait notre premier concert où on a joué deux chansons seulement, devant un public clairsemé. Les paroles n’étaient pas vraiment un problème parce que je n’ai jamais vu la nécessité d’en écrire des tonnes durant une chanson, mais par contre les chanter était une autre paire de manche ! Je ne voulais pas être un chanteur mais on s’est rendu compte que j’étais le seul apte à ce rôle. Et j’ai tâché de glisser mes meuglements quelque part au milieu des distorsions de guitares.
La seule raison qui nous ait vraiment poussés à fonder un groupe fut le désir de jouer de la musique saturée. Comment on avait les oreilles branchées sur My Bloody Valentine, Sonic Youth, Dinosaur Jr, Swervedriver, Pale Saints, parmi tant d’autres, on était vraiment influencés par eux et on était aussi impressionné par tous ces groupes qui jouaient dans le même style qu’eux chaque semaine à Dublin (In Motion, The Idiots, Luggage, The Mexican Pets, Pet Lamb). Après un moment, on était vraiment fier de pouvoir partager cette scène avec eux.
On a également souvent partagé l’affiche avec Whipping Boy et les parieurs auraient pu se faire un max de frics en devinant pour qui on faisait la première partie. »
La tendance à vouloir mettre le volume des amplis à fond assure une ambiance bordélique dans les salles, ce que l’alcool ne contribue pas à apaiser. L’esprit était proche de l’amateurisme. Et cela augurait de souvenirs mémorables, lieux de rendez-vous pour tous les amateurs de rock de la ville.
« Quelqu’un a dit une fois qu’ils nous aimaient bien parce qu’on était imprévisible, se rappelle Martin Kelly, les choses pouvaient dégénérer puis ressembler à un état de grâce l’instant d’après. Je ne suis même pas sûr qu’on appréciait cela, vu qu’on n’était jamais content de nos prestations et j’ai plus souvenirs de mes divagations d’alcooliques ! ». Mais ces groupes réussissaient à canaliser ce chaos apparent pour n’en garder que les bons côtés. Même si les chansons pouvaient se voir rallongées par quelques improvisations et autres distorsions, elles conservaient leur sens de la mélodie accrocheuse et fédératrice. Pour citer un exemple, les membres de Wormhole étaient si concernés à l’idée de jouer bien, qu’à la moindre faute s’échappait quantité d’insultes, lorsque ce n’était pas le matériel qui était cassé. Ils finirent par acquérir une réputation plus pour leurs frasques que pour leur musique. Et ils étaient en train de se créer une base de fans, sans s’en rendre compte. Il faut dire aussi que les prix des places n’étaient pas très chers non plus, ceci expliquant sans doute cela.

De manière Do-It-Yourself, la scène s’organise et les groupes s’arrangent entre eux pour sortir leurs singles et produire des cassettes, faute d’autres moyens. Ainsi le seul enregistrement du groupe The Idiots est en réalité une démo ! C’est donc avec une qualité peu adéquate qu’on découvre ce mélange unique de noise made in Amphetamine Reptile Records et de shoegaze. Et il arrive souvent que les joueurs eux-mêmes se muent en producteur, pour filer un coup de pouce aux amis. Il faut ensuite s’exiler ailleurs pour trouver un studio pas trop cher.
La première publication de In Motion fut enregistrée par Dylan Philips, du groupe Pet Lamb. Il s’agit d’un split de cinq titres avec Pet Lamb, Ciunas et Wheel, intitulé « A statement is a weapon on an empty hand » et paru en 1992. Il représente avec le recul comme le premier acte fédérateur de la scène de Dublin. Un autre single sort l’année suivante sur un label basé à Cork.
S’en suit une série incroyable de concerts avec Mexican Pets, Pet Lamb, Luggage, Sunbear, The Idiots.
Mais cela entraîne malgré tout beaucoup de galères et la situation reste précaire pour tous ces groupes. Il est temps de monter à Dublin un label indépendant digne de ce nom. Une structure proche de cette scène qui se chargera de capter toute cette effervescence rapidement et sans se ruiner, en gardant cet esprit Do-It-Yourself. Ce sera chose faite avec le légendaire label Dead Elvis.

Depuis le début de 1993, le groupe Wormhole était tout le temps en train de parler avec Eammon Doyle qu’ils avaient impressionné lorsqu’ils avaient joué pour le club qu’il tenait au Fibber Magge’s. Le club s’appelait « Crush » et il était logé dans un bâtiment qui devait à la base être une résidence. La location était peu chère car située dans un quartier populaire de Dublin. Le bureau de Eammon avait ainsi une vue imprenable sur les bagarres de rues à la fermeture des bars ! Il était en train de monter un label qui plus tard allait devenir Dead Elvis, et Wormholes devait être la première signature. Eammon Doyle, Og Crudden et Marc Carolan étaient les autres personnes derrière le label à l’époque. En avril 1994, ils commencèrent alors à enregistrer ce qui devait n’être qu’initialement un EP mais comme les choses se passaient très bien, ils rajoutèrent des chansons. Le studio Fuse, au 147 Parnell Street, était en train de se construire encore lorsqu’ils enregistraient ! Malgré tout la location n’excéda pas sept jours. C’était la première fois qu’ils travaillaient avec Marc Carolan. Plus tard, il allait devenir célèbre et tourner partout dans le monde.
« Chicks dig scars » sortit en mai 1994 sur le label Dead Elvis uniquement en CD pour la somme de 5£. Ce fut une révolution puisque Dead Elvis avait découvert une presse de CD-ROM appelée Sonopress qui finalement servi à produire des albums de musique. Le pas avait été désormais franchi et il n’y eu plus de réticences de la part des différents groupes de faire appel à eux, ce qui permit à la musique en Irlande de connaître un boom. Quelque part cet album de Wormhole était un peu spécial pour avoir été le premier. Colin, du groupe Sunbear, se rappelle son étonnement à l’époque : « lorsqu’on a appris que Wormhole sortait un album, on était tous surpris. Non pas que Wormhole n’était pas suffisament bon pour avoir le droit à un album, mais personne de cette envergure à Dublin n’avait réussi une telle performance ! En plus, cet album a été un CD ! Sortir un album en CD appartenait avant à des groupes avec un plus gros budget. D’habitude, on tentait de faire la promotion de nos démos sur cassettes »

Eammon Doyle, qui trainait pas mal dans les bars à l’époque, approche un autre groupe, In Motion, pour leur proposer de faire eux-aussi leur premier album. « The langage of everyday life » fut ainsi enregistré dans les studios Fuse, toujours sous la houlette de Marc Carolan, qui contribua énormément au son shoegaze du groupe. L’album est élégant et magnifié. Il contribua à la scène de Dublin d’avoir une certaine crédibilité. Pourtant l’album fut enregistré par des jeunes amateurs : selon Steve Rennicks, un éditeur de fanzine de l’époque, qui accompagna le groupe The Vains dans les studios de Fuse, témoigne « que tout le matériel n’était pas encore livré, les travaux dans le studio allaient être fini seulement en 1994 et Marc Carolan n’avait qu’une vingtaine d’année à l’époque ! ».
L’émergence de Dead Elvis permet à d’autres groupes d’avoir leurs chances. Après Wormhole et In Motion, ce fut au tour de Sunbear, un autre groupe shoegaze, d’aller jouer dans les studios de Parnell Street, devenu un véritable camp de base pour la scène de Dublin. Martin Kelly explique les conditions de l’époque : « On avait seulement 200 £ avec nous (ce qui représentait tout de même une sacrée somme vu les boulots de merde qu’on enchainait Moss et moi !) et on les a dépensé pour une semaine de studio et mille copies de notre album. Je pense qu’on a tenté d’être le moins conventionnel possible et de mettre beaucoup d’émotions dans ce qu’on faisait. On a vraiment pris ça au sérieux.
Marc Carolan a été super avec nous ! On s’est investi à fond et il nous a aidé à bien le vivre. On voulait une tonne de fuzz et de distorsions sur certaines chansons, et plus de mélodies claires hérité de la dream-pop pour d’autres, et je pense que c’est ce qu’on a obtenu. Toutes les influences shoegaze sont là, mais j’espère qu’on a su garder notre originalité. « Resin » et « Things to do » sont clairement typés indie mais on aimait essayer d’autres genres de musique, et je pense que « Centre Page » résume assez cette idée. La voie trafiquée par l’ordinateur sonne bien même si tout le monde pense qu’on a piqué l’astuce à Radiohead ». Colin Morris, le bassiste du groupe, évoque lui aussi ses souvenirs de l’enregistrement : « Og Crudden nous a proposé son aide pour nous produire. Avec Dead Elvis, ils avaient déjà un studio, connu pour avoir sorti l’album de Wormhole et In Motion, et déjà un producteur, alors avant qu’on ait le temps de se rendre compte de quoi que ce soit, on était dans un studio pour 50£ la journée. Une table de mixage Soundcraft, une 8-pistes et Dieu sait quelle sorte de micros, furent nos seuls outils, mais on s’en est sortis quand même ! Marc était vraiment doué et très inventif. Par exemple, la voix trafiquée à la « Stephen Hawkins » sur Centre Page fut enregistré un an avant que Radiohead fasse la même chose avec Fitter/Happier sur OK Computer. On était donc en avance sur notre temps si on peut dire ! »

Ce qu’il faut retenir de toute cette effervescence, les concerts dans les petites salles de Dublin, cet esprit de débrouille et l’éclosion de Dead Elvis, c’est que ce mouvement ressemblait plus à une grande famille. The Idiots est ainsi un projet parallèle du chanteur Brian Mooney (de Pet Lamb) et James Eadie, le claviériste du groupe, appartenait également à Luggage, formation atypique, mélange de punk à la Wire et de glam à la Pulp, avec Rachel Tighe, ex-Into Paradise, une formation irlandaise culte, qui pratiquait une musique froide héritée de The Chameleons. Son chanteur, Dave Long, a ensuite fondé Supernaut. Et des groupes comme Whipping Boy, qui se sont établis à Londres, sont souvent retournés à Dublin pour partager les affiches. Wormhole signe sur le label Roadrunner, encouragé par Pet Lamb qui venait de faire de même auparavant. Lorsque Mexican Pets n’a plus de batteur, c’est John Duff de In Motion qui le remplace. Eammon Crudden, le patron du label Dead Elvis, s’occupait de faire les clips vidéos, et malgré les mauvaises qualités, il réussit à les faire diffuser sur Irish TV, au sein de l’émission No Disco. Cette émission de musique devint très vite le support de cette scène, à force de diffuser les clips de Pet Lamb, Mexican Pets ou In Motion. Des extraits live passaient également, comme ceux de Wormhole en 1993 ou The Idiots en 1995.

Malheureusement, les sirènes commerciales ont eu tôt fait de briser l’élan et de tuer cette scène à petit feu. De plus gros labels, désireux de se faire de l’argent ou de se redorer une image, ont commencé à vouloir attiré dans leur filet quelques groupes locaux, ce qui s’est révélé fatal.
C’est ce qui arriva pour Wormhole. Après de multiples tournées, notamment en Angleterre, leur label Roadrunner exige un deuxième album. Steve Rennicks, fan du groupe, explique que la session se révéla une plaie, éreintante pour tout le monde, et fut certainement l’effort de trop, à cause de la pression du label de se dépêcher de boucler l’album. En plus, l’enregistrement avait lieu aux Etats-Unis, ce qui obligea le groupe de changer de noms pour des problèmes de droit. Au final, l’album est brouillon, comme un premier jet, et renvoie au manque d’égard du label. Pourtant « Parijuana » marque une réelle évolution dans le style du groupe, une vraie qualité dans l’écriture, d’autant plus méritante que réalisée dans des conditions misérables, à cause du petit budget alloué par Roadrunner. Comble de malchance, le label rejette les démos envoyées et abandonne le groupe, tout comme ils abandonnent également Pet Lamb ! Heureusement, en 1996, un vieil ami du groupe, Shane O’Reilly leur explique qu’il compte monter un label et leur demande s’ils ne voudraient pas sortir un album. Ils retournent alors en studio, pour trois jours, et aboutissent à un nouvel album, « Scorpio », nouvelle expérience, et nouvel engouement.
Plus tard, « Parijuana » sera finalement réédité, mais ce n’est qu’un trompe-l’œil puisque les membres du groupe, voyant que guère personne ne s’intéresse plus à eux, décident de se séparer.

Car un autre facteur est aussi à prendre en compte : l’essoufflement naturel de la scène. A la fin des années 90, le rock indépendant est passé de mode, les nombreux bars qui autrefois faisaient le plein, mettent successivement la clé sous la porte, le label Dead Elvis s’éteint en 1999, faute de quoi être rentable.
Comme le raconte Patrick Morgan, le batteur du groupe Sunbear : « Probablement à notre grand dam, d’autres influences travaillaient dans l’ombre, et « l’industrie musicale » est venue frapper à notre porte. A l’époque auto-produire son album, même si c’est ce qu’on avait fait pour notre premier, n’était plus vraiment à la mode. Je pense qu’on est tombé inévitablement dans le piège de la signature de contrat, des labels etc… On a finalement passé un accord avec Enclave, un label américain qui était tombé sur nos démos. En vérité, on trouvait ces chansons en deçà de ce qu’on a pu faire par la suite. Mais peu de temps après, le label faisait faillite. Le groupe a malgré tout continué, mais les concerts nous ont éparpillés, puis l’âge et la fatigue nous ont rattrapé, alors on s’est séparé. »
C’est fatal mais c’est comme ça. Et aujourd’hui, Dublin est à nouveau tombé dans l’indifférence, sans que personne ne se doute qu’il n’y a pas si longtemps, existaient des groupes locaux, amoureux du bruit, qui faisaient du punk, du hardcore ou du shoegaze, dans un pur esprit indépendant comme on aimerait en voir plus souvent !

Sources :

- Dead Elvis Archive

-Indiecater Records

- Irish Music Webside

- Biographie de Wormhole

Fiche artiste de Suárez

2011-06-15T12:23:00.003+01:00

Suárez

Le groupe argentin de pop expérimentale est celui de Rosario Bléfari. Cette femme touche-à-tout est considérée dans son pays comme une référence culturelle dans le milieu indépendant.
Tout d'abord, avec sa formation, qui comprend en plus Fabio Suárez, Marcelo Zanelli, Gonzalo Córdoba et Diego Fosser, elle prendra une part active à la scène "La Movida Sonica", notamment en proposant deux titres sur la célèbre compilation "Ruido" en 1993, après des débuts dans les bars de San Telmo (un quartier de Buenos Aires), puis en sortant un premier album proche du shoegaze et du Lo-Fi.
Par la suite, Rosario Bléfari sera reconnue et respectée pour pousser encore plus loin son côté aventureux : les deux albums suivant de Suárez seront largement expérimentaux, tout comme ses efforts en solo.
Mais cette icône, avant-gardiste et géniale, est aussi écrivain, poète et actrice ! Elle joue ainsi dans des téléfilms et films argentins, notamment sous la direction de María Luisa Bemberg, connue pour ses engagements féministes. Divers recueils de poèmes et des pièces de théâtre sortent sous son nom dans les années 2000, contribuant à enrichir et à apporter une touche féminine à la scène culturelle indépendante d'Argentine.

Suárez : Hora de no ver

2011-06-14T21:51:00.003+01:00

Hora de no ver de Suárez

Sortie : 1994
Produit par Suárez
Label : FAN Discos

Dès ce premier album, Rosario Bléfari, leader de Suarez, affiche son style : elle joue de manière complètement décontractée, déconstruit ses morceaux avec beaucoup de fraîcheur et possède surtout un sens inouï pour la mélodie. Sans oublier une voix hors du commun, beaucoup de douceur et un grain sapide très particulier.
On sent que les conditions d’enregistrements ont relevé de l’amateurisme mais ces chansons plaisent de par leur caractère tarabiscoté, distordu, expérimental parfois. Les membres de Suárez s’amusent comme des enfants (« Nuestro amigo asiático »), passent au mixeur une jolie mélodie (« Susme »), improvisnte et triturent leurs guitares (le xylophone a vraiment mais vraiment beaucoup de mal à s’imposer face au capharnaüm qu’est « El ídolo »), reprennent divers styles (le final « Sonido Cotopaxi » est volontairement plus lent, plus langoureux, répète la même mélodie, se fond progressivement sous les bourdonnements), fabriquent avec trois fois rien de vraies tubes en puissance, ou bien nous surprennent vraiment (la chanson cachée est un folk bancal, presque fantomatique, avec quelques airs de dub et de trip-hop).
Entre punk déjanté, shoegaze lo-fi et rock façon bout de ficelle, Suarez s’est constitué un style inimitable. Certaines chansons, montées à l’économie de moyens, sont pourtant d’une puissance évocatrice ébouriffante, comme « Mañana » qui débute comme une chanson romantique, presque fleur bleu, et se finit dans un acharnement sonore et un défouloir de distorsions à casser les tympans. Ou encore « Morirían », superbe ballade à la guitare sèche, avec la voix de Rosario Bléfari, qui fait des ravages, mielleuse mais parfois rugissante, ou encore ses traversées de guitares saturées qui peuvent dérailler à tout instant.
Avec son groupe et sa spontanéité attachante, Rosario Bléfari devient dès lors une icône en Argentine.

Fiche artiste de The Sigh

2011-06-13T15:54:00.003+01:00

The Sigh

The Sigh est un petit groupe français, inconnu et complètement oublié à l'heure actuelle, dont il n'existe aucunes autres informations sur Internet. Il faut se référer à la jaquette, de leur seul et unique EP, sorti en 1993, pour apprendre que le groupe vient de L'Isle-Jourdain, dans le Gers, qu'il a participé à la scène indé en France, avec notamment Roméo Suspect ou The Waning Poets, dont ils étaient proches, mais sans jamais réussir à sortir de l'ombre.

La formation rassemble Sylvie Fratus (chant), Jean-Luc Damiot (guitare et chant), Eric Lamézas (basse) et Renaud Gindre (batterie).

Leur EP, intitulé "Winsomeness" a été enregistré au studio Music Manne à Balma, ville située près de Toulouse, en août 1993. Il est la preuve que le shoegaze a existé en France à l'époque des années 1990 et qu'il coïncide avec la naissance du rock indé, des festivals et des salles de concerts. Et les chansons sont de belles surprises qu'il faut sauver de l'abandon !

Cependant, il ne faut pas chercher plus, c'est tout ce que l'on peut savoir d'eux...

The Sigh : Winsomeness EP

2011-06-13T15:51:00.002+01:00

Winsomeness EP de The Sigh

Sortie : 1993
Produit par Jean Rigaud
Label : Jdle

Encore un EP inconnu signé d’un groupe inconnu (à ce point inconnu d’ailleurs qu’il n’existe quasiment plus aucune trace d’eux, même sur le net !).
Dans le shoegaze, c’est un cas banal, à plus forte raison lorsqu’il s’agit d’un groupe français, mais cela souligne terriblement le mépris accordé à ce genre. De ce fait, il est courant de croire que ce mouvement n’a jamais pris en France ! Pourtant, le rock indépendant était bien présent et ce petit bijou en atteste !
En effet, The Sigh n’est pas le premier nom qui vient à l’esprit lorsqu’on veut citer des références françaises, ce qui ne les a pas empêchés pourtant d’écrire quelques chansons (exclusivement chantées en anglais) qui dépassent allégrement celles que d’autres plus célèbres ont pu sortir au cours de toute leur carrière.
Une basse d’enfer, une batterie martelante, quelques guitares fantômes, puis un super riff magique et une voix (celle de Sylvie Fratus) d’une tendresse absolue, avec un léger accent. On est déjà happé par ce premier titre « Winsomeness » et on se dit : « non, ça ne peut pas être comme tout le temps ». Mais dès la lourdeur grunge et un riff génial à la Boo Radleys de « Slightly Different » , probablement un des meilleurs titres shoegaze jamais écrit, on succombe. Cet EP, bien court lorsqu’on y pense, vu la qualité, regorge de finesse. Les chansons n’en font jamais trop, se contentant de ternir avec des légères saturations, une pop enchanteresse et quelque peu désabusée. Mythique, «Slightly Different » finit par se couper, une petite guitare sèche s’installe puis c’est cette voix qui rentre, absolument ravissante et divine, et on se pâme devant cette chanteuse qu’on ne connait ni d’Eve, ni d’Adam, et dont on ne sait même pas si elle a bien pu exister. Le refrain, qui se contente en fait de n’être que des vocalises angéliques, des « aaaaaaaaaaaaaaaaah » éblouissant, élève la majesté du titre, malgré la pesanteur des instruments. La voix détachée à la Neil Hastead viendra se joindre à elles, pour conférer une autre saveur, plus triste, que d’ailleurs la conclusion à la guitare sèche, comme une ballade folk tragique, viendra confirmer.
Le groupe tranchait probablement trop avec le rock français, de part ses références trop prononcées avec ce qu’il se passait Outre-Manche (on pense à Blind Mr Jones, Ride, Pale Saints ou The Charlottes), comme par exemple avec «A garden in your eyes » , dont l’intro frétille, au tempo très langoureux, aux arpèges célestes, ce ton lyrique et emprunté, avant une prise de contrôle du chant par et une accélération qui ressemble à un emballement soudain.
Ceci explique sans doute pourquoi ce groupe n’a pas marché, pas plus d’ailleurs que ses comparses qui s’adonnaient dans le même style : l’égocentrisme français n’a pas permis d’avoir l’esprit suffisament ouvert aux découvertes. Pourtant le style de The Sigh demeure simple, accessible et sans fausse note. Par exemple, avec « Skygazer » (qui ressemble presque à un hommage au genre plus qu’à une chanson personnelle), on va retrouver toute une contenance, dans le chant comme dans les saturations, avant de s’échapper le temps d’une escapade sertie de guitare sèche et d’un riff majestueux et rêveur.
Avec de l’économie et beaucoup de modestie, The Sigh arrive malgré tout à toucher à la magie.

Fiche artiste de Aspidistra

2011-06-07T16:01:00.005+01:00

Aspidistra

David McLaughlin, le patron autodidacte de Fluff (micro-label de Leicester qui a signé entre autres, Hood et Boyracer à leurs débuts) dit à propos d'eux : "Aspidistra est arrivé de Perth, en Ecosse. Ils aimaient faire la fête et étaient plutôt cool. Je ne sais pas ce qu'ils sont devenus ensuite".
Cette formule, interchangeable, ne renseigne pas énormément, tant elle pourrait au final s'appliquer à tellement d'autres. A tel point qu'on pourrait en faire la définition du groupe typique anglais, jeune, fringuant, arrivé là un peu par hasard, désireux d'avoir des bières gratuites en échange de quelques coups de grattes, et qui parvient malgré tout à signer quelques fulgurances.
Car des fulgurances, Aspidistra aura eu l'occasion d'en signer quelques unes, sur le label Fluff donc, véritable entreprise Do-It-Yourself, extension de fanzines et entretenu quasiment à main nue par le seul David McLaughlin, mais aussi sur le label Lust Recording, juste avant, en 1990 (déjà !).
A l'époque où le shoegaze n'était pas encore un mot de journaliste, une époque où Ride n'allait pas tarder à sortir son tout premier single, une époque où il était encore très bien vu de faire cracher des saturations à tout bout de champs. Aspidistra participera donc à la scène de Newcastle, même s'il en est pas originaire, en compagnie de Feral, The Lavender Faction ou Mr Peculiar.
Et comme le dit si bien David McLaughlin, on ne sait rien de ce qu'il leur est advenu après ces quelques singles. Ce qui est le lot de nombreux groupes anglais.

Aspidistra : Sunrise EP

2011-06-07T13:40:00.004+01:00

Sunrise EP de Aspidistra

Sortie : 1990
Produit par Aspidistra
Label : Lust Recording

Du shoegaze joué par des fous furieux, ça donne comme résultat un vrai tourbillon. Le rythme est tellement emporté et le son si crasseux qu’on a l’impression que les musiciens eux-mêmes perdent la main sur la déferlante qu’ils ont lancés, à grand coup de saturations et de tempo effréné.
Le chant a beau essayer de rester laconique et doucereux, ce sont les écorchures des saturations et le grain dépouillé de la production qui filent le tournis : « Stunned » n’est qu’un amalgame de crépitations quasiment informe et bourdonnant. Pourtant la mélodie reste délicieusement typée indie pop. Et les guitares s’envolent loin.
Cela replonge instantanément à l’époque des débuts brouillons du mouvement shoegaze, notamment à Newcastle, avec Feral ou The Lavender Faction. Lorsque tous ces groupes, pour se faire voir, sortaient uniquement leurs singles en vinyles ou en flexi-discs, et qu’ils écumaient les bars, faute de moyens. On sent dans ce single la naïveté de la production et la fougue de secouer, tant pis pour les approximations ou les à côtés sonores (« Ignite » est court, vif, relâché mais écorche les oreilles).
Si les membres d’Aspidistra cherchent avant tout à signer la pop-song parfaite sans se poser plus de questions que ça, sans soigner le rendu, ni chercher à adoucir le volume des guitares, on se retrouve avec des saturations crispantes et une batterie massacrée. Et le propre du shoegaze est d’arriver à extraire de ce marasme coquin et juvénile, LA mélodie céleste, celle qui envoute et remporte tous les suffrages. La guitare mirifique du splendide « Happy Sunday Stories » flirte avec les étoiles, avant qu’un tonnerre de saturations lui tombe dessus. Et c’est cette ambivalence étrange entre l’acharnement électrique et l’allégresse angélique qui rend ces chansons primesautières superbes.
C’est un premier essai, et ça s’entend, ce qui n’empêche pas le groupe d’avoir signé un hymne shoegaze, symbole de la première vague anglaise, avant même que le shoegaze ne soit vraiment connu (nous sommes en 1990, rappelons-le), et encore, est-ce que le shoegaze a réellement un jour été connu ? Ainsi « Sunrise », avec son rythme tressautant et ce chant en retrait discordant avec ce déversement de guitares quasi-intarissable n’usurpe en rien son titre de petit bijou.

Fiche artiste de The Sunflowers

2011-06-06T08:04:00.004+01:00

The Sunflowers

A l'actif de ce groupe quasi-inconnu originaire de Tynemouth en Angleterre, une poignée de singles et quelques splits. Et rien de plus !
Le quatuor est pourtant un exemple typique des groupes indépendant à l'aube des années 90, s'exerçant dans un shoegaze léger et frondeur. Participant tout d'abord à la scène de Newcastle, The Sunflowers écume les bars, notamment le célèbre Broken Doll, pub du centre ville aujourd'hui disparu. D'ailleurs, le groupe sort sur le label Woosh un split EP avec St James Infirmary (formation de la scène de Newcastle avec The Lavender Faction par exemple ou Feral) où figure la chanson "Bubble Bus".
Par la suite, The Sunflowers migre jusqu'à Londres, et plus précisément le quartier de Camden, poursuivant son défilé de salles de concert. Un split EP avec un autre groupe shoegaze affilié à la scène de Camden, à savoir Smashing Orange, sera enregistré en 1992. Cette activité, loin des projecteurs, sera tout de même reconnue dans le milieu indépendant, puisque le label très obscur et très peu connu Clawfist leur proposera de sortir deux singles, en 1991. Ce label aura pris une part très active dans le mouvement Camden Lush, avec entre autres Gallon Drunk, Breed, Mambo Taxi, Leatherface, God, Terminal Cheesecake ou encore The Family Cat.
The Sunflowers aura donc cotoyé tout le microcosme du rock indépendant et underground anglais. Malheureusement cette collaboration sera de courte durée puisqu'ensuite The Sunflowers disparaîtra de la circulation.

Aspidistra : Grip EP

2011-06-05T18:30:00.003+01:00

Grip EP de Aspidistra

Sortie : 1991
Produit par Aspidistra
Label : Fluff

Le tube oublié de ce groupe oublié, c’est clairement « Grip », une chanson parfaite, qui rend bien compte de ce que représentait le shoegaze au début, sans le lyrisme, sans l’exagération, sans le romantisme outrancier. Trois minutes et quelques de fraîcheur, de dynamisme et d’évasion sonore. On s’émerveille de peu de choses : un chant qui reste en retrait, des caisses frappées à grande vitesse et durement, des guitares surchauffées, un vrombissement assourdissant. Le mélange aboutit à une chanson simplissime mais fabuleuse. Cela semble trois fois rien mais Aspidistra réussit là à dire l’essentiel.
Et Aspidstra rappelle bien justement que le shoegaze, c’est avant tout des guitares, en témoignent les obscures distorsions qui servent d’intro au nom moins obscur « Frances », plus lourd, plus expérimental, plus ténébreux, où la voix douce et cachée se dispute aux guitares, démolissant méchamment toutes constructions sonores.
Un single qui remplit parfaitement son rôle : une chanson efficace, détachée de tout contexte, qu'on écoute juste pour elle-même, avant de s'évanouir et de disparaître dans l'évanescence d'un plaisir furtif.

Aspidistra : Cradle EP

2011-06-05T18:18:00.003+01:00

Cradle EP de Aspidistra

Sortie : 1992
Produit par Martin Howard
Label : Fluff

Dans l’histoire du shoegaze, beaucoup de groupes n’ont jamais eu la possibilité de sortir un album, se contentant d’une poignée de singles, encore imparfaits mais pleins de promesses, sans que jamais l’enthousiasme présent ne puisse aller jusqu’à la concrétisation.
Aspidistra a lancé la vague du shoegaze en son temps, celui de l'obscur label Fluff (qui a sorti les premiers singles de Hood et de Boyracer) et surtout du label Lust Recording (avec entre autres, Mr Keaton, Feral ou The Lavender Faction), ces petites structures, sortes d’extension de fanzines, montées avec peu de moyens et beaucoup de cœur, qui permettront à quelques formations d’avoir leurs chansons juvéniles et crasseuses enregistrées sur vinyle.
Dans le milieu underground à l’aube des années 90, ce ton unique et nouveau, frais et cradingue au possible, se met un peu à l’écart. Peu de gens firent grand cas du shoegaze dans l’ensemble, en tout cas pas le shoegaze des piliers de bars, bruyant et sans prétention. Il fallait dire que ces guitares faisaient un boucan du diable. Ce qui n’empêcha pas les amateurs du genre d’être sidérés par ce son absolument pourri mais jouissif.
Ce single contient tout ce que l'indé peut faire de plus beau, notamment avec « Demand Better Protection » : pas de refrain, pas de couplet, juste des riffs mélodieux, un rythme soutenu, une saturation décoiffant et une richesse sans limite.
L’Histoire oubliera ensuite ce modeste groupe.

Fiche artiste de 1000 Spirales

2011-06-01T21:49:00.005+01:00

1000 Spirales

Yann Savel, connu dans le milieu indépendant français pour ses albums baroques et expérimentaux, a démarré en montant un groupe shoegaze, qui n'existera guère longtemps. Suffisamment en tout cas pour prendre part à la scène de Nantes, active et rafraîchissante.
En compagnie de Marc Cortes (à la basse) et d'Antoine Ripoll (à la batterie), Yann, qui s'occupera du chant, de la guitare et de l'écriture des chansons, inscrira son nom à la longue liste des groupes indépendants de la ville publiés sur la compilation : "Ces chères têtes blondes", publié par le label local Cindie. Entre autres, on y retrouvera Romeo Suspect, Mr de Foursaings, The Drift, mais aussi de nombreux groupes shoegaze français (Les Meubles Oranges, Des Garçons Ordinaires, San July, Lucie Vacarme, Kaleidoscope etc...), bref, en somme, une cassette culte, essentielle dans l'histoire du rock indépendant en France.
On retrouvera par la suite le style brouillé de 1000 Spirales sur un maxi, publié toujours sur Cindie, seulement en 500 exemplaires, tous numérotés, et enregistré au Garage Hermétique, avant de disparaitre définitivement, Yann Savel préférant se consacrer à la musique de film et à ses efforts solo.

1000 Spirales : S/T

2011-06-01T21:15:00.003+01:00

1000 Spirales

Sortie : 1994
Produit par Yann Savel
Label : Cindie

Shoegaze déglingué pour auditeurs dézingués. Avec ce maxi, le trio nantais dérange la bienséance. A croire que c'est de tradition française de ne pas respecter la tradition...
Bien que ça transpire encore l'esprit étudiant et aventureux, un peu casse-coup, un peu expérimental, ça demeure plein de spontanéité. On reste ébahi et décontenancé devant ces assauts rythmiques, ces tourbillons de distorsions qui ressemblent à des lasers de l'espace ou des soucoupes volantes, ce chant complètement foireux, limite faux, prenant toujours le contre-pied et montant dans les aigus ou cherchant les graves toujours de manière contre-indiquée, mais en restant d'une suavité surprenante au regard du déluge de guitares foldingues. Et pourtant, "Tes égarements d'esprit" deviendra leur tube !
On croirait une blague.
Ce maxi fourmille de délires, de distorsions qui partent dans tous les sens, d'un son particulièrement saturé, et de mélodies pop. Derrière ce maxi, apparement fait à l'arrache, on distingue tout de même une vraie volonté de se démarquer, de faire une pop très lettrée et intellectuelle, de massacrer/sublimer la langue française. Cette fantaisie est illustrée avec "Ce chemin parfois", qui oscille entre moment obscur, bancal, un peu étrange où les guitares comme le chant se font célestes et aériens, et assauts débridés menés tambour battant. Pop acidulée, décalée, légèrement crispante et irritante, on s'aperçoit alors de l'effet subversif.
Car avec ce style décadent, cette manie de massacrer le chant, 1000 Spirales peut déconcerter ("Super 8") comme il peut aussi enchanter ("Les Planètes" avec la voix de la délicieuse Joséphine), en étant aussi provoc que talentueux. Rythmique indus, haché par les distorsions, recouvrement noisy au possible, texte poétique sussuré d'une voix extrêmement douce de chérubin, dialogue avec une nymphe lyrique et enflammée : 1000 Spirales possède une réelle originalité dans le monde de la pop française.

Fiche artiste de Babasónicos

2011-05-24T20:09:00.004+01:00

Babasónicos

Groupe culte en son pays, Babasónicos est surtout connu pour son goût prononcé pour le n'importe quoi et le psychédélisme. Véritable touche à tout, la formation argentine s'est essayé au cours de sa longue carrière, à quasiment tous les genres existant : du shoegaze matiné d'un esprit punk et madchester, jusqu'à la pop et les ballades folk, en passant par le metal et le hardcore, il n'y a rien qui n'est pas été fait ou tenté.
C'est l'inclusion progressive du DJ Peggyn qui aura été déterminante (faisant de Babasónicos, le premier groupe rock argentin à posseder un DJ parmi ses membres)puisque grâce à lui, beaucoup de limites seront franchies, et ce, dès "Trance Zomba", en 1994, qui lorgnera volontier sur le rap et le punk. A partir de là, Babasónicos n'aura de cesse de signer des albums surprenant et sortant des sentiers battus, de multiples fois récompensés et se plaçant comme les meilleurs en Argentine. On pense notamment à "Jessico", en 2001, qui les propulse au sommet des charts, ou encore "Mucho" en 2008, qu'il faut absolument écouter. Le groupe a collaboré avec Ian Brown, ex-Stones Roses, tourné avec les plus grands dans toute l'Amérique Latine, accumulé les récompenses et fait les couvertures des plus grands magasines.
On mesure alors tout le chemin parcouru par ce groupe, qui a pourtant démarré comme une gigantesque blague entre potes, un peu allumés, un peu shootés au canabis, qui ne souhaitaient que délirer. C'est malgré tout en plein délire que Adrián “Dárgelos” Rodríguez et Diego “Uma-T” Tuñón ont demandé au frère de Dárgelos, Diego “Uma” Rodríguez, de les rejoindre pour la guitare, afin de créer un style qui sortirait des habituels poncifs argentin. Et c'est presque sans le vouloir que Babasónicos, complété de Diego “Panza” Castellano (à la batterie), Mariano “Roger” Domínguez (à la guitare) et Gabriel “Gabo” Mannelli (à la basse), allait ainsi participer à un mouvement important en Argentine : "El nuevo rock argentina". Vif, électrique et proche de la pop et du shoegaze, voire même du punk, la scène allait rassembler ainsi Juana La Loca, Los Brujos, El Otro Yo, avec qui ils partageront les affiches de concert.
Très vite, après sa formation à Buenos Aires en 1991, le groupe collabore avec Daniel Merelo, célèbre pour avoir produit quasiment toutes les formations de la scène et pour avoir conféré ce son si chargé, ou encore avec Gustavo Cerati, du groupe mythique Soda Stereo. Bien entouré, le groupe signe alors un premier album, brouillon, fou-fou, mais génial, "Pasto", dont les multiples allusions à la drogue firent scandales à l'époque. Le single "D-Generación" allait surprendre son monde, passer en boucle à la radio et devenir vite l'hymne d'une époque.
Ce premier essai, qui était pourtant loin d'annoncer la future carrière immense du groupe, demeure encore aujourd'hui un véritable jalon du genre, une merveille cachée et une pièce incontournable du rock argentin.

Babasónicos : Pasto

2011-05-23T15:40:00.003+01:00

Pasto de Babasónicos

Sortie : 1992
Produit par Daniel Merelo
Label : Epic

Les gentils tarés de Babasónicos livrent un premier album ébouriffant, véritable fourre-tout insaisissable.
Ça part vite dans tous les sens et on y retrouve un mélange de style assez incroyable. De multiples influences, chinés un peu partout, se percutent et s’associent, avec une énergie rare et beaucoup de folies. Les courtes chansons de ce groupe sont jouées avec un entrain très communicatif, entrecoupées par de multiples interludes aussi marrantes que bizarroïdes, jazz, funk, hip-hop, jingle de radio, samples (on reconnaîtra l’intro de Ritual de lo Habitual, l’album culte de Jane’s Addiction, ou encore le Mustapha de Queen).
On sent, lorsqu’on écoute ces chansons, que le groupe ne se voit aucune limite à ses délires, le principal étant la bonne humeur et l’envie de se faire plaisir. Adoptant une attitude cool et très latine, empreinte de décontraction, de nonchalance et de chaleur, Babasónicos fait parler les guitares, souvent jouées à plein régime, tout en signant des titres lumineux et fédérateur. Beaucoup de rythmes sont basés sur la fête, le mode madchester, un tempo remuant, et ils vont s’associer à des guitares vivifiantes, saturées et puissantes pour donner un allant fédérateur et rassembleur. Que ce soit « Chicos en el pasto » ou «Margaritas » et son chant qu’on n’hésite pas à reprendre en chœur, l’envie de danser et de remuer la tête devient tellement forte qu’on abandonne toute résistance. Les pédales wah-wah sont nombreuses (« Indias » ou « Tripeanda »), la surcharge instrumentale aussi, style que l'on doit au producteur Daniel Merelo, et tout ceci renforcent la force de percussion des refrains et des mélodies festives.
Et le talent de ce groupe se révèle également lorsque le ton cède devant une tendance plus langoureuse, comme sur le magnifique « Natural », avec ce chant plus lyrique, plus léger, cette guitare sèche et ce déluge de grosses guitares, ou bien sur le divin « Bien », véritable slow moite qui monte crescendo. Les arrondies des voyelles espagnoles et les roulements des « r » confèrent une couleur nouvelle au shoegaze. C’est encore plus frappant sur le merveilleux « Sol Noranja », évasion shoegaze de toute beauté, avec explosion de saturation, coupure, intervention de guitares sèches et de percussions, solo de guitare, pour un chant romantique et séducteur.
Un grain de folie, des guitares punk, shoegaze ou grunge, un rythme endiablé, une absence de retenue, notamment en ce qui concerne les amplis : c’est ce qu’on va retrouver chez Babasónicos et qu’on ne retrouve que chez peu d’autres. L’esprit hippie n’est jamais très loin : « Sonos la pelota » n’hésite pas à couper brusquement le tempo, quant au passage psychédélique avec ses voix ouatées du superbe « Sobre à Hierba », devenu pour les fans un véritable hymne, il est quasiment irrésistible. D’ailleurs, de multiples références au cannabis ne sont même pas cachées. Et même s’il ne s’agit que d’un premier album, bon nombre de formation aurait aimé en faire aussi bien tout au long de leur carrière. Car au même titre que Juana La Loca ou Soda Stereo (dont les membres font d’ailleurs des apparitions au sein de cet album), ce groupe démontre que l’Argentine possédait un rock particulièrement inventif et unificateur. A l’image de leur tube éternel : « D-Generación », son intro grunge et sa basse, puis son envolée ska-punk sous fond de déluges de guitares saturées à la Dinosaur Jr, ses réminiscences shoegaze, un vrai coup de poing de bonheur.
Ce qui nous fait d’autant plus regretter cette époque bénite. Babasónicos a signé là un album essentiel de ce qu’on appelait « El nuevo rock argentina », aujourd’hui disparu.

The Lavender Faction : Ride EP

2011-05-16T16:40:00.003+01:00

Ride EP de The Lavender Faction

Sortie : 1990
Produit par Dave Lusty
Label : Lust Recordings

A chaque fois qu’on écoute ce tout premier titre, « Ride », incarnant tant la jeunesse populaire, celle des écartés et des éconduits, on se plonge dans l’essence même du shoegaze, ce vacarme innocent, ces mélodies crasseuses.
La plupart des groupes shoegaze sont demeurés inconnus, cantonnés à faire quelques bars et à sortir quelques singles. Pourtant, c’est justement avec ces groupes-là, lavés de toute grossièreté, qu’on découvre l’esprit préservé du style : une envie de faire crisser les guitares, écraser la batterie de manière solennelle, tout en susurrant des mélodies magnifiques.
The Lavender Faction ne déroge pas à la règle et avec son boucan, son tourbillon, sa façon troublante de ne jamais élever la voix alors que les guitares sont distordues et bruyantes, le groupe incarnera ce qu’était réellement le shoegaze.
Beaucoup de gens les ont oubliés par la suite et il ne restera du shoegaze que des préjugés. Tandis que ces deux chansons, encore primesautières, reviennent aux fondamentaux. « Back to yesterday » ne fait qu’indiquer que les garçons de The Lavender Faction ne sont que des jeunes qui ne savent pas vivre sans guitare. Qu’ils n’ont aucune autre ambition que de les brancher, dans un bar, après avoir avalés quelques choppes de bières, oubliant de diminuer le volume des amplis, pour lover de chères mélodies dans un marasme crispant.

The Lavender Faction : In my mind EP

2011-05-15T19:02:00.002+01:00

In my mind EP de The Lavender Faction

Sortie : 1990
Produit par David Lusty
Label : Lust Recordings

Le shoegaze repose sur un principe simple : ne pas faire de bruit pour faire du bruit.
Tout s’efface devant les guitares, les coups de caisse et la vigueur naïve d’une aspiration juvénile, et le regard se baisse, les voix s’adoucissent et la fierté s’évanouit. Difficile ensuite d’imposer au public du charisme. Et souvent le mouvement shoegaze a été regardé avec condescendance. Comme s’il fallait, pour susciter l’attrait, avoir une attitude de poseur et une clarté séductrice dans le son.
Pourtant, dans le shoegaze, l’ambition démesurée existe et elle se manifeste par un assemblage extravagant d’instruments électriques et rythmiques. Les tourbillons extraits, particulièrement fascinant, témoignent d’une fougue, presque indomptée. Mais toujours diluée par une posture tranquille, évasive et apaisante. Ce contraste renforce davantage cette force. Le shoegaze manie les codes du rock et les sublime, en ne se refusant rien, mais sans s’afficher, sans utiliser cet impact pour en tirer profit.
The Lavender Faction, groupe qui n’a jamais connu le moindre succès, bénéficie alors d’une simplicité essentielle. Loin des tracas commerciaux, loin du succès, le groupe se contente d’aller à l’essentiel. Evidemment, c’est sous-produit, évidemment, pour l’instant, les guitares s’emballent, mais une certaine nonchalance dans le chant permet d’aboutir à des chansons géniales de fraîcheur, un peu grossière mais aussi un peu voilé. On trouve autant de douceur cajolante que de défonce instrumentale dans des titres comme le génial « In my mind » (et son tumulte mordant) et comme « Harbour Me ».
C’est une reconnaissance qu’on oublie si vite : le shoegaze, c’est une affaire de guitare. Les gens qui ont pu regarder d’un mauvais œil ce mouvement ont occulté ce fait, ces entrelacs de guitares distordus, cette impulsion géniale à laisser les amplis à fond, cette fougue emportée, pour pointer plutôt l’attitude et la mise en scène. En ne répondant pas aux standards poseurs, les musiciens shoegaze sont retournés aux fondamentaux. De même qu’en abaissant le volume sonore du chant, léger et presque fatigué (« Something I see »), The Lavender Faction remet en avant les guitares, la basse et la batterie. Et c’est encore ce qu’il y a de mieux.

The Lavender Faction : Four riffs for Joe EP

2011-05-15T17:08:00.003+01:00

Four riffs for Joe EP de The Lavender Faction

Sortie : 1991
Produit par Dave Lusty
Label : Lust Recordings

The Lavender Faction signe là quelques unes de ses meilleures chansons. Ayant gardé son style précoce, une production simple, une composition teintée de candeur, le groupe fait crisser les guitares et enchaîne les riffs sur un rythme fracassant. Mais là où « Total Change » impose son tempo, le chant reste effacé, quelque peu désabusé. « Haze » possède un tempo alangui et laisse couler un riff déglingué, titubant et hésitant tout en étant magnifique, initiant la voie à un superbe morceau honnête et simple de ballade rock, qui à chaque fois se verra plombé par une allure hachée. La fausse simplicité des chansons du groupe renvoie à la forme originelle du shoegaze. Sous-produit, avec un petit côté garage, légèrement crasseux tout en restant psychédélique et voluptueux (les superbes parties de guitares de « Was it you »), le recueil revient au basique et au merveilleux.
On note également qu’il n’est nullement question de s’affoler et de forcer le propos : toutes ces chansons, rondes et saturées de bruits, restent avant tout d’adorables compositions, adolescentes, touchantes et vibrantes. La magie opère dans son apparence la plus simple, la plus dépouillée, la plus proche des enregistrements studio, avec peu de moyens mais beaucoup de cœur. La photo de la pochette (signée J Oldshitz) efface le côté affrété et romantique du shoegaze pour ne retenir que les moyens basiques. Sans prétention aucune et sans les obligations d’une quête de succès, The Lavender Faction touche ainsi au plus juste. L’arrêt de l’envolée de « Crawl Down », charmante chanson en apparence, entraîne un ton plus désabusé, que vient souligner le chant tranquille, voilé, masqué par le mixage amateur, presque susurrant, un ton aussi splendide que quelque peu triste, ce qui en fait au final quelque chose de sincère et de superbe.
The Lavender Faction possède un côté touchant car derrière cette apparence de jeunes premiers, passant leur vie dans les salles de concert paumés, se révèlent une grande sensibilité, encore toute barbouillée, mal dégrossie et un peu imparfaite. Ce qui est d’autant plus stupéfiant, c’est que ce style va plomber encore plus l’Angleterre dans un marasme désabusé, ouvrant ainsi la porte à l’arrivée d’une Brit-Pop avenante, cette même Brit-Pop qui enterrera davantage ces groupes comme The Lavender Faction.

Fiche artiste de Red Dye No. 5

2011-05-08T11:44:00.004+01:00

Red Dye No. 5

Juste avant de devenir AM Vibes, la truculente Lisah Nicholson faisait partie d'un petit groupe de San Diego, évoluant dans un style entre shoegaze, indie et power-pop. On ne pourtant pas dire que c'était celui de la région, la ville étant connue pour ses scènes screamo et pop-core au début des années 90. Et Lisah Nicholson, avec le guitariste Patrick Padilla, étaient proches de jeter l'éponge. C'est grâce à l'arrivée du bassiste James Reader et du batteur Scott Frazier que le groupe sent qu'il pourra malgré tout imposer sa vision des choses.
Le groupe a tenu à s'obstiner, utilisant les pédales de distorsions et le fuzz, mais dans une optique pop, jusqu'à ce que le label local Silvergirl Records leur propose d'enregistrer un premier single. Par la suite Red Dye No. 5 (du nom d'un colorant alimentaire) a pu effectuer des premières parties, pour Julianna Hatfield, Low Pop Suicide ou Everclear par exemple.
Un deuxième single, sur le label californien Candyfloss, sort l'année suivante, accompagné d'articles et de concerts avec Versus, Swirlies ou Hula Hoop.
Après cela, un premier album est annoncé... pour ne jamais sortir !
Heureusement, on retrouvera Lisah Nicholson au sein de AM Vibes.

Red Dye No. 5 : Fuzzbomb EP

2011-05-04T15:41:00.003+01:00

Fuzzbomb EP de Red Dye No. 5

Sortie : 1995
Produit par Eric Nielsen
Label : Silver Girl

Dans la voix de la jolie Lisah Nicholson, il y a un peu de Juliana Hatfield, la même chaleur, le même grain et le même vibrato qui en fait une adolescente un peu revêche, un peu rebelle, un peu sensuelle.
Très pop dans l'esprit, même s'il contient beaucoup de guitares, le titre "Pigeon" permet d'entendre, son grain si particulier, ses glissades, son ton mielleux, ses miaulements parfois, pour un tourbillon très frais et sans prétention. Il y a beaucoup de mordant dans ce single.
Ses vocalises d'ange venu du ciel, en ouverture de l'incroyable et vibrant "Head Phuck", témoignent de l'esprit espiègle de la petite, qui n'hésite pas à jouer avec différents registres, tantôt sussurante, tantôt raleuse. En tout cas, c'est avec un couplet monstrueux que Lisah Nicholson démontre toute sa hargne, sa force et son charme qui dépasse tout ce qu'on peut attendre, notamment lorsque le ton s'emballe et qu'elle finit par mugir. Mais le riff reprend, ce riff génial, qui ralenti, accélère, freine pour reprendre de plus belle, voir qui n'hésite pas à s'effacer au profit d'une basse alanguie et de distorsions fatigués, ce riff donc, qu'on voudrait qu'il ne finisse jamais, prenant son envol, emporté par les saturations, les couches de fuzz et les coups de batteries, les "I don't care" scandés de manière nonchalante, et faisant de cette chanson un des titres les plus tripant jamais entendu.
Un titre qu'on écoute et réécoute, tout en secouant la tête, sous le charme de cette Lisah Nicholson, et sa voix de polissonne qui tient pourtant tête à des myriades de guitares déchainées. Il faut que cela soit dit, "Head Phuck" est un tube, ni plus ni moins.

The Sunflowers : Closer EP

2011-05-04T15:02:00.002+01:00

Closer EP de The Sunflowers

Sortie : 1991
Produit par Steve Mark
Label : Claw Fist

The Sunflowers fait parti des sans-grades, de ceux qui n’auront jamais sorti d’album et qui n’auront jamais fait de vraies salles de concerts. C’est dans les bars que le groupe s’est construit et cela s’entend.
Ce qui est fascinant avec ce groupe, c’est la hargne qu’ils mettent à capter l’attention et à maintenir une certaine idée de tension dans leurs compositions. Balancé à mille à l’heure, « Day into day » pourrait quasiment être un titre punk. L’énergie est communicative, hachée, emportée par son propre élan, propulsé par une morgue incroyable de petits voyous. On imagine sans peine le rendu en live, dans des conditions dantesques, telles qu’on pouvait les trouver dans ces bars de quartiers où la bière est moitié moins chers qu’en centre ville, dans ces clubs où les jeunes remuaient, époustouflés qu’ils étaient par cet assaut supersonique.
Ces gars-là se donnaient sans compter. Et c’est cette insouciance, associée à beaucoup de présomption, qui fait de « Closer », un titre sublime, entraîné par un rythme à la fois magique, dansant et remuant, des arpèges géniaux à la guitare, un chant rempli de fierté mal placée, des chœurs mélodieux et des saturations jouissives.
Le groupe turbine à fond et se renvoie coup sur coup, en se moquant des convenances. On aurait tant aimé que cela se poursuive indéfiniment.

The Sunflowers : It's only everything EP

2011-05-02T21:29:00.004+01:00

It's only everything EP de The Sunflowers

Sortie : 1991
Produit par Steve Mark
Label : Claw Fist

Il est de tradition dans le rock anglais, de faire des ballades, mais des ballades rapiécées, jouées tambour battant et toute barbouillées. The Sunflowers, petit groupe sans prétention, est plutôt bon à ça. Reprenant leur répartition habituelle du vinyle single, une face plutôt calme, l’autre plutôt nerveuse, The Sunflowers signe deux titres superbes de shoegaze.
Le premier, le divin « It’s only everything », probablement leur meilleur morceau, se gorge de guitares saturées, jusqu’à emplir tout l’espace, mais n’oublie jamais un seul instant un certain côté enjôleur, sublimé et quelque peu magique, mais alors avec beaucoup de pudeur. Et ce qui en fait une chanson culte, parfaite pour définir ce qu’était réellement le shoegaze à cette époque bénite, c’est que ce côté alangui est joué avec une tendresse toute naïve, celle de jeunes désireux de faire avant tout cracher les guitares. La basse est splendide, elle se maintient durant tout le morceau malgré le recouvrement, tout comme cette merveilleuse guitare sèche qu’on devine à peine derrière les saturations, qui va conférer beaucoup d’émotions, repris par ce chant mi-ampoulé, mi-braillard. L’écriture qui mélange un sens inouï de la mélodie romantique et une volonté farouche de faire exploser les enceintes, est pourtant typique de l’Angleterre.
Car il ne faut pas l’oublier, les gosses de The Sunflowers sont avant tout des sales gosses, et ils le font bien savoir avec « Too far too fall ». Ce second titre dégage une pugnacité, un affront et une nervosité sans égale, sans que jamais le sens de la mélodie ne soit galvaudé : refrain rock digne des meilleurs concerts anglais, chant dédoublé et grandes bouffées de « aaaaaaaaaaaaaaaaah » revigorant, solos de guitares virevoltant et partant dans tous les sens, saturation et son particulièrement dense, on se régale ! Il n’y a qu’eux pour faire des ballades rock aussi criardes et vulgaires.

Fiche artiste de Röövel Ööbik

2011-04-20T16:11:00.004+01:00

Röövel Ööbik

Passer à côté de ce groupe mythique serait commettre un impair si on souhaite connaître l’histoire du rock estonien ou celle du shoegaze tout court, tant les deux mouvements, à la fermeture des années 80 et à l’ouverture des années 90, sont intimement liés.
Les étudiants à cette époque, ceux qui allaient être à l’origine de la « Révolution Chantante » et du renversement progressif du pouvoir soviétique, se nourrissaient des influences étrangères : My Bloody Valentine, Jesus and Mary Chain, The Sugarcubes. En cachette de leurs parents, ils étaient branchés sur les émissions britanniques de John Peel et souhaitaient à leur tour fonder des groupes de rock.
C’est dans ce contexte que se forme Röövel Ööbik en 1987 à Tallinn, groupe qui allait devenir par la force des choses de leader du mouvement indé en Estonie. Les quatre héros se nomment : Tõnu Pedaru (au chant), Allan Hmelnitski (à la guitare), Tarvo Varres (à la basse) et Raul Saaremets (à la batterie). Dans un premier temps, ils écument les bars, s’essayent dans les garages et produisent même une cassette intitulé "Irr" en 1989. Désireux de promouvoir leurs amis estoniens, le label Stupido, situé en Finlande (car contrairement à une idée reçue, les estoniens se sentent plus proches des pays scandinaves que de la Russie) leur propose de signer leur premier contrat. En effet, appelé tout d’abord Stupido Twins, le label a pour bout de soutenir les groupes estoniens qui luttaient contre l’opression du régime soviétique. D’ailleurs les deux premières signatures du catalogue ne sont pas finlandaises puisqu’il s’agit du groupe punk estonien J.M.K.E et de Röövel Ööbik. Ces derniers partent se produire à New-York, avant de sortir leur premier album en 1992, un vrai concentré shoegaze dynamitant et foldingue, qui sera d’ailleurs historique à plus d’un titre, notamment pour être le premier album estonien à être édité en CD.
En 1993, le groupe devient également le premier groupe estonien à être invité à faire une session dans les studios de Radio 1 avec John Peel, qui venait de découvrir leur son shoegaze.
L’année suivante, le groupe expérimente davantage et avec l’album « Psychicosmos » en 1994, il explore les voies du jazz et de la drum’n’bass. S’en suit d’ailleurs un hiatus de près de dix ans, au cours duquel certains des membres se mettront à l’electro avec le projet Una Bomba. Mais en 2004, Röövel Ööbik (avec Sten Šeripov du groupe J.M.K.E venu les rejoindre) revient dans le style rock des débuts afin de continuer la légende.

Röövel Ööbik : Popsubterranea

2011-04-19T23:02:00.003+01:00

Popsubterranea de Röövel Ööbik

Sortie : 1992
Produit par Ari Vaahtera
Label : Stupido Records

Ce qu’il y a d’extraordinaire avec ce groupe, c’est que le rythme ne faiblit jamais : quasiment toujours à fond les manettes !
Pour beaucoup, la formation estonienne a été la bande-son d’une jeunesse débridée, tout juste libérée et insouciante. Avec ce premier album, Röövel Ööbik condensera guitares noisy, rythmique de déjanté, envie démangeante de se déhancher et exubérance. Le ton volontairement pressé et remuant sur la plupart des titres se charge de tout faire valdinguer et on se prend vite au jeu. Au jeu de quoi ? Celui de remuer dans tous les sens, de franchir tous les interdits, d’oser toutes les envies, comme l’ont fait de nombreux jeunes estoniens à l’époque.
Röövel Ööbik incarne cette jeunesse, génération de la « Révolution Chantante », et son envie de faire la fête. Avec ses titres supersoniques comme « The best of fantasy and science fiction », au beat dansant, aux saturations ébouriffantes, aux distorsions qui se répondent en écho, au chant pas très soigné mais doux, allégé et fédérateur, ou comme « Sports and games », finalement presque punk, cet album est un manifeste nerveux, empressé et hédoniste.
Là où le groupe est sans conteste génial, c’est par son absence totale de sérieux. Seule demeure la curiosité de tester de nouvelles tendances, à l’image des samples du groovy « Equalized Evil Envious Eyes », des prêches de sauvageons et des pédales wah-wah de « Finger on the trigger, transfigured » ou des bizarreries post-punk de « Well I welcome ». L’ensemble sera recouvert par un immense mur du son de saturations et autres distorsions. C’est un peu comme si les membres du groupe ne savaient pas se retenir et lâchaient les brides en bon adolescents crétins qu’ils sont.
Non seulement cet album est une référence pour le rock estonien, surtout pour son importance historique, mais la sauce prend, cette espèce de mélange indéfinissable entre Escatsy of Saint Theresa et Ned’s Atomic Dubstin est un vrai bonheur, qu’on écoute d’une traite, du début à la fin. « Komil Kapital Kaput » (notez au passage que les titres sont toujours de vraies pépites) possède des arpèges à la guitare sèche à se damner, saupoudrés de saturations, jusqu’à une déferlante totale et secouante. « Practicaly perfect in every way » porte très bien son nom, avec ce passage ralenti magnifique, quelque peu allumé et rêveur, au milieu de cette fronde de jeunes écervelés. Probablement le meilleur morceau. A moins que ce ne soit « Pull Push (Storyteller is dead) », tout bonnement magique, un shoegaze scindé en deux, avec une première partie miraculeuse et indus, au texte parlé et/ou susurré, et une deuxième partie délaissée des saturations et devenue pour le coup adorable, gracieuse et époustouflante.
Ecouter cet album (aujourd'hui réédité), c’est se replonger aussitôt dans cette ambiance, encore intacte et préservée, celle où tout était permis.

Fiche artiste de Cherry Forever

2011-04-18T15:54:00.003+01:00

Cherry Forever

Faisant parti de la vague shoegaze de Norwitch, le groupe a été autant nourri aux fracas sonores de Ride qu’à l’insolence éhontée des Telescopes. Excellentes références donc.
C'est tout naturellement qu'il s'est mis à jouer pour les concerts de Barry Newman, le légendaire propriétaire du Wilde Club. Si Norwich a pu devenir, au début des années 90, un des centres importants de la culture rock indépendante, c'est avant tout grâce à cet homme. Lassé de ne voir jamais rien venir à Norwich, il décide d'organiser lui-même ses propres concerts ! Pour cela, il investit le Norwich Art Center en 1988 pour y monter sa structure et propose à ses groupes préférés de venir s'y produire. "Quand j'ai entendu King of the slums et Pennine Spitter chez John Peel, je me suis dit : pourquoi ne pas en faire autant ?" reconnaîtra Barry Newman.
Pour ce faire, il troque de nom, pour Baz Mc Hat (en référence à une chanson de The Fall), et demande de l'aide à des amis, dont Ollie Redmane, qui deviendra manager par la suite. Barry Newman raconte : "j'ai commencé par promouvoir les groupes que j'aimais et c'est comme ça que le Wilde Club s'est monté." Le premier concert est un succès, permet de faire rentrer suffisament d'argent et un label se constitue alors, permettant de diffuser les chansons des groupes qui venaient se produire sur scène. Les deux premiers groupes, qui partageront un single, seront The Bardots et Shine!.
Viendront ensuite d'autres formations, dont la plupart sonneront comme My Bloody Valentine (un des groupes préféré de Barry Newman) : The Suncharms, Catherine Wheel et donc Cherry Forever. Même si par la suite le Wild Club devint célèbre (il acceuillit pendant près de vingt ans des artistes comme Oasis, Muse ou Coldplay), Cherry Forever n'en profita pas. Aujourd'hui, il ne subsiste aucune information sur ce groupe, dont on ne connait même pas les membres. Ils auront laissé un single en 1992 et un titre sur la fameuse compilation du label Wild Club Records, "I might walk home alone", contribuant ainsi pour une part à l'histoire de Norwich, petite ville de l'Est de l'Angleterre, devenue une référence du rock indépendant.

Cherry Forever : Headstrong EP

2011-04-18T15:46:00.004+01:00

Headstrong EP de Cherry Forever

Sortie : 1992
Produit par Cherry Forever
Label : Wild Club Records

Cet EP est composé d’une structure qui épouse parfaitement les deux faces du vinyle : les furieux « Cherry Forever » et « Spook » sont un miroir dérangé de l’aspiration de « Higher than heaven » et « Down and around » à tutoyer les douceurs évanescentes. Avec pour dénominateur commun, cette tendance à vouloir fracasser les oreilles, jetant les guitares en pâture à des effets sans noms, distorsions, saturations et j’en passe.
Possédant une allure de voyou, le titre éponyme balance sec, fait du rentre dedans, avec son rythme punk, ses riffs coup de poing et son chant de morveux. Ça sent les pubs, la bière bon marchée et les vestes en jeans, avec des badges des Jesus and Mary Chain et autres Spacemen 3, épinglés sur la poitrine. Et ce n’est pas le très bon « Spook » qui viendra contredire cette impression. Maintenant une pression constante, oubliant de régler les amplis sur « son clair », dispensant des aveux d’allumé, cette chanson remplit parfaitement son rôle de trip électrique et saturé.
La deuxième face de cet EP est moins provocatrice. Le chant prendra d’ailleurs plus de distance, se cachant derrière le mur de saturations et se faisant plus doux et léger, mais toujours aussi défoncé. « Down and around » sera basé sur une basse très groovy, quant au divin et rêveur « Higher than heaven », point culminant du single, il tempère le tempo pour une démonstration sublime de grâce à peine salie par des agressions saturées de vilains garçons. Hormis cela, ce sera évidement, car on ne se refait pas, la cacophonie la plus indescriptible possible. Un vrai défouloir de distorsions dans tous les sens, un pillage en règle des codes de politesse dans le rock, un ramassis de débris électriques bigarrés et sauvages.
On n’ose d’ailleurs à peine imaginer ce que ça devait donner en concert…

Fiche artiste de Butterfly Child

2011-04-12T21:52:00.002+01:00

Butterfly Child

Personnage à part dans le monde pop anglais, très certainement maudit, Joe Cassidy possède la particularité d’être inconnu de tout le monde, sauf de ses pairs et de la presse, qui lui voue un culte. Ses albums, abscons et psychédéliques, seront reconnus comme de véritables merveilles, sauf que personne ne les a jamais achetés !
Seul membre constant, Joe Cassidy fonde son projet à Belfast en 1990 et c’est grâce au label de AR Kane, qu’il sort son premier single l’année suivante. La filiation est encore évidente sur « Tooth Fairy », mélange entre shoegaze et dream-pop, mais dès le suivant, « Eucalyptus », Joe Cassidy impose sa pate et se démarque, avec des propos nettement plus expérimentaux.
C’est avec ces singles pop sur le célèbre label Rough Trade que Butterfly Child se fait remarquer, puisqu’ils seront chacun élus « single of the week » par le NME ou le Melody Maker, une performance ! L’album « Onomatopoea », en 1993, est un collage de divers délires pop à la Brian Wilson, assez dur à suivre et très brouillon, ce qui ne l’empêche pas d’être encensé par la presse, car on y décèle de multiples coups de génie. Le suivant, « The Honeymoon Suite » paraîtra en 1995 sur Dedicated (Spiritualized, Cranes) et sera beaucoup plus accessible, lumineux. « Le terme de pop parfaite devrait être inventé pour eux » reconnaîtra même un journaliste du Melody Maker. Quelques temps après, Joe Cassidy s’envole à Chicago pour y enregistrer le troisième album, « Soft Explosives », son chef d’œuvre le plus mature.
Malgré un groupe de fans hardcore et autant d’éloges de la part de la presse spécialisé, aucun de ces albums ne réussira à se vendre. Joe Cassidy demeurera alors un artiste incompris.

Butterfly Child : Tooth Fairy EP

2011-04-12T12:22:00.004+01:00

Tooth Fairy EP de Butterfly Child

Sortie : 1991
Produit par Rudy Tambala
Label : H.ark !

A ses tout débuts, Joe Cassidy a encore du mal à se défaire des saturations dont il est influencé. « Softest thing since skin » présente des petits arpèges délicieux à deux guitares adorables, frappés de temps à un autre par un coup sec à la caisse. Le chant est doux, léger, assez affrété et malmené par une certaine émotion qu’on sent à fleur de peau, notamment lorsque la voix se double. Puis les saturations et grésillements emportent le tout. Le refrain est éclatant avant que Joe Cassidy ne se pavane à nouveau. Ce superbe titre, le plus éclatant et évident, se termine écrabouillé par des saturations.
Mais on sent tout de même que ce n’est qu’une rampe de lancement pour ses sorties futures dans le monde du psychédélisme. D’ailleurs lorsqu’on change la face du vinyle, on accède à des chansons plus rêveuses encore. Les choses deviennent au fur et à mesure moins évidente. Là où Joe Cassidy nous laisse avec un « Words that end in G », bousculé mais encore prégnant, on tombe sur la finesse même.
« Jacqueline Frost » se manifeste par des guitares magiques, perdues dans une contrée lointaine, flottant autour de nous comme des petites fées. Le chant est perdu lui aussi, ayant du mal à garder un cap en terme de mélodie, et préférant scander des souffles légers de frétillement émotionnel ou autres gargarises béates.
Légèrement planantes avec ces saturations et ces bidouillages répétitifs, les chansons de cet envoûtant single OVNI, ne manquent pas d'attirer la curiosité en même temps qu'un sentiment de plénitude. Un ensemble extatique se dessine peu à peu, glissant d'un monde organique à un monde-machine, sans tracer une frontière nette. A force les repères s’estompent comme « Hollycopteur » qui s’efface sous des distorsions spatiales, se laisse gagner par la torpeur, transforme le chant famélique et doucereux de Joe Cassidy en rares échos fantomatiques. Seule, la basse (extraordinaire ici) se maintient vaille que vaille comme un phare dans la brume. Cette musique respire l’étrange. Il est bon de s'y laisser aller et de s'y oublier autant de fois que la morosité du monde quotidien l'exigera.

Fiche artiste de Juana la Loca

2011-04-12T12:17:00.005+01:00

Juana la Loca

Aidé par Daniel Merelo (producteur de Soda Stereo et prophète en son pays), qui a pris le groupe sous son aile, Juana la Loca a finir par devenir une figure majeure en Argentine.
Ce qui en fait n’est pas un hasard, Rodrigo Martín étant considéré comme un des meilleurs songwriters de sa génération. Génération du « Nuevo Rock Argentina » d’ailleurs. Avec Los Brujos ou Los Babasónicos avec qui ils feront de grandes tournées dans le pays.
Il fonde le groupe en 1988 et choisit le nom de cette reine de Castille, dont la mélancolie et la schizophrénie inspirèrent les historiens. Le succès de Juana la Loca, au-delà des mélodies imparables et fédératrices, est du au retour au premier plan des guitares, parfois saturées, notamment sur son premier album, hommage au shoegaze anglais. Autoproclamé « el primer groupo sónico de Argentina », Juana la Loca a signé quelques uns des plus enthousiasmants titres qu’on ait eu le droit d’entendre en Amérique Latine à cette époque.
Mais la popularité du groupe cache l’impopularité de Rodrigo Martín au sein de la formation. Autodidacte et autoritaire, il vire pas mal de membres, choisit plutôt ses proches et change fréquemment de style. A force, les musiciens annoncent la fin du groupe, en 1999, pour divergence de points de vue, après une énième tournée éprouvante, avant que Rodrigo Martin ne lance un démenti ! Réalisant une OPA sur le groupe, il s’érige en seul membre fondateur et décide de poursuivre avec d’autres musiciens.

Juana la Loca : Electronauta

2011-04-06T21:08:00.005+01:00

Electronauta de Juana la Loca

Sortie : 1993
Produit par Daniel Melero
Label : BMA

Rien ne remplacera le rock et le plaisir simple de jouer dans un groupe. Se réunir avec les copains, répéter ensemble dans une pauvre petite salle, sortir prendre un verre ensuite, faire cracher les amplis juste parce que c’est plus fun comme ça, animer des concerts sans prétention. Tenir une guitare dans les mains et en faire sortir le son le plus puissant possible. S’échanger des sourires complices avec le batteur. Sentir que les gens adhèrent, balancent la tête, partagent le goût pour un rock mélodique et enchanteur. C’est ça le rock. C’est la jeunesse. Les membres de Juana la Loca sont jeunes. Et ils ont des rêves pleins la tête. Avec leurs titres punchy, directs et bouillonnant, comme « Ella dorada » ou « Lo más tierno hoy », presque aussi punk que les Ramones, les argentins justifient que le rock est toujours à la mode et sera toujours à la mode, quoiqu’il arrive, car le plaisir de jouer et de signer des mélodies accrocheuses est contagieuse. L’écriture, simple, lumineuse, maniant les saturations et les chants légèrement doux, met en évidence un talent furieux à l’origine de chansons comme on ne sait plus en faire. Le rythme artificiel (très madchester), mâtiné de distorsions de « Mercurio », ou celui du noir « Jalea de flor », qui fait penser à Curve ou Medicine, est la marque de l’affront. Ces musiciens qui osent avec la pop. On aurait pu dire que c’est finalement une formation banale, seulement cet album est une claque. Juana la Loca est un groupe qui dévoile une propension folle à signer des chansons impeccables, toujours à la limite de la saturation, de la simplicité et de la surprise. Sans se poser de questions, avec une insouciance rare, voilà que les guitares de « Cupido » deviennent magiques et évoque les Cure des années 80, voilà que « Pensando como langousta » se fait très vaporeux et délité, voilà que « Mi otoño es verde » ralentit la cadence, avec une basse très rampante, assez psyché, et se laisse recouvrir de distos, réverbs et saturations. Bon enfant et collant parfaitement avec l’air du temps en Argentine, le shoegaze de Juana la Loca est synonyme de la simplicité retrouvée. Une douceur adolescente maquillée sous des guitares saturées dans une enivrante envie de faire tourner les têtes comme les jupes. En écoutant une fois, dix fois, cent fois le refrain génial de « Ella con limones », on se plonge dans cette atmosphère unique, celle du bon rock, celle des concerts qu’on assiste lorsqu’on est étudiant, celle des potes indéfectibles.

Fiche artiste de KG

2011-04-06T17:38:00.005+01:00

KG

Rémy Bux, le guitariste terroriste du son, aura tant fait pour l'indie rock en France. Signataire, avec son groupe, ou pas vraiment car plus ou moins en solo vers la fin, de plusieurs singles introuvables aujourd'hui, éparpillés sur divers catalogues (Lo-Fi Recording, Clairecords, Orgasm, tous dévolu au shoegaze façon do-it-yourself), ce touche-à-tout et grand recycleur aura exploré et ouvert pour les autres de nombreuses voies expérimentales.

Abonné lors de ses débuts à la densité sonique à l'instar de My Bloody Valentine, le style du groupe fera un crochet par l'electro-punk avant de revenir à des sonorités absconces mais proche de la cold-wave. Une chose est sûre, c'est que cet homme a tout fait (mais alors vraiment tout) pour qu'on ne parle surtout pas de lui ! Ses guitares grésillent à en exploser les tympans, les structures mélodiques n'existent pas et le numérique a peu à peu remplacé tous les musiciens. Malgré tout, son influence est très grande, ne serait-ce qu'à Strasbourg, sa ville d'origine, où il a contribué, avec notamment Sébastien Borgo, à monter le groupe bruitiste SunPlexus2 et à fonder la Shot Gun Gallery (ou SGG pour les intimes), lieu d'expositions et de concerts contestataires et dérangeant.

KG : Candy loves me so

2011-04-06T14:00:00.006+01:00

Candy loves me so de KG

Sortie : 1993
Produit par Rémy Bux
Label : Lo-Fi

Le plaisir est simple, enfantin, limite régressif : casser et détruire tout ce qui brille. Rémy Bux, l'homme derrière le nom obscur de KG, va proposer de très courtes chansons, toutes adorables, toutes mignonnes, toutes gorgées de sucres glace, si elles n'étaient pas massacrés par d'insupportables distorsions électriques. On décelèle même beaucoup d'innocence sur une chanson comme le jubilatoire "Loves me forever", avec ses guitares sèches et son ambiance twee, mais qui devra céder face aux aggressions répétées des saturations.
On devine le goût du bonhomme pour l'expérimentation et un esprit aussi tordu et vicelard ne peut conduire qu'à prendre sans cesse le contre-pied. Sur son premier EP, Rémy Bux montre tout son amour pour My Bloody Valentine, dont il reprend tous les codes. Sur le titre éponyme, "Candy loves me so", on retrouve certes les distorsions qui font mal aux oreilles (mais vraiment mal) comme tout autant ces voix géniales, alternance entre le chant masculin désabusé et le chant féminin angélique. C'est très court à chaque mais c'est très bon. On sent une urgence et une spontanéité qu'on retrouve dans peu de groupes finalement. Aussi bien dans les guitares qui ne ménagent pas et ne sont pas là pour arrondir les angles, que dans le ton, au service d'une mélodie précose, éjaculatoirement parlant.
L'alliance entre la sucrerie et le piquant est un régal. Il ne faut d'ailleurs pas se fier au titre "You my sweet wounded bird" car c'est en réalité un vrai massacre en règle des hymnes pop. On reconnait, stupéfait, un rythme preque indus et des grésillements à casser les oreilles, avant de stopper brutalement et laisser place à une pause stratosphérique, puis de reprendre de plus belle ! Il n'y aura malheureusement pas de poursuites dans le même style, poussant l'exploration encore plus loin et surtout du côté de l'électro, et ce premier EP devra donc se contenter d'un statut de curiosité dans le monde de l'indé français.

Fiche artiste de Afterglow

2011-04-04T13:43:00.002+01:00

Afterglow

Mené par les deux songwriters, Greg Ng (plus tard dans Snout) et Dave Wroe, le groupe australien a contribué à la légende du label Summershine, avec le turbulent single "Fall Behind", qui d'ailleurs sera repris sur la célèbre compilation "Juste a taste" de Slumberland. A la basse, ils se feront aidé par James Brown et au clavier, par Ritchie Brooks.
Du shoegaze crasseux des débuts au shoegaze lumineux des EP sur Supersonic Records, le groupe de Melbourne, dont on ne sait aujourd'hui quasiment plus rien, n'a jamais réussi à confirmer les espoirs placés en eux. Car aucun album ne suivra, Ng étant recruté auprès de Snout à la guitare (et au chant), pour entretenir la scène indépendante de Melbourne.
Comme bon nombre de formations de shoegaze, ils auront alors participé à cette histoire anonyme. Une obstination, un goût pour les guitares et les mélodies douces, qui ne se sera soldé que par un manque de reconnaissance.

Afterglow : Vision

2011-03-31T21:44:00.004+01:00

Vision de Afterglow
Sortie : 1993
Produit par Dave Hannan
Label : Supersonic Records

Sur leur premier EP, on devine le groupe encore agité, tumulteux et assez troublé. On le sent à l'écoute de morceaux comme le superbe "Slowsong", qui ne tait jamais son tonnerre, met en avant une sublime mélodie glacée à la guitare, froide comme la pierre mais magique comme un chant féerique. Même si le ton reste alangui, plutôt plombé, c'est cette mélodie qui maintiendra la chanson à flot, même lorsque les saturations exploseront pour un déluge abbatu et laconique. Tout simplement superbe.
L'accent sera particulièrement mis sur les riffs de guitares, cristallines dans l'ensemble, même si elles n'hésitent pas à se faire plus électriques, de manière à pouvoir soutenir un propos aussi bien poétique qu'assez élégiaque, ambiance qu'on note dans les voix d'enfants de coeur, souvent dédoublées, oscillant entre déclamation grave et des "aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaah" étendus à l'infini ("Vision").
La cadence peut se faire plus lourde, les guitares écraser davantage, la batterie cogner un peu plus, les chants se faire plus solennels, cela ne change rien au ton plutôt étourdi, réveur et adolescent. Même sur l'angoissé "Lost in funhouse" (morceau particulièrement réussi de part sa basse très mise en avant et son chant un peu plus grave et apprêté que d'habitude), on retrouve cette candeur savoureuse. Afterglow avait tout pour signer de véritables tubes. Bien entendu, car cela reste du shoegaze avant tout, les choses ne se sont pas passer de cette manière et cet EP est resté relativement inaperçu.
A noter cependant, qu'il contient aussi "Fall Behind", qui est en fait un de leur tout premier enregistrement, à l'époque où le groupe présentait un mélange de furie rock et d'innocence juvénile, tournade de guitares, qui rappelle les tout débuts de Ride.

Afterglow : Teddy's got a gun

2011-03-31T20:57:00.007+01:00

Teddy's got a gun de Afterglow

Sortie : 1994

Produit par Dave Hannan

Label : Supersonic Records

A force d'essayer, Afterglow a finit par toucher au but. C'est sur leur dernier essai qu'ils auront été le plus près de la chanson pop par excellence, celle dont le refrain, la mélodie, le son léché serait si efficace qu'elle accrocherait d'entrée et sans condition.

Globalement, le son (avec enfin une production à la hauteur) et l'énergie d'Afterglow font vraiment preuve d'un sens de l'évidence : les guitares sont bien senties, le tempo est soutenu et les harmonies vocales, avec ces dédoublements, ces refrains entrainants, sont particulièrement avenant. Certes, rien de bien compliqué (on sent que les membres du groupe sont moins torturés qu'à leur début), mais "Racoon" ne se pose guère de questions et emballe dès la première écoute, tandis que "Bright and eady" joue des arpèges sous un tonnerre de saturation. Le duo de voix d'enfants de coeur évoque Ride, influence évidente pour ce groupe australien.

Heureusement, il ne se contente pas d'être une copie, et se montre capable de dépasser cette condition : "Teddy's got a gun" est superbe à plus d'un titre. Non seulement les entrelacs entre les deux types de voix, toutes deux doucereuses et naïves, sont inouïes, mais en plus les riffs sont très variés, rappelant For Against, autre influence qu'on n'aurait pas soupçonnée !

Au jeu des chansons plus langoureuses, pour emballer les filles, Afterglow réussit là aussi le coup parfait, avec le magnifique "Where you are", claviers de sortie, voix béates et mielleuses, guitares sèches superbes. Un réel songwriting qui pourrait en rendre jaloux plus d'un !

On sent que sur cet EP, Afterglow maîtrise mieux son sujet, sait exactement où il veut aller, quel son il veut produire ; le groupe se rend intelligible, va à l'essentiel, et après tout, on ne demande guère plus au rock, sinon de signer de belles chansons, qu'on se plait à répéter en boucle.

Une chanson comme par exemple "Run for you wife", joué à cent à l'heure, simple, basique, essentiel, évident, avec un refrain comme on aimerait en entendre sans discontinuer, toute notre vie, qui nous redonne le moral, l'entrain et le sourire, tout ça à la fois !

Fiche artiste de Dreamscape

2011-03-31T20:36:00.004+01:00

Dreamscape

Avant de former Secret Shine de la maison Sarah Records, le guitariste Scott Purnell et le batteur (mais aussi pianiste) Jamie Gingell oeuvraient déjà au sein de Dreamscape.

Leur tout premier single sort en 1990 sur un petit label allemand, A Turntable Friend, dans un style très proche des Cocteau Twins, où officie la délicieuse chanteuse Rebecca Rawlings.

Plus tard, ils sortent un autre EP, sur La-di-da Productions (le label de Beatnick Filmstars et Earwig), en 1992. On y retrouve toujours les influences dream-pop, à la différence près que les reverbs seront très présentes, tout comme des saturations, annonçant le futur style à venir. Seulement, cela ne peut se confirmer, du moins avec Dreamscape. Comme l'explique très bien les membres du groupe : "ce maxi devait servir de transition entre Blackflower et notre premier album qui devait s'intituler "Greater than God". Mais il ne fut jamais enregistré, malgré que ce fut notre plus bel effort, tout ça à cause d'un désaccord avec notre label". Ce rendez-vous manqué scella l'avenir du trio, qui se sépara alors.

Il y eu bien pourtant un "Greater than God" qui finit par sortir, mais c'était sous le nom de Secret Shine !

Dreamscape : Blackflower

2011-03-31T17:49:00.005+01:00

Blackflower de Dreamscape

Sortie : 1990

Produit par : Dreamscape

Label : A Turntable Friend

Intriguant rythme à la batterie sur "Evergreen", presque martial, indus, une sorte de pulsation, qui tranche avec la langueur du morceau, s'élevant dans des hauteurs oniriques et éthérées, caractère évanescent qui sera renforcé par le clavier, la douceur de la voix et les notes froides de la guitare. On sent ici toute l'influence de la dream-pop des années 80, celle qu'on pouvait entendre avec Dead Can Dance ou Cocteau Twins. Cet univers glacial et féérique retire de facto tout repère. Cela créé une sensation hypnotique, comme si on flottait. La magnificence est de mise.

Les arpèges de "Blackflower" se détachent une à une avec élégance, tandis que porte haut un chant de déesse qui inonde d'une lumière chaleureuse tout l'ensemble. Les traces discrètes du piano derrière ou des guitares sèches donnent une impression antinomique de candeur lyrique. A tel point d'ailleurs qu'on a du mal à y croire, à croire que tout ceci est bien réel. Une forme de cocon se construit, un refuge, où toute contrainte serait annulée.

Et c'est là qu'il est intéressant de noter que ce type de musique, gothique et aérienne, offre un refuge. Jamais une pop n'avait semblé si irréelle et pourtant c'est la seule qu'on sent capable d'apaiser, la seule où on se reconnait, au sein de laquelle on s'épanouit, car elle est calme, magique et reposante.